martes, 1 de agosto de 2017

Dusan Jevtovic: avanzando bien hacia el lado oscuro de la improvisación, por Enrique Farelo, Carlos Lara y Sergio Cabanillas

El serbio afincado en Barcelona Dusan Jevtovic es uno de los guitarristas más innovadores del momento, formando parte de una generación de músicos para quienes el rock y el jazz forman parte de un crisol en el que confluyen varias fuerzas creativas. Su propuesta musical ha merecido la confianza de uno de los sellos más prestigiosos de los últimos tiempos, Moonjune Records, que dirige Leonardo Pavkovic. Su último trabajo como líder hasta la fecha es Am I walking Wrong? (2013), donde Jevtovic muestra una gran motivación hacia la creatividad, el compromiso y la complejidad.

Desde 2005 colabora con el batería catalán Xavi Reija, primero en el DX Project (2Sides) y a partir de ahí con otros interesantes proyectos como el Xavi Reija Quintet, que editó Dreamland en 2006 y Rithual en 2008. El último proyecto en el que ha colaborado con Xavi Reija es Resolution (2014), también para el sello Moonjune.

Sobre su trayectoria profesional y sus inquietudes sobre el momento que atraviesan las músicas creativas en las que se desenvuelve, habla en la siguiente entrevista.

                                   Dusan Jevtovic © Endika Ussia

Tomajazz: Hay una clara evolución desde una fusión eléctrica de los trabajos anteriores hacia la improvisación más abierta y la exploración del sonido y las texturas. ¿Qué factores han influido para esa transición?

Dusan Jevtovic: En mi caso, ha sido un proceso largo de investigación, estudio y al final la búsqueda, que es lo que a mí realmente me gusta e inspira. Una de las cosas principales es el sonido. Pedales y loops han cambiado mucho mi manera de pensar en la música y la composición.

Tomajazz: Se aprecian paralelismos entre Am I Walking Wrong? y el nuevo trabajo a trío de Xavi Reija Resolution ¿Has sido tú quien los ha atraído al “lado oscuro” de la improvisación y los ha animado a explorarlo?

Dusan Jevtovic: Creo que ambos discos por un lado tienen su propia vida y estética, pero también suenan algo parecido, más que nada por el sonido de la guitarra. También puedo decir que, en un año, que es la diferencia de tiempo entre una y otra grabación, hemos evolucionado mucho. El sonido es aún más fresco y más oscuro, si lo vemos así.

Tomajazz: Tanto Am I Walking Wrong? como Resolution ¿Son los discos más comprometidos y complejos que has grabado hasta la fecha?

Dusan Jevtovic: Sin ninguna duda. Creo que por fin hemos llegado a tener nuestra propia voz, estar muy cómodos con todo lo que hacemos y felices de poder compartir nuestra música en todo el mundo.

Tomajazz: Tanto tú como Xavi Reija habéis sido los primeros músicos de España en grabar con el sello Moonjune Records de Leonardo Pavkovic y ambos sois miembros de proyectos afines. ¿Qué importancia concedéis a este hecho?

Dusan Jevtovic: Los últimos tiempos han hecho que la manera de editar o sacar un disco cambie mucho. Creo que los músicos sabíamos muy bien qué aspectos en la industria musical ya no funcionaban, pero el problema surgió porque no teníamos tan claro qué hacer. En esto sí que nos ayudó Leonardo con su sello Moonjune.

   
                         2Sides DX Project Stachmo Records, 2006
                          Dusan Jevtovic On The Edge L'Indi Records, 2009
                                                                   
                Dusan Jevtovic Am I Walking Wrong? Moonjune Records, 2013

Tomajazz: ¿Cómo conocisteis a Leonardo “Moonjune” Pavkovic y cómo ha sido vuestra relación con él?

Dusan Jevtovic: A Leonardo lo conocí a través de internet. Creo que él leyó una entrevista de Enrique Farelo con Xavi Reija y allí es donde empezó a investigar sobre mí. Durante muchísimos años estuvimos en contacto compartiendo ideas y nuestra pasión por la música. Al finalizar la grabación de Am I Walking Wrong? surgió la idea de sacarlo con su discográfica.

Tomajazz: Ambos conocéis la experiencia de la autoedición. ¿Qué os aporta trabajar con un sello como Moonjune? ¿Ventajas e inconvenientes?

Dusan Jevtovic: Para mí es una experiencia única. El trabajo que está haciendo Leonardo es impresionante. Incluso ahora, ocho meses después de que saliera el disco, siguen las reseñas, las entrevistas, radios, etc. Leonardo no para y es un privilegio estar en su plantilla. Creo que, por desgracia, en España no tenemos a nadie con tanta energía y conocimiento sobre management o promoción de grupos o músicos de jazz, blues o fusión.

Tomajazz: ¿Creéis que hay un público en España para este tipo de música?

Dusan Jevtovic: Público hay en todos los sitios del mundo, pero muy poco. De Leonardo aprendí que es importante llegar a todos aquellos a quienes les gustaría conocer tu música. Al final todo suma, y se puede llegar a un número mayor de personas que moviéndose a nivel local.

Tomajazz: ¿Qué repercusión está teniendo el disco dentro y fuera de nuestras fronteras a nivel de crítica?

Dusan Jevtovic: En mi caso estamos muy contentos. Más de cien reseñas, radios, etc. Las críticas han salido en todas las revistas o paginas web o blogs del mundo progresivo en todo el mundo. Creo que he tenido sólo una reseña menos favorable sobre el disco, pero tampoco es negativa. Sin duda, hemos superado todas nuestras expectativas.

Tomajazz: ¿Qué respuesta tienen ambos proyectos entre los programadores?

Dusan Jevtovic: De momento tengo un manager de fuera, y hemos empezado a mover el proyecto ya que la promoción, es decir, la primera fase, se está acabando. A finales de verano ya empezaremos a tocar, de momento fuera de España. Intento no buscar donde no hay posibilidades, o al menos donde las cosas no fluyen. Se están haciendo contactos en todo el mundo tanto con mi management o con Leonardo, que siempre está con nosotros.

                                 Dusan Jevtovic © Andrea Nieto

Tomajazz: “Los músicos tienen que cobrar menos por sus actuaciones”. Estas declaraciones están atribuidas al ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert. ¿Qué opináis de semejante perla?

Dusan Jevtovic: En todos los países y todos los gobiernos del mundo muchas veces hay personas que no dominan mucho su trabajo. Gente que probablemente no vive en este planeta, pero de los que podemos depender mucho. No sé qué decir sobre esto, aunque en su momento lo leí.

Tomajazz: Es una apreciación, pero ¿has tenido mayor libertad, tanto en tiempo como en sonidos, en el disco con Xavi que en Am I Walking Wrong??

Dusan Jevtovic: Como decía antes, no es que haya tenido mayor libertad en una grabación que en la otra, simplemente he aprendido o, al menos, me he dejado llevar mucho más en la grabación de Xavi, que se hizo un año después de grabar mi disco.

Tomajazz: Utilizas muchos efectos, incluidos loops y el fuzz. ¿Por qué éste último y no otro tipo de distorsiones?

Dusan Jevtovic: Sí, el fuzz es un sonido que me inspira muchísimo. Desde que lo descubrí, no hago nada que no sea con el fuzz. Tengo una buena colección de pedales de fuzz y para mí es un sonido natural que sale de mi cuerpo. Aunque suena a fusión, yo soy muy fan del jazz y la escena underground de Nueva York. No escucho a los guitarristas de fusión de moda.

Tomajazz: ¿Para cuándo un disco de blues?

Dusan Jevtovic: Este año tocamos algunos temas para el programa de TV3 Cava de Blues y creo que han quedado bien. A ver cuándo entramos en el estudio y lo grabamos aún mejor.

Tomajazz: ¿Qué tipo de guitarras has utilizado en Resolution? ¿Son las mismas utilizadas en Am I Walking Wrong?

Dusan Jevtovic: En Am I Walking Wrong? he utilizado sólo la Fender Telecaster, y en Resolution, la Telecaster y la Fender Hybride, que es una guitarra con cuerpo de Telecaster pero pastillas de Strato.

                                      Dusan Jevtovic © Endika Ussia

 Tomajazz: Aunque llevas unos años en Barcelona eres de origen serbio, un país muy desconocido en España a nivel musical, por lo que sería interesante que nos comentaras el panorama actual del jazz en ese país.

Dusan Jevtovic: Allí hay muchísimos músicos, como en todas las partes del mundo. Buenos proyectos de jazz fusión o de blues. El país todavía sigue un poco cerrado pero se puede viajar, tocar o estudiar fuera. Hay músicos con mucho nivel.

Tomajazz: ¿Crees que Barcelona es el lugar apropiado donde puedes desarrollar a gusto tu carrera profesional?

Dusan Jevtovic: Todos los sitios tienen algo bueno y algo malo. Creo que en España se puede vivir muy bien. También es normal que a cierta edad ya pienses en moverte y hacer algo fuera. Para mí es algo natural. Viajo mucho y toco por el mundo con gente muy interesante.

Tomajazz: ¿Qué guitarristas del momento te resultan más interesantes?

Dusan Jevtovic: Yo soy muy fan de Nels Cline y John Frusciante.

Tomajazz: ¿Dónde te encuentras más a gusto en un estudio o en el concierto?

Dusan Jevtovic: Últimamente mucho más en el estudio. Hace ya muchos años que grabamos en directo sin editar la grabación después, es siempre algo muy inspirador e imprevisible. Así que supongo que, como queda grabado para escucharlo después, me gusta mucho crear allí. El estudio requiere mucha concentración para sacar lo mejor de uno mismo, porque sabe que se está grabando y queda para siempre. Me gusta la adrenalina que produce grabar en un estudio.

Tomajazz: ¿La improvisación es tu principal referencia y el territorio en el mejor te mueves?

Dusan Jevtovic: Sí, pero aunque parece o suena como algo extraordinariamente abierto y abstracto, tampoco lo es. Improviso con sonidos, ambientes y texturas, pero en la mayoría de los casos sé más o menos qué es lo que va a pasar. También funciona así en el jazz. Igual es la primera vez que hago algo de determinada forma, pero seguro que la frase, sonido o combinación de todos los elementos ya se ha probado o está controlada en mi mente de alguna manera.

                                     Dusan Jevtovic © Joan Linuxbcn

Tomajazz: ¿Qué expectativas tienes respecto a presentar tu trabajo en directo? ¿Cuándo en Madrid?

Dusan Jevtovic: La presentación de mi disco en España tendrá que esperar a otro momento por muchas razones. ¡Espero que con Xavi sí que podamos estar pronto en Madrid!

Tomajazz: Como proyectos de futuro, ¿es cierto que tenéis en ciernes un disco en común, mano a mano entre Xavi y tú?

Dusan Jevtovic: Acabamos de grabar un disco a dúo. El disco ya está en proceso de mezcla y lo tendremos en breve. A ver cómo queda.

Texto: © Enrique Farelo, Carlos Lara y Sergio Cabanillas, 2014.
Fotografías: © Endika Ussia, Andrea Nieto y Joan Linuxbcn, 2014.



martes, 20 de junio de 2017

Sanchema (Bogui Jazz, Madrid. 2017-06-14) [Concierto]

Sanchema (Bogui Jazz, Madrid. 2017-06-14)
·         Fecha: miércoles 14 de junio de 2017.
·         Lugar: Bogui jazz club (Madrid).
·         Grupo:
Sanchema
David Sancho: teclados, sintetizador y voz.
Chema Saiz: Guitarra eléctrica y voz.
Comentario:

                                            David Sancho & Chema Saiz
                                               © Sergio Cabanillas, 2017

Bastaron apenas unos segundos para mostrar las intenciones de un dúo que aglutina una variedad de posibilidades cromáticas plenas de compromiso y experimentación con sonidos que ciñen su angosta música en los brillantes años 70.
No muy lejos de propuestas lisérgicas y lunáticas de grupos como Gong o Pink Floyd pero yendo mucho más allá que éstos; proyecto de difícil catalogación y encasillamiento, de búsqueda sonora que explora caminos virginales valiéndose del Ambient, Drums&Bass, electrónica, Rock progresivo Canterbury y avanzado o Rock&Roll marciano que forma un caleidoscopio multicolor que se entrecruzan y eleva a clímax de máxima intensidad para desvanecerse en paisajes electrónicos intimistas.
Las melodías son irreconocibles y los ritmos troncales, se juega con las distorsiones provocadas y los background repetitivos que beben del inconsciente colectivo, se obtienen capítulos abstractos de una música de posibilidades imposibles.
Sanchema es la "Caja de Pandora", es la “Batidora Machine” que combina el Rock Naif con la Bossa Nova celestial en composiciones como “Pequeña canción de amor” o se sitúa al borde del abismo en “Ballade” en un descarado homenaje al grupo Yes desde un punto de vista de la música Barroca en clave de humor inteligente que hubiera santificado el mismísimo Frank Zappa y que lacra el pase primero.

                                                         Chema Saiz
                                                   © Sergio Cabanillas, 2017

Tras el paréntesis para reponernos de lo que habían visto nuestros ojos y una vez preparados para las nuevas sorpresas, David y Chema, tanto monta monta tanto, se pusieron en marcha con un dúo de voces en el que la letra pegadiza suponía un nuevo toque de humor (one, two, three, four, five….). El juego rítmico de las voces con juegos de punteos de guitarra en diferentes registros, alternando con los teclados, ponen en evidencia una amalgama de sonidos, cada vez más compactados e imprevisibles.  Sin solución de continuidad, los teclados y la guitarra aumentan la intensidad de las improvisaciones, llegando a puntos máximos y desvaneciéndose paulatinamente.
La actuación tuvo su punto más impresionante con la sorpresiva “Tocatta y Fuga” de Bach interpretada a guitarra por Chema, que también rindió homenaje en varias fases a la llamada música culta, pero interpretada a su manera. Sorpresa que se fusionó con un tema de Beatles en plan progresivo donde los teclados y la guitarra lleva la pieza a terrenos indefinidos.
El sentido del humor juega con el contraste  y con lo inesperado. Por eso escuchar de repente, casi sin venir a cuento el “Ya no puedo más” de Camilo Sexto,  refleja un elemento histriónico a añadir a los muchos que llenaron en recital. De nuevo se pone en evidencia que no importa el tema, sino cómo se interpreta.

                                                    David Sancho
                                                          © Sergio Cabanillas, 2017

 En general, los temas que interpretó este dúo tiene dos caras: una reconocible y otra en la que las referencias se pierden merced a las improvisaciones y la gestualidad free de Chema Saiz nos muestra al músico en plena creación. Y así continuó sucediendo con una versión del “Wish you were here” de los míticos Pink Floyd, de nuevo a través de improvisaciones. O en el casi irreconocible “All The Things You Are”, donde los solos de guitarra vuelven a tener la réplica de los teclados, pero en esta ocasión fueron más fieles a la clásica interpretación jazzística.
Al final, dando rienda suelta a su imaginación y capacidad para extraer los máximos sonidos a la guitarra, Chema Sainz y su compañero David Sancho se ganaron el derecho a un bis, donde el teclista pudo lucir una vez más sus dotes de organista clásico, del que seguro se ha empapado en su corta carrera.
   
Texto del primer pase: © Enrique Farelo, 2017
Texto del segundo pase: © Carlos Lara, 2017
Fotografías: © Sergio Cabanillas, 2017
Publicado originalmente en: http://www.tomajazz.com/web/?p=31011

martes, 30 de mayo de 2017

RS Faktor: Akúfeno (Errabaljazz 2016) [CD]


Tanto el comentario como la escucha de esta obra pueden hacerse de forma libre agrupando las composiciones por grupos; así podríamos empezar con RS Atlantic Faktor y subdividiendo éste, a su vez, en el que intervienen Lucía Souto y Nani García (“Verónica” y “Hércules Tower”) o en el resto que los excluye en favor de Iago Mouriño y Pablo Añón (“Jokorik Gabe”, “Fjordsong”, y “Good Times in Galicia”) para terminar con RS Basque Faktor o bien movernos libremente tal cual no apetezca.
Yo prefiero comenzar por el principio para continuar y completar las composiciones de RS Atlantic Faktor dejando para más tarde “Verónica” y “Hércules Tower” y terminar con el resto de cortes pertenecientes a RS Basque Faktor.
Uno de los momentos más turbadores del disco se manifiesta con “Jokorik Gabe”, tema con el que comienza a andar éste Akúfeno. La frescura y alternancia en los solos y los impactantes juegos de los metales te enganchan desde el inicio. El piano eléctrico de Iago Mouriño nos acerca la mirada a la década de los años 70 del pasado siglo.
En “Fjordsong”, Pablo Añón, Rubén Salvador, Iago Mouriño y Miguel Cabana se relevan en los solos de forma ordenada, amable y precisa con el apoyo y contundencia del contrabajo de Simón García con valores del clásico be-bop.
“Good Times in Galicia” rezuma un cierto sabor a los discos producidos por el sello CTI, donde la trompeta de Rubén Salvador recuerda a Freddie Hubbard y los teclados de Iago Mouriño a Chick Corea poniendo sobre el tapete la fusión como una opción más a explorar.
 La voz de Lucía Souto nos aleja de lo escuchado hasta este momento insinuando sonidos cercanos a la bossa nova con Rubén Salvador cálido al fiscorno en “Verónica”. Con “Hércules Tower” se cierra RS Atlantic Faktor. Una composición que vuelve a dar un nuevo giro, esta vez hacia el hard-bop, y lo hace con argumentos sólidos y convincentes apoyado en solos que mantienen la tensión a través de cambios de ritmo que insuflan colorido a un final abrupto.
 Con el homónimo “Akúfeno” entramos en el RS Basque Faktor, una nueva formación y un sonido más complejo y compacto que practica un hard-bop que intercala sonidos al alimón, Julen Izarra y Rubén Salvador con solos y diálogos entre éstos o entre piano (Satxa Soriazu) y bajo (Javier Mayor) o entre Satxa Soriazu y la batería de Hilario Rodeiro.
“Albayzin” es un homenaje al barrio granadino que Rubén Salvador ofrece a su sangre andaluza y cuyo comienzo no puede ser más representativo e inequívoco: jazz-flamenco que viste el contrabajo de Javier Mayor en guitarra y que se transmuta be-bop y en hard-bop con el desarrollo de la composición. Los bellos solos de la trompeta de Rubén Salvador o el saxo tenor de Julen Izarra interactúan con la sección rítmica con precisión y elegancia destilando buen gusto e implementado por una melodía eterna difícil de olvidar.
“Outubro” muestra su lado más solemne personalizado en Satxa Soriazu y en el que el saxo tenor de Julen Izarra y el fiscorno de Rubén Salvador ponen cierto aire nostálgico y bucólico que da paso a una fuga para piano donde Satxa Soriazu rompe la composición con nostálgica belleza redondeando una balada exquisita y sensible.
Con “Boa Onda” termina la exposición de este álbum de brillantes composiciones y lo hace con toda la fuerza del be-bop swingueante. Julen Izarra, Satxa Soriazu o Rubén Salvador nos hacen volar alto con el apoyo de los tambores de Hilario Rodeiro y el contrabajo de Javier Mayor.
Tomajazz: © Enrique Farelo, 2017

RS Faktor: Akúfeno (Errabaljazz 2016)
Músicos: RS Atlantic Faktor (“Jokorik Gabe”, “Fjordsong”, “Verónica”, “Hércules Tower” y “Good Times in Galicia”)
Miguel Cabana (Batería), Simón García (Contrabajo), Iago Mouriño (Piano y Teclados) y Pablo Añón (Saxo Alto) en “Jokorik gabe”, “Fjordsong”, y “Good Times in Galicia”;  Lucía Souto (Voz) y Nani García (Piano), en “Verónica” y “Hércules Tower” y Rubén Salvador (Trompeta y Fiscorno).

Músicos: RS Basque Faktor (“Akúfeno”, “Albayzin”, “Outubro” y “Boa Onda”)
Hilario Rodeiro (Batería), Javier Mayor (Contrabajo), Satxa Soriazu (Piano), Julen Izarra (Saxo Tenor) y Rubén Salvador (Trompeta y Fiscorno)

Composiciones: “Jokorik gabe”, “Akúfeno”, “Albayzin”, “Outubro”, “Fjordsong”, “Verónica”, “Boa Onda”, “Hércules Tower” y “Good Times in Galicia”.
Todas las composiciones de Rubén Salvador excepto “Outubro” de Hilario Rodeiro.

RS Atlantic Faktor grabado en Bruar Estudios de A Coruña por Xabier Ferreiro “Man” el 15/11/2015 y el 25/4/2015. RS Basque Faktor en Pottoko Studio de Beasain por Fredi Peláez el 20/1/2015. 

miércoles, 24 de mayo de 2017

Javier Nombela-In Memoriam (23/4/1958 Badajoz-23/05/2017-Madrid)


Un frío mensaje de negro dolor trajo el anuncio de una muerte anunciada.
¡Qué lejanos parecen los ecos del día de ayer en la habitación 318 A del hospital de La Princesa!
Tres amigos muestran su júbilo al amigo que se va sin que éste sepa.
Apenas unos instantes en el breve devenir de la vida y, la muerte te mostrará lo que tantas veces ambos nos cuestionamos y disfrutamos en entusiasmadas tertulias.
Ahora estás al otro lado, ahora sabes, ahora conoces las luz que buscaste con tu cámara y la Música que siempre te acompañó.
TRIO BARBADILLO: Javier Nombela, Carlos Lara y Enrique Farelo
Texto: © Enrique Farelo, 2017
Foto: © Javier Nombela
Publicado también en: http://www.tomajazz.com/web/?p=30659

domingo, 21 de mayo de 2017

..: LEONARDO PAVKOVIC Y LA LUNA DE JUNIO 2008

..: LEONARDO PAVKOVIC Y LA LUNA DE JUNIO
 Por Enrique Farelo


                                        
“No cabe duda que son malos tiempos para la lírica”, como rezaba una canción de un conocido grupo pop español de los años 80, y en esas estamos. Lo cierto es que no siempre tiene uno la fortuna de conversar de manera tan amable y campechana como con Leonardo Pavkovic, a la sazón dueño de los designios de MoonJune Records. (www.moonjune.com)

Y es que este hombre es abanderado de la sinceridad, y no duda en hablar claro sobre las cuestiones que le he planteado en esta breve, pero intensa entrevista.
Espero que disfrutéis tanto como yo lo he hecho, y si además sirve para que cada uno tome conciencia de los momentos por los que atraviesa el mundo de la música, pues “miel sobre hojuelas”.

ENRIQUE FARELO: ¿Qué motivo te llevó a crear MoonJune?

LEONARDO PAVKOVIC: Para contártelo mejor deberíamos ir a un taberna con buen vino y paella y charlar hasta el amanecer.
Demasiado complejo para explicarlo, pero en pocas palabras: pasó y ahora estoy aquí en MoonJune conmigo mismo.
Entre los años 1999 y 2000 estaba involucrado en una compañía de jazz, y decidí que debía tener la mía propia, de un sonido eléctrico y ecléctico entre el jazz y el rock, que es lo que más me gusta, y así poder incluir y programar la música de mis amigos. En una ocasión alguien me preguntó cuál era el criterio para estar en MoonJune, a lo que yo respondí: “Tienes que ser mi amigo y tu música debe ser la que yo entiendo”.
Por cierto, ¿donde están ese vino y la paella de la que hablábamos antes?

ENRIQUE FARELO: ¿Por qué crear un sello discográfico en plena crisis?

LEONARDO PAVKOVIC: La industria musical atraviesa una crisis importante, pero la música que yo represento no se puede comparar con la música de moda. Los registros de ventas son cada vez más y más bajos, pero si puedo recuperar los gastos de producción y pagar a los músicos, ya me doy por satisfecho. Definitivamente, este no es un negocio para obtener ganancias. En realidad, nunca he obtenido ningún beneficio con mi sello, y no estoy seguro de que alguna vez lo obtenga, pero hago lo que me gusta, y no pierdo dinero. Pero por si acaso, tú no te dediques a lo mismo. Mis actividades principales están enfocadas a tener un catálogo internacional.
Deseo y espero, que pueda conseguir algunas ganancias con el sello, pero teniendo un catálogo relativamente pequeño, no es fácil. Las ventas de CD’s de música en géneros como el rock progresivo, el jazz-rock, el avant-jazz y similares, son un una broma, sólo los artistas que hacen potentes giras como Porcupine Tree, Pat Metheny, King Crimson o John Scofield, podrían hacer algo de dinero a través de la descarga, pero los artistas que tengo en mi sello serian unos ilusos si pensaran que podrían hacer lo mismo. En cuanto a las descargas digitales de las que hoy hablan todos, si gano unos pocos cientos de dólares al año ya me podría dar por satisfecho. Las compañías de ventas digitales están teniendo récords de ganancias, no porque 10.000 artistas vendan mucho, sino porque el 1% de ellos vende mucho. Así es como se pueden conseguir récords de ventas.
Si la industria dependiera solamente de la distribución digital, el 99% de artistas se iría fuera del negocio. Una vez que Britney Spears lanza un single, es fácil que venda 10 millones de descargas de un solo tema en una semana o en un mes. Puedes llegar a tus propias conclusiones si consigo vender 200 dólares en descargas digitales, por ejemplo: del disco Floating World Live de Soft Machine en un año.
Esto es el puro caos, pero estoy seguro que algo pasará, y nos adaptaremos todos a la nueva situación. ¿Cuál situación? No tengo ni idea, ni tampoco tiempo para pensar en ello. Otro factor a tener en cuenta es que la gente compra los discos y los copia en CD para intercambiarlos con otros amigos.
 
 ENRIQUE FARELO: ¿Cómo ves el futuro discográfico y, si los artistas seguirán dándose a conocer a través de discográficas o por otro medio?

LEONARDO PAVKOVIC: Hoy en día es difícil ser reconocido por las grandes audiencias. Por ejemplo, algunos de los más jóvenes grupos de rock de mi sello, como DFA, TríPod o The Wrong Object, si fueran artistas ingleses o americanos surgidos en 1971/1972, estarían en lo más alto entre los grupos de su género. Hoy, sólo si eres apoyado por discográficas importantes, mucho dinero y grandes promotores, puedes conseguir éxito y reconocimiento. Pero también es cierto que los que tocan en vivo son los que pueden vender más e incrementar los ingresos.
Esto también es válido para algunos de los artistas de jazz más jóvenes de mi sello, a pesar de su talento como Jason Smith o Riza Arshad. Los promotores de los festivales se interesan sólo por los grandes nombres, aquellos que pueden venderse de forma segura. Cuando les ofrezco una banda europea joven y prometedora, aún reconociendo su valía se niegan a contratarlos, prefiriendo grupos americanos –aunque estos sean mediocres– o bien los conocidos y legendarios de Europa. Sé que en mi catálogo tengo unos pocos artistas considerados como conocidos, leyendas del pasado, como Allan Holdsworth o Soft Machine Legacy, a los que es más fácil vender que a otros grupos como simakDialog, DFA ó Jason Smith.
El problema es que la calidad sufre debido a la cantidad, ya que creo que hay demasiada gente en el mundo que toca y graba música, que quiere ser músico, y que el 90% de ellos simplemente está para aprovecharse, mientras que en los años 50, 60 y principios de los 70, la mayor parte de músicos eran buenos.
En estos momentos, los músicos tal vez sean técnicamente más capaces que sus precursores de hace 20, 30 o 40 años, pero terriblemente, el factor genuino falla en la mayor parte de la música de hoy. La paradoja y la tragedia es que hoy la mayor parte de los artistas con menos talento consiguen más proyectos que los que tienen más. Esto es el caos intelectual, nada tiene sentido.
Otro factor es que los promotores de los festivales no toman ningún riesgo. Prefieren promover una música menor que a sus ojos puede venderse, en vez de una música de calidad que no puede venderse. Realizando una gira de Soft Works por Italia en 2004, solicité a un promotor italiano la posibilidad de incluir a DFA, joven banda italiana de mi sello, como telonera, y tocando gratis. Ni siquiera gratis quisieron hacerlo, porque existe la idea, en este caso en Italia, de que la gente que va a un espectáculo no quiere ver un telonero, sobre todo si es de su propio país.
 
El único modo de mejorar las ventas de registros es hacer giras y tocar en directo. Las revistas no aumentan las ventas y la radio podría ayudar un poco, pero lo único que favorece las ventas es tocar en directo. Es difícil ser conocido sólo porque tienes un disco y hayas salido en 200 ó 300 revistas en 20 ó 30 idiomas.
Mi querido amigo Steve Feigenbaum del gran sello Cuneiform Records, ha lanzado una orquesta de jazz contemporáneo de Barcelona, llamada Planeta Imaginario. Steve hará una promoción excepcional, enviará toneladas de CD’s, intervendrá en la prensa, y estará en programas radiofónicos especializados, pero si la banda no toca en directo, ¿cómo conseguirá el reconocimiento que merece? No tengo ninguna banda española, pero tengo una italiana, belga, e indonesia, todas jóvenes y con mucho talento; son buenas bandas para venderse en festivales, pero la industria entera está jodida, porque hay millones y millones de artistas que quieren tocar, viajar, vender CD’s, etc. No todo el mundo es bueno, porque la cantidad está matando la calidad y los promotores de festivales no quieren intentarlo con alguien que no es “seguro”.
Desde luego experiencias como YouTube, Myspace, Facebook, Last.fm y similares pueden aumentar la popularidad de artistas emergentes, pero es difícil también. Hay que moverse en un mundo donde la cantidad está contra la calidad. El futuro pasa por crear una imbricación entre un sello y un artista y hacer las cosas juntos. Al menos esto es lo que sucede en mi caso, nos ayudamos el uno al otro. Nos necesitamos el uno al otro, pero también, tenemos que ser conscientes de la realidad. ¡Y de los daños de esa realidad!
 
ENRIQUE FARELO: ¿Qué ha sido de Mike Ratledge?

LEONARDO PAVKOVIC: Mike Ratledge se retiró en 1977 de Soft Machine involucrándose en los años 80 y 90 en el mundo de la publicidad con Karl Jenkins como socio, fue un negocio tremendamente exitoso.
Igualmente participó con su colega en el primer proyecto Adiemus, vendiendo miles de discos.
Después de eso abandonó completamente el negocio musical y dedicó su tiempo a hacer todas las cosas que realmente le gustaban, como el estudio de la historia del arte, el renacimiento italiano, etc.
Durante casi 15 años estuvo ausente de cualquier actividad musical y nunca deseó volver a la música. En la actualidad no ha tocado ningún instrumento desde aproximadamente 20 años, y la última vez que puso sus dedos en un teclado fue en un estudio, durante el proyecto Adiemus, no apareciendo en concierto desde 1976. No tiene ninguna relación con miembro alguno de los fundadores de Soft Machine, a excepción hecha de John Etheridge, con quien mantiene una amistad ocasional que nada tiene que ver con la música.
No ha asistido a ningún concierto de Soft Machine Legacy ni a ningún otro desde hace 25 años.
Solo después del concierto ofrecido por Soft Machine Legacy en el London’s Pizza Express –un conocido club de jazz de Londres– y con motivo del fallecimiento de Elton Dean, permaneció durante 45 minutos hablando con sus viejos amigos Hugh Hopper y John Marshall. También asistió al funeral de mencionado Elton Dean.

ENRIQUE FARELO: ¿Es cierto que Soft Machine Legacy estará en España este verano?

LEONARDO PAVKOVIC: Sí, está confirmado el concierto en el Heineken Jazzaldia de San Sebastián el 27 de julio de este año y un día antes, el 26, en Antequera Blues Festival, en Antequera (Málaga).

ENRIQUE FARELO: ¿Qué bandas tienes en cartera de cara al futuro?

LEONARDO PAVKOVIC: Estoy en contacto con la banda italiana que me recomendaste –Catasto Elettrico–, aunque no quiere decir que esté interesado en contratarlos, si bien es cierto que el grupo me gusta y es una buena banda.
Recibo muchísimas demos, de las que el 90% no me gustan.
Soy independiente y no puedo sacar todo lo que quisiera.
Los próximos dos discos de mi sello son: Hugh Hopper & Yumi Hara Cawkwell "Dune", una colaboración del legendario bajista de los Soft Machine, y la cantante/pianista japonesa de vanguardia que vive en Londres.
También el nuevo disco en estudio de los italianos de Verona, D.F.A., 7 años después del fenomenal disco en vivo Work In Progress Live. Una banda increíble, no profesional, que cuenta con innumerables admiradores del rock progresivo, repartidos por todo el mundo.
Espero un gran éxito de este nuevo disco que simplemente se titulará: 4th (El Cuatro).
D.F.A. es la banda de rock progresivo que más me gusta de los últimos 15 ó 20 años, junto a Deus Ex Machina y los belgas The Wrong Object, que bien hubieran podido tener igual o mayor repercusión que, por ejemplo, Flower Kings, de haber estado en activo los últimos 10 años.
Pero por razones familiares y de trabajo no ha sido posible adaptar su carrera musical, ni tan siquiera semi-profesional. De cualquier manera, mejor así, ya que seguirá manteniendo su status de grupo de culto.
Tengo en mente sacar más discos de The Wrong Object y Soft Machine Legacy, e incluso un DVD de D.F.A.
Y de las bandas jóvenes, me gustaría hacer el nuevo disco de los indonesios de simakDIALOG. También me interesa mucho una banda sueca, muy joven, Nude Fox Ensemble, que tienen un sonido inspirado en Zappa, Magma, Henry Cow, Soft Machine y Caravan.
Y para terminar te diré que quiero hacer una compilación llamada Elton Dean & Hugh Hopper, Slightly all the Time, con los temas en vivo entre los años 1999-2005 de varios proyectos "soft"; como: Soft Ware (1999; Dean, Hopper, Tippett, Marshall), Soft Works (2002-2004; Dean, Hopper, Holdsworth, Marshall), Soft Machine Legacy (Dean, Hopper, Etheridge, Marshall ó Dean, Hopper, Etheridge y Genockey, que sustituyó a John Marshall por enfermedad), Soft Bounds (2004; Hopper, Dean, Domancich, Goubert) y Soft Works TrÍo (Dean, Hopper, Marshall).
Tengo mucho material. Discos en vivo de buena calidad de los que no puedo hablar todavía.
          © 2008 Enrique Farelo                


martes, 16 de mayo de 2017

Moonjune Records III. Luna de junio III: El viaje continúa… Por Enrique Farelo 2013


Después de haberle dedicado dos monográficos al sello de Leonardo Pavkovic y una entrevista al propio dueño de los designios de esta Luna de junio parece que ya estuviera dicho todo, pero lo cierto es que esto no es así y hay pruebas más que de sobra que lo atestiguan. Desde entonces han aparecido en escena formaciones como Machine Mass Trio, Tohpati Bertiga, Ligro, Dewa Budjana, SH.TG.N, los proyectos acústicos de Sasha Markovic: Sashasonia y Yagull o los nuevos trabajos de Marbin, Mahogany Frog y douBt.

MACHINE MASS TRIO.


En cuanto a Machine Mass Trío y su primer trabajo: As Real As Thinking (grabado el 18 de octubre de 2010 en Sacha Symon at Dans Ma Cabane Studios, Liège, Bélgica) podemos afirmar sin temor a equivocarnos que se ha convertido en uno de los grupos de mayor interés y fuerza del sello. Nacido como una apuesta paralela al grupo douBt el trío cuenta con Tony Bianco (douBt) en la batería y loops y con Michel Delville (The Wrong Object, douBt) en la guitarra eléctrica y acústica, bouzouki y efectos, además de contar con el emergente y prometedor saxofonista, clarinetista bajo y flautista belga, Jordi Grognard. Michel Delville desborda y enamora desde los inicios del disco (“Cuckoo”) con un solo de guitarra que impacta en nuestro cerebro como un cañón. “Khajuaro” y “Palitana Mood” son dos piezas acústicas de similares características en las que la belleza étnica recuerda a grupos alemanes como Embrio o Dzyan. En “UFO-RA” el trabajo de Michel Delville en la guitarra sintetizador y Jordi Grognard en el saxo son una delicia. Jazz progresivo de alta escuela. Pero es en “Falling Up Nº9” donde encontramos motivos más que suficientes para disfrutar de la libertad de improvisación en un face to face entre Michel Delville y Tony Bianco. Es puro trance, es un viaje al espacio de cambios demenciales e hipnóticos de ritmo, de guitarreos tan ácidos como corrosivos, de riesgo y compromiso. Machine Mass Trío no deja indiferente a nadie y engancha a todo amante del jazz-rock progresivo con éste su disco de debut que no tiene desperdicio, y que por si fuera poco está grabado en directo sin recordings ni overdubs.

TOHPATI BERTIGA


El guitarrista indonesio Tohpati, miembro de los grupos Ethnomission  y simakDialog graba (en vivo en el estudio y sin overdubs) su disco Riot con su nuevo power trio Bertiga. El grupo lo componen el bajista e igualmente integrante de Ethnomission, Indro Hardjodikoro; el batería Adityo Wibowo y por supuesto el propio Tohpati a la guitarra eléctrica y sintetizada. El trío se mueve entre aguas turbulentas y corrosivas del King Crimson de Robert Fripp, Allan Holdsworth o los japoneses Bi Kyo Ran. Jazz-rock progresivo contundente, denso, complejo, delirante y sin reposo con la frescura y espontaneidad del directo y las dosis necesarias de funk. Riot (grabado en Irwan, en Artsound, Jakarta, Indonesia en el 2011) es un álbum sin desperdicio por derecho propio donde se podría señalar como picos más destacables: “Upload”, las composiciones más groove “I feel Great” y “Bertiga”, “Riot”,”Pay Attention”, “Absurd” y la apacible “Lost in Space”.
 http://www.tohpati-music.com/

 LIGRO


Siguiendo con grupos indonesios nos encontramos con otro power trío denominado Ligro y su primer lanzamiento Dictionary 2 grabado en Jakarta en 2011. El grupo fue fundado por el guitarrista Agam Hamzah en el año 2004, completado por el bajista Adi Darmawan y el batería Gusti Hendy. Este trío “loco” (traducción de Ligro del indonesio nacional leído al revés) fundamenta su música en grupos como Return To Forever, Mahavishnu Orchestra o Tony Williams Lifetime con retazos blues. De este Dictionary 2 cabe destacar el imaginativo y lisérgico “Bliker 3” con una introducción al piano de Adi Darmawan; la pieza “Stravinsky” cuya introducción de Bach sirve de homenaje libre a I. Stravinsky; “Etude Indienne”, “Transparansi” o Miles Away un tema corto en recuerdo a Miles Davis. Un sólido triangulo equilátero cuyos ángulos los conforman Agam Hamzah, Adi Darmawan y Gusti Hendy. Jazz-rock enérgico e incandescente a la vez que inteligente.
www.ligrotrio.com

 DEWA BUDJANA


Para terminar con los músicos de Indonesia hablaremos del guitarrista Dewa Budjana y su último trabajo Dawai In Paradise grabado casi en su totalidad en los estudios POS de Jakarta (Indonesia) y algunos otros en los estudios Puck de Santa Mónica en California (Estados Unidos) entre los años 2000 al 2011. El disco cuenta con un elenco de excelentes músicos internacionales entre los que podemos encontrar al baterista Peter Erskine (Weather Report, Steps Ahead) el multi-instrumentista Howard Levy (Bela Fleck & The Flectones) o el legendario bajista Dave Carpenter fallecido en el año 2008. Dawai In Paradise (2013) es su quinto álbum después de Nusa Damai (1998), Gitarku (2000), Samsara  (2003) y Home (2005), todos ellos editados en Indonesia. Éste álbum contiene nuevas versiones, regrabaciones y remezclas de los álbumes anteriores por lo que todo el material es nuevo a excepción de los dos últimos temas del disco, es decir, “Dancing Tears” y Devananda” pertenecientes a Home (2005) como bonus tracks.  Dewa Budjana es un músico de múltiples influencias y se nota por que su obra está impregnada de un montón de sonidos procedentes de mil y un músicos y de la más variada procedencia y época; si bien lo cubre todo con un manto étnico y de new age como el que pinta sobre otro lienzo ya pintado. De todas las composiciones nuevas entraré a comentar “Masa Kecil” firmada por Dewa Budjana y que recuerda de manera muy especial al teclista japonés Kitaro y su  tema “Silk Road” (Shichu no Michi) y perteneciente a su obra Silk Road (1980) y que sirvió de banda sonora para el documental del mismo título. Igualmente e inevitablemente “Black Home” me lleva al grupo alemán de space rock Tangerine Dream, en ambos casos no son las formas ni la instrumentación pero sí su inconfundible sonido. “Lalu Lintas” es el primer corte del álbum y lo hace con un hermoso solo de guitarra al gusto de Allan Holdsworth.  “Gangga”, es una canción pegadiza de tintes hindúes y pinceladas progresivas. Tanto en “Dancing Tears” como en “Malacca Bay” (fino y elegante su solo de guitarra eléctrica) nos ofrece un sonido cercano al flamenco y a la música española en versión de Chick Corea. De todos los cortes el que me parece de mayor valor creativo es “Kromatik Lagi”. Power trio de  rock progresivo con la guitarra de Dewa Budjana sonando a lo John Abercrombie e interactuando con facilidad tanto con el bajista Shadu Rasjidi y el batería Sandy Winarta.
www.dewabudjana.com

MAHOGANY FROG


El grupo canadiense Mahogany Frog ha publicado su sexto y último trabajo hasta la fecha Senna (18 de Septiembre de 2011). Con respecto a su anterior disco del 2008, Do5, se ha producido una variación en lo que se refiere a los componentes: Andy Rudolph sustituye a Jean-Paul Perron en la batería y percusiones. El resto de integrantes son los mismos: Graham Epp y Jesse Warkentin guitarras y teclados; Scott Ellenberger bajo eléctrico y acústico. En cuanto a la obra en sí comienza con “Houndstooth” una composición dividida en dos partes que se inclina hacia un sonido lisérgico a lo Pink Floyd donde predominan los teclados del mejor progresivo. Algo parecido sucede en “Message From Uncle Stan: Grey Shirt” y en “Message from Uncle Stan: Green House” dos piezas en una de carácter psicodélico-espacial e influenciado por el krautrock  y la música canterbury de grupos como Caravan o Soft Machine. El tema que cierra el álbum “Aqua Love Ice Cream Delivery Service” cuenta con la colaboración de Eric Lussier al clavicordio e incluye  un extracto  de “Sarabande” del compositor Barroco Jean Philippe Rameau. Excelente trabajo de texturas instrumentales, cambios de ritmos gozosos y gran creatividad muy del gusto de los setenta. www.mahoganyfrog.com

YAGULL


Detrás de Yagull se encuentra la personalidad del compositor y multiinstrumentista Sasha Markovic, el cual nos presenta su trabajo Films grabado en los estudios Z en Brooklin en New York en el 2012. Cuenta con las colaboraciones de Lori Reddy en la flauta, Sonia Choi al violonchelo, Eylon Tushiner en el saxo y Josh Margolis en la batería y teclados. Sasha Markovic y Sonia Choi forman igualmente el dúo Sashasonia, el cual debe el nombre a ambos músicos  Sasha y Sonia. El disco incluye dos versiones: “White Room” del grupo Cream  y “Sabbath Bloody Sabbath” de Black Sabbath. Folk-rock evocador e impresionista como breve viaje iniciático donde cada composición se ofrece como un pequeño poema. La instrumentación es como un visillo traslúcido que va de la mañana a la noche donde la fresca y cadenciosa lluvia (“Distance”) riega nuestra mente trasformando nuestras neuronas en bailarines de ballet. La bestia es bella en “Sabbath Bloody Sabbath” y “White Room” hermosa e irreconocible. Films es la banda sonora de una película imaginaria de new age que recorre valles, arroyos, bosques, llanuras o montañas. ¡Precioso de principio a fin!

MARBIN


Sin duda otra de las grandes bandas del sello es Marbin que publica Last Chapter of Dreaming. La formación se mantiene básicamente, si bien Justyn Lawrence sustituye a Paul Wertico en la batería y Jae Gentile a Steve Rodby en el bajo, aunque éstos intervienen de forma importante en varios de los cortes del álbum. Además el grupo cuenta con diversas colaboraciones como los teclistas Matt Nelson, Rob Clearfield y Greg Spero, los vocalistas Leslie Beukelman, Jabari Rayford, Abraha Rayford, Caleb Willitz y Justin Ruff o los percusionistas Zohar Fresco y Jamey Haddad. Completado con el trompetista Víctor García, y por supuesto Dani Rabin y Danny Markovitch cooliderando el combo. La gran mayoría de los temas están grabados en estudios de diferentes ciudades estadounidenses como Toledo, Chicago, Nashville o Philadelphia, además de la ciudad Israelita de Ramot Hashavim durante el año 2012. Last Chapter of Dreaming es un disco de sonido reconocible y familiar, es el sonido de Marbin (algo que se corresponde en forma con el Pat Metheny Group). En éste sentido “Blue Fingers” (composición que abre el disco) lo define perfectamente y la elección de dicho tema es todo un acierto de cara al resto de cortes. La uniformidad es la característica más acusada de la obra, jazz-rock condimentado con cierto sabor smooth jazz y salpicada de reminiscencias folk y blues. En “Inner Monologue” la guitarra de Dani Rabin suena a la de Robert Fripp (Discipline) en el comienzo. En “Breaking the Cycle” es la trompeta de Víctor García y el saxofón de Danny Markovitch  junto a la guitarra de Dani Rabin quienes convierten la pieza en un himno. “On the Square” y “Redline” son canciones de marcado sonido rock. “Volta” comienza oriental y nos acerca a John McLaughlin. El disco también contiene tiernas baladas new age como “Cafe de Nuit” donde la melodía predomina con la ayuda de la voz de Leslie Beukelman o “Purple Fiddle”. “Down Goes the Day” es una sencilla y breve pieza orquestal de sonido ambiental. De mayor intensidad son “Down Goes the Day” y “And the Night Gave Nothing”. En ambas Danny Markovitch recuerda a Kenny G. “Last Days of August”, es tan evocadora como sentimental. “Last Chapter of Dreaming” se debate entre el sonido Mediterráneo y la new age.
www.marbinmusic.com

DOUBT


Existía cierta expectación desde la aparición del aclamado Never Pet A Burning Dog  de 2009 del power trío douBt. Con Mercy, Pity, Peace & Love (grabado en directo el 11 de abril en el estudio 5 Liége y el 5 de diciembre de 2011, en el estudio Simonne de Bruselas, Bélgica) se cumplen esas expectativas con creces convirtiéndose en uno de los grupos referenciales del momento. Su música es compromiso y autenticidad sin límites. Es riesgo permanente y la búsqueda del arte por el arte. douBt es una nueva encarnación del Soft Machine original, es canterbury en esta puro, jazz progresivo, jazz-rock, funk o avant garde. Los componentes siguen siendo los mismos que en el anterior trabajo, es decir: Alex Maguire (teclados), Michel Delville (guitarras) y Tony Bianco (batería). Mercy, Pity, Peace & Love (Gracia, Piedad, Paz y Amor) es un álbum conceptual inspirado en el libro Songs of Innocence and Experience (Cantos de Inocencia y Experiencia) del poeta William Blake, (1757-1827) y más concretamente de su poesía:

The Divine Image
To Mercy, Pity, Peace, and Love
All pray in their distress;
And to these virtues of delight
Return their thankfulness.
For Mercy, Pity, Peace, and Love
Is God, our father dear,
And Mercy, Pity, Peace, and Love
Is Man, his child and care.
For Mercy has a human heart,
Pity a human face:
And Love, the human form divine,
And Peace, the human dress.
Then every man, of every clime,
That prays in his distress,
Prays to the human form divine,
Love, Mercy, Pity, Peace.
And all must love the human form,
In heathen, turk, or jew;
Where Mercy, Love & Pity dwell
There God is dwelling too.

La Imagen Divina
A Paz, Piedad, Amor, Gracia
Todos ruegan en desdicha;
Y a estas virtudes amables
Devuelven su gratitud.
Pues Paz, Piedad, Amor, Gracia
Es Dios, nuestro padre amado,
Y Paz, Piedad, Amor, Gracia
Es el Hombre, hijo y desvelo.
Gracia, corazón humano,
Piedad, rostro humano tiene,
Amor, sacra forma humana,
Y Paz, humano atavío.
Así el hombre en todo clima
Que reza en su adversidad,
Reza a lo humano divino,
Paz, Piedad, Amor y Gracia.
Y han de amar la humana forma,
En gentil, turco o judío;
Donde Amor y Gracia habitan,
Allí habita Dios también.

La versión de “Purple Haze”, de Jimi Hendrix, suena a Soft Machine en una versión donde Alex Maguire es el Mike Ratledge de Bundles. En “Jalal” son múltiples la influencias que van desde Chick Corea o Soft Machine, y Michel Delville vuela alto con su guitarra eléctrica. En “No More Quarrel With The Devil”, Alex Maguire se transmuta en Tony Banks (Genesis) y en un Mike Ratledge fulgurante y abrasador. “Rising Upon Clouds” es caótica, disonante e inhóspita al modo de Terje Rypdal y espacial como Pink Floyd (“Echos”). “The Invitation” es una balada elegante y apacible. Magistral en los teclados Alex Maguire y fino Michel Delville en la guitarra. “Mercy, Pity, Peace & Love” enigmática y medieval. Una vez más canterbury y Soft Machine 4, 5, 6 y 7, pero también Return To Forever (Romantic Warrior) y Terje Rypdal (Odyssey). Finaliza en un fundido a modo de coda con “There Is A War Going On” (reprise). En “The Human Abstract” como en “Rising Upon Clouds”. Nuevo ejercicio de rock espacial y jazz libre que recuerda a Terje Rypdal. “Mercury” es otra destacada pieza a medio camino entre las estructuras compositivas del grupo Weather Report y sonido reconocible de los teclados de Keith Emerson. “Goodbye My Fellow Soldier” es el broche final a una obra sin desperdicio, imprescindible y magistral que catapulta al grupo como uno de los mejores del siglo XXI. La composición es de Tony Bianco y se mueve por sinuosos caminos entre los oscuros y misteriosos pasajes frippianos del líder de King Crimson, Robert Fripp y el Krautrock espacial de grupos como Ash Ra Tempel o Tangerine Dream.
http://www.myspace.com/doubt3

SH.TG.N


El grupo belga SH.TG.N lo fundó el teclista Antoine Guenet (también miembro del grupo The Wrong Object) en el año 2009 con el firme propósito de hacer música autentica partiendo de la vanguardia para ir explorando diferentes formas eclécticas como el jazz, la música de cámara contemporánea, el rock experimental, rock in opposition o avant-jazz-metal (X-Legged Sally, Doctor Nerve o Curlew) no sin las necesarias pinceladas góticas. Su álbum homónimo, SH.TG.N,  ha sido grabado en directo en la ciudad belga de Lieja el 1 de diciembre de 2011 (La Legia) y el grupo lo componen Fulco Ottervanger en los vocales, Wim Segers en el vibráfono, Yannick De Pauw en las guitarras, Dries Geusens en el bajo y Simon Segers en la batería. Además del ya reseñado Antoine Guenet. Con la metálica “Dead Baby” se abre el imprevisible, esquizofrénico, gótico y ecléctico SH.TG.N. Música oscura donde no son casuales las influencias de Robert Plant (Led Zeppelin) en la persona de su vocalista Fulco Ottervanger reflejadas en la densa y compleja “Shotgun (Afraid Of)”, en “A Glimpse Into Eternity” con un solo de guitarra delirante y corrosivo de Yannick De Pauw o en la oscura “J33 (I Don’t Wanna See)”. “Shitgun” es enérgica, repetitiva y misteriosa; “Camera Obscura” agresiva, dramática, casi desesperada; “Erase Her Dad” metálica y enloquecedora contiene un hermoso pasaje de teclados a lo Mike Ratledge (Soft Machine) por parte de Antoine Guenet; la heavy metal “Esta Mierda No Es Democracia” es reivindicativa y de temática política actual; el broche final lo pone Antoine Guenet en la pieza de mayor duración: “Black Beetle”, space rock de teclados lisérgicos de reminiscencias Gong o Hawkwind.
www.shtgn.com

SOFT MACHINE LEGACY


No quiero finalizar este breve monográfico dejándome en el tintero que el grupo Soft Machine Legacy acaba de firmar un nuevo trabajo que lleva por título Burden of Proof (2013).  Los componentes continúan siendo John Etheridge, Roy Babbington, John Marshall y Theo Travis. El repertorio cuenta con Kings & Queens del Soft Machine 4 y el resto son composiciones originales de la mayor calidad creativa con la inclusión del piano Fender Rhodes a cargo de Theo Travis que le confiere un marcado carácter a los originarios Soft Machine. En todo caso estaremos expectantes a poder escuchar el disco como se merece para poder juzgarlo en su justa medida si bien las previsiones son las mejores.
© 2013 Enrique Farelo
http://www.tomajazz.com/web/?p=5623

Más información sobre MoonJune Records en:
 http://www.moonjune.com
MoonJune Records: recuerdos del futuro-pasado y regreso a la luna de junio. Por Enrique Farelo.
Moonjune Records II. Luna de Junio: Décimo aniversario del rayo que no cesa. Por Enrique Farelo.
Leonardo Pavkovic (Moonjune Records) y la luna de junio. Entrevista por Enrique Farelo


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