Iván Melón Lewis «Luces y Sombras» (Inauguración Babylon Jazz Club, Madrid. 2025-12-19)

Iván Melón Lewis/Luces y Sombras

Fecha: viernes 19 de diciembre de 2025 

Lugar: Babylon Jazz Club en Upper Room del Teatro Magno (Madrid)

Formación:

Iván “Melón” Lewis: Piano 

Yandy Martínez: contrabajo 

Georvis Pico: batería 

Presentación del último trabajo y séptimo, Luces y Sombras, del pianista cubano Iván “Melón” Lewis, elegido para la inaugurada sala Babylon Jazz Club. 

Concierto cuyo inicio programado era para las 21h 30 se retrasó hasta algo más de las 22 h.

Fue allí cuando el trío de Iván “Melón” Lewis salió para demostrar sus cualidades tanto individuales como en trío. El motivo era la presentación de su último trabajo que lleva por título Luces y Sombras, un álbum brillante y un concierto en consonancia.

En cuanto al trío, Georvis Pico es un batería de dilata carrera y prestigio, del que Jerry González dijo que era el mejor batería de Latín-Jazz del panorama español.

Yandy Martínez es el contrabajista de esta noche, si bien, no intervino en el disco donde sí estuvo el también cubano Gastón Joya. No obstante demostró ser un músico solvente que encajó como un guante en el trío.

Iván “Melón” Lewis es un pianista talentoso de fina y elegante técnica, ganador del Latín Grammys en el año 2021 al mejor álbum de jazz latino por Voyager, e igualmente nominado por Luces y Sombras. 

Un trío compuesto por tres músicos cubanos nos hizo pensar que íbamos a escuchar un concierto de puro Latín-Jazz, pero la realidad fue otra, si bien es cierto que piezas como “Danzana” (dedicada a su abuela materna) si se acerca a dicho estilo, no menos cierto es que lo que fluyó con soltura y claridad meridiana fue bebop melodioso, sensible y swingueante.

Durante la velada fueron desfilando toda una suerte de composiciones pertenecientes al nombrado Luces y Sombras, como “Momento”, la tan intensa, “Big Kenny”, que casi hace saltar las teclas por los aires y que intuyo era un homenaje al también pianista Kenny Barron.

En “Canción para un amigo”, me llevó a recordar al gran Bill Evans por su elegante swing y su sensibilidad. Evocadora y nostálgica mostró su mejor cara en el título homónimo, “Luces y Sombras”; “Otra posibilidad”, es un brindis a la sensibilidad introspectiva de Iván “Melón” Lewis y en “Be” nos regaló una delicatesen para paladares exquisitos.

Entre vítores y aplausos: ¡Viva Cuba! 

Un gran concierto para la recién inaugurada sala Babylon Jazz Club.

Texto y Fotografías: © Enrique Farelo, 2025

Aurora Clara/Monete club

Aurora Clara

Fecha: sábado, 29 de marzo de 2025

Lugar: Monete club (Alberto Alcocer 32, Madrid)

Grupo:

Raúl Mannola: guitarra eléctrica de doble mástil.

Juan Carlos Aracil: flauta travesera y flauta travesera tenor.

Nill Olivera: bajo eléctrico.

Denis Bilanin: teclados.

Miguel Díaz: batería.

Comentario: La denominación de Aurora Clara fuera del contexto de banda de jazz-rock puede llevar a la confusión y a desviar la atención de quienes no saben de la existencia del grupo llevándoles equivocadamente a pensar en cantantes de éxito efímero nacidas al abrigo de ciertos concursos televisivos.

Aurora Clara propone un rock progresivo ecléctico donde tiene cabida un sinfín de propuestas artísticas y estéticas que mucho tienen que ver con los gloriosos años 70 del pasado siglo XX.

Su manera de encarar el jazz-rock tiene personalidad propia y un sonido definido, coherente y contundente donde se aúnan influencias que van desde la Mahavishnu orchestra, Shakti o Camel hasta la música laietana con grupos como Iceberg o Gotic, o el rock progresivo andaluz con Imán, Cai o  Guadalquivir.

Residentes en Madrid y liderados por el finlandés Raúl Mannola, Aurora Clara lleva publicados cuatro trabajos desde el año 2019 hasta el año 2024; desde el inicial Transformation, (Youkali Music 2019) pasando por Clear Dawn (Youkali Music 2022), Dreams (Youkali Music 2023) o su último disco IV (Youkali Music 2024).

Ha contado con valiosas y significativas colaboraciones como la del violinista Jerry Goodman (Mahavishnu orchestra) en sus dos primeros discos.

Esta formación multinacional, cuanta con un rumano, Denis Bilanin, un brasileño, Nill Olivera y dos españoles, Juan Carlos Aracil y Miguel Díaz, además del ya mencionado, Raúl Mannola.

Con respecto al concierto, mencionar que el hecho de haberse celebrado en Monete, un club de reducidas dimensiones en cuanto a escenario y local, influyó directamente en el sonido de la banda, ocasionando que la batería de Miguel Díaz solapara el teclado de Denis Bilanin, oscureciendo sus intervenciones en segundo plano y en menor medida cuando se erigía como protagonista de algún solo; no quiero con esto minusvalorar la labor de Miguel Díaz en los platos (sus posibilidades cromáticas son imaginativas siendo su mayor debe, la excesiva contundencia, que quizás debió atemperar en momentos puntuales), más bien lo que quiero enfatizar es el problema de la acústica del local.  

Las señaladas reducidas dimensiones del local limitaron las posibilidades de desarrollo de la banda, que a buen seguro podrán demostrar con mayor soltura en salas más acordes a su música.

    
Los solos como las interactuaciones y diálogos, fundamentalmente corrieron a cargo tanto de Juan Carlos Aracil y Raúl Mannola, que se convirtieron en protagonistas de mayor importancia a lo largo de los 75 minutos de concierto. Nill Olivera validó su condición de bajista de forma contundente, precisa y con un funk fluido que empastó exigente con el quinteto.

El programa del concierto estuvo integrado, entre otras piezas por “Five Sisters” (IV), la trilogía “Clear Dawn”, “The Race Has Begun” y “Bicycling To Funkistan” (Clear Dawn) o por “I Remember Shakti”, en clara alusión al grupo de indo jazz, Shakti, liderado por John McLaughlin.

Aurora Clara es la viva encarnación del espíritu de los años 70 y su filosofía y del sonido de aquella década prodigiosa, un pedazo de historia viva del siglo XX en el siglo XXI.

Un concierto que nos dejó con hambre y que esperamos saciar en otro momento y lugar.

¡Qué sea pronto!

                                                                                                © Enrique Farelo, 2025

Fotografías: © Sami Auvinen/Fotonordica (https://www.instagram.com/fotonordica/) 2025 

Mikel Azpiroz trío

21 DISTRITOS: Concierto de Mikel Azpiroz trío

Fecha: Viernes 28 febrero de 2025

Lugar: C.C. VALDEBERNARDO Bulevar Indalecio Prieto, 21 Madrid.

Grupo: Mikel Azpiroz: piano

Fernando Neira: contrabajo

Karlos Arancegui: batería

Se presenta y presenta su discografía a modo de biografía artística; Gaua 2013 (Noche), Zuri 2016 (A ti), Islak (Isla) 2020 y su último trabajo del año 2023, Pake Pieza.

Y todo sin parar desde el inicio hasta el final. Sin espacios ni pausas pero jugando con el silencio.

El pianista apacible, elegante, poético y preciso, además de reflexivo, intimista y meditativo, ese es, Mikel Azpiroz, al igual que sus compañeros de viaje.

El pianista, el compositor del bop y del cool como la brisa que acaricia los oídos y alegra, por igual, el corazón y el cerebro.

Vino sutil, se marchó aclamado desde lo sereno y lo sencillo, embelesando y convenciendo seres y entes.

Su ensueño “calmario” de poética introspección, amansando a las fieras si las hubiere, alimenta los espíritus sensibles; alcanza a los profanos y deleita a los melómanos.

Deja aroma de buen poso y mejor regusto, aplausos y algarabías, vítores al abandonar las tablas y deja ganas de más.

Dos bises para coronar el menú, uno a piano solo (“Zuri”) y otro a trío (“Chisa”) como homenaje a Dollar Brand, posteriormente Abdullah Ibrahim, y siempre entre Bill Evans y Tord Gustavsen, ambos separados por el tiempo y la latitud geográfica, pero unidos por su femenina y sensible manera de tocar.

Tranquilos y ordenados abandonamos la sala del concierto con una ración de paz para cada cual.

Un adiós que no será un para siempre, sino un hasta pronto.

© Enrique Farelo, 2025

Loreena McKennitt/Treinta aniversario de The Mask and The Mirror (Noches del Botánico, Madrid. 2024-07-8)

 

Fecha: lunes, 8 de julio de 2024

Lugar: Real Jardín Botánico Alfonso XIII. Universidad Complutense de Madrid

Dudley Phillips: bajo eléctrico y contrabajo.

Robert Brian: batería y percusión.

Brian Hughes: guitarras y bouzouki.

Caroline Lavelle: violonchelo.

Loreena McKennitt: vocales, piano, teclados, arpa y acordeón.

Hugh Marsh: violín.

Colaboran:

Daniel Casares: guitarra flamenca

Ana Alcaide: nyckelharpa

Con 11 trabajos de estudio, desde el ya lejano Elemental del año 1985 hasta su recientemente publicado The Road Back Home de este mismo año, se presenta en las Noches del Botánico la muy laureada y mediática Loreena McKennitt, la gran dama de word music, la música celta y la new age.

Treinta años desde la aparición de su emblemático The Mask And Mirror, un disco que hablaba de España y de Marruecos, son motivo suficiente para la celebración de este concierto en Madrid.

Dos jornadas con aforo completo y, al menos en la correspondiente a la del día 8 dividida en 2 set con una duración de 1 hora con breve descanso por medio.

Y si, es cierto que The Mask And Mirror, es una de sus obras más importantes, pero siempre con el permiso de To Drive The Cold Winter Away de 1987, que es probamente su obra maestra por creatividad y turbadora sensibilidad y paradójicamente también la más desapercibida y “desconocida”.

En cuanto al concierto comenzó con puntualidad matemática haciendo ver que la precisión y la perfección sería el claro camino a recorrer, todo detalle es importante y todo se cuida con esmero desde la mesa de sonido como desde la de luminotecnia. Luces y sonido fueron de la mano y el resultado fue excelente.

La luz focal sobre la bella y rubia cabellera de Loreena McKennitt no fua casual, si no premeditada, haciéndola brillar como una estrella en la oscuridad.

En cuando a las dotes instrumentales y vocales de Loreena McKennitt podemos afirmar que sigue manteniendo ese glamur y esa sensibilidad tan característica desde los inicios de su carrera y que dieron como resultado pasajes de belleza hipnótica que la transformaron en la sirena que hoy sería capaz de embrujar al Ulises de la Odisea de Homero.

Su música se dirige tanto al corazón como a la mente, pero si tuviera que decantarme lo haría por el primero y, eso es algo que la emparenta con artistas de distinto pelaje artístico por lirismo poético, como la vocalista Annie Haslam del grupo de rock sinfónico progresivo Renaissance.

También podríamos hablar de su conexión étnica y globalista con el multinstrumentista alemán Stephan Micus por su afinidad musical planetaria, ambos no dudan en recoger tradiciones de cualquier parte del globo terráqueo y hacerlas suyas con naturalidad.

En cuanto a los músicos de la banda son elementos que se complementan encajando a la perfección en la filosofía de su lideresa, el violinista Hugh Marsh es elegante y posee una técnica afín y precisa, algo parecido podemos señalar de la aclamada por el numeroso público de la chelista Caroline Lavelle; Brian Hughes se manejó al detalle con soltura tanto al bouzouki como con las guitarras, Dudley Phillips y Robert Brian son el encaje y el empaste que cierra el grupo.

En cuanto a las colaboraciones, Ana Alcaide participó en tres piezas, en el primer set, en las composiciones “Penelope's Song” y “Ages Past, Ages Hence” y en el bis final “Tango To Evora” junto al guitarrista flamenco Daniel Casares; el cual participó en “Spanish Guitars And Night Plazas” y en “Santiago” demostrando su virtuosismo e influencias de Paco de Lucía.

“The Two Trees”, “Prospero’s Speech”, “The Mystic's Dream” y “The Bonny Swans” fuero momentos especialmente tiernos y delicados que dejaron un regusto exquisito para disfrute y recuerdo de nuestra memoria.

                                                                             Texto y Fotografías: © Enrique Farelo, 2024

Biréli Lagrène Trio (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, Teatro Pavón, Madrid. 2023-10-30)

Fecha: Lunes, 30 de octubre de 2023

Lugar: Teatro Pavón (Madrid)

Formación:

Biréli Lagrène: guitarra eléctrica.

William Brunard: contrabajo.

Raphaël Pannier: batería.

Después de 50 años unido a las guitarras, ahora tiene 57, Biréli Lagrène sigue siendo un mago de la improvisación que continúa provocando sensaciones positivas en sus conciertos. Con un estilo único, su sonido es inconfundible, ya sea cuando utiliza la guitarra acústica o la eléctrica. No existen retos difíciles para este artista nacido en Soufflenheim (Francia), que a los 14 años se ganó fama mundial en el Festival de Jazz de Montreux de 1981 con una actuación legendaria. Fue el gran Django Reinhardt quien envenenó a este prodigio y le inoculó los sonidos de la guitarra. Por eso se convirtió en el más fiel seguidor del jazz manouche, aunque tampoco ha dejado de lado a los más clásicos guitarristas que fueron puliendo su estilo en sus inclinaciones posteriores. Hasta el punto que, a lo largo de su carrera, ha interpretado con aires más swing en la línea de Joe Pass, Wes Montgomery o George Benson, sin olvidar otras influencias de líneas más duras como Jaco Pastorius, Stanley Clarke, Jimi Hendrix o Jean-Luc Ponty en terrenos del jazz rock. Ha grabado más de 40 discos, y se dice pronto.

Lagrène es un músico que domina todas las facetas del jazz y en esta ocasión dejaba de lado su trío de “gipsy”, en el que suele acompañarse por otro guitarrista y un violinista o saxofonista, para ofrecer un concierto al más puro estilo clásico, con el contrabajista William Brunard y el batería Raphaël Pannier. En la decena de temas que interpretó, el trío ofreció un denominador común resumido en un swing muy relajado por momentos y por otros más feroz, dando rienda suelta a discursos más “boppers”. Para el guitarrista galo, que echó mano de varios standards, no hay tema que se le resista, porque tan solo se aproxima a ellos de refilón. El resto es una demostración de improvisaciones llenas de colorido con pinceladas más o menos líricas.

Desde el legendario “Somewhere over the rainbow” hasta el “Isn,t she lovely” de Stevie Wonder, pasando por “Salt Peanuts”, un clásico del be bop de Dizzy Gillespie, cualquier tema es una excusa para demostrar que de sus manos salen sonidos que avanzan siempre con alegría. En su cabeza están contenidos todos los recursos posibles para tocar una guitarra. No hay secretos y es capaz de alcanzar metas que solo los grandes creadores pueden conseguir.

Biréli juega con los sonidos, las armonías y frases, se ramifica constantemente, sin traicionar nunca su tempo interior. Es un alquimista que es capaz de mezclar distintas culturas, ya sean gitana, francesa o neoyorkina. Juntó a una sección rítmica muy solvente, que supo dar la medida apropiada, con un Raphaël Pannier que brilló en sus solos y acentos rítmicos. William Brunard al contrabajo perfiló las interpretaciones de Biréli con firmeza. La guitarra de Biréli se recrea en sus discursos solitarios con una serenidad que invita a la máxima atención.

Biréli Lagrène es un músico inigualable que lleva el jazz en las venas y pone en práctica mediante su grandísima técnica y el despliegue de su profunda inspiración. No merece más calificativos que genial.

Texto: © Carlos Lara, 2023

Fotografías: © Enrique Farelo, 2023

Juan Saiz Cuarteto (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, Centro Centro, Madrid. 2023-11-02)

Fecha: Jueves, 2 de noviembre de 2023

Lugar: Centro Centro (Madrid)

Formación:

Juan Saiz: saxo tenor, saxo soprano y flauta

Marco Mezquida: piano

Eric Surmenian: contrabajo

Genís Bagés: batería y percusiones

Con la presentación en Madrid de los temas de su quinto disco, Pindio II, Juan Saiz ha subido un peldaño más en su trayectoria musical. Sus composiciones son imprevisibles desde el principio hasta el final. Un caleidoscopio sonoro cuyos ángulos encajan en base al free, la música improvisada o incluso la de vanguardia. Tal y como ya escribí en su momento, la sintonía entre estos músicos inquietos, arriesgados y sumamente creativos es perfecta en el proyecto. Su presentación en directo corrobora y amplía mis apreciaciones.

El saxofonista, flautista y compositor santanderino estuvo acompañado por Marco Mezquida al piano, Eric Surmenian al contrabajo y Genís Bagés a la batería y percusiones, que dieron comienzo al concierto con el tema “Index librorum prohibitorum”, una pieza que irradia toda la fuerza que el grupo es capaz interpretar desde que comienza con diversos desarrollos y se va introduciendo por vericuetos cada vez más complejos y de los que el cuarteto sale airoso con brillantez.

En “El Impostor”, comienza el trío con fuerza e interviene Juan Saiz con el saxo soprano en una línea ascendente llena de fortaleza. El cuarteto se muestra a fondo con apoyos de todos los músicos. Los fraseos de Juan son consistentes y llenos de connotaciones de libre improvisación. Marco Mezquida recoge el guante en una aportación percusiva que va acelerando para crear una atmósfera hipnotizadora de pleno confort sonoro. Con apoyo del resto del grupo, la pieza adquiere un colorido especial muy sugerente y termina con una libre improvisación del saxofonista a dúo con el pianista.

“Pindio” es una muestra clara de los sonidos libres que muestra este grupo. Con la dirección del saxo tenor, el resto de músicos se encamina hacia una explosión sonora en la que podemos intuir por momentos. Se roza tangencialmente la música clásica de vanguardia con un sonido de flauta inquietante y a la vez sugerente. El tema consta de un gran solo de flauta y un no menos gran solo de Marco Mezquida. Una composición sumamente brillante, original e innovadora.

En “Aurora”, el cuarteto guarda una intimidad casi de grupo de cámara con una preciosa balada entre la flauta y el piano. A continuación la sección rítmica va enriqueciendo el tema por un camino lírico muy bien desarrollado, con un resultado final que encandila.

En “Prelude to Eber” y “Eber”, se fusionan el free jazz y la libre improvisación con sonidos de compositores vanguardistas del siglo XX. El soprano avanza junto con el resto de instrumentos como si fueran pinceles que van creando un cuadro irreconocible, pero lleno de posibles interpretaciones. Con el saxo tenor, Juan Saiz se introduce por unos laberintos sonoros que por momentos recuerdan al mismo Peter Brötzman. El tema adquiere una fuerza contagiosa en todo momento.

“Bellaskos” se inicia con una larga improvisación de Marco Mezquida al piano con mucha carga de profundidad y diferentes enfoques sonoros. El desarrollo del tema pasa por distintos registros y la precisión y complementariedad entre los músicos se expresan muy creativamente. El brillante final de Juan Saiz con el saxo tenor puso final a un tema en el que la liturgia sonora del grupo se cumplió otra vez. “El grito” supuso un buen broche final con toda su fuerza de combinaciones entre el saxo tenor y el contrabajo, junto con los múltiples recursos de la batería y el virtuosismo indomable del piano. Una pieza en la que el saxofonista vuelca su expresividad sonora en un grito sugerente.

Escuchar la música del cuarteto de Juan Saiz plantea cuestiones, provoca debate y genera ideas. Todo ello no sería posible si no fuera un grupo tan sólido y contrastado que deja su sello de calidad en cada uno de los temas que interpreta.

Texto: © Carlos Lara, 2023

Fotografías: © Enrique Farelo, 2023

James Carter Organ Trio (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, Madrid. 2023-11-16)

Fecha: jueves 16 de noviembre de 2023. Hora: 19:00

Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa (Madrid)

Componentes:

James Carter: saxos alto, soprano y tenor

Gerard Gibbs: órgano Hammond B-3

Alex White: batería

A modo de tributo a Django Reinhardt, James Carter, puso sobre el “tapete” las composiciones que iban a formar parte del concierto y que formaron parte de su directo Live From Newport Jazz del año 2019 y con idéntica formación.

De esta manera el multisaxofonista de Detroit presentó sus credenciales en Madrid con su fraseo enérgico, que desde los primeros compases le acompañó hasta el final de la actuación.

Cierto y verdad es que sonaron piezas del su último trabajo hasta la fecha, en ese nombrado homenaje a Django Reinhardt, como “Le Manoir De Mes Reves”, “Melodie Au Crepuscule” o “Pour Que Ma Vie Demeure”, pero no menos cierto es que si las composiciones hubieran sido propias, James Carter habría sonado exactamente igual, su discurso abrasivo, su torrente enérgico y su aglutinar todas las características propias del jazz americano son intrínsecamente inevitables como músico y como saxofonista.

El groove y el jazz-funk, el swing, el feeling y sus numerosos crescendos e in crescendos le transformaron en ocasiones en un furioso elefante, donde cualquier saxo se erigía en trompa o en una locomotora exprés, fábrica de mil notas, al compás de su contorneo incesante e incansable.

James Carter es un espectáculo, no duda y ofrece lo mejor de sí sin desmayo, ya sea a trío, cuando se enfrenta a dúo con Alex White o con Gerard Gibbs o monologando, pero en todas sale victorioso emergiendo como un tótem poderoso que deja espacio para el lucimiento en los solos de sus acólitos; solos muy aplaudidos y reconocidos en tiempo y forma, tanto para la modulación y el groove de Gerard Gibbs al órgano Hammond B-3, como al baquetear incesante, pero preciso del hard boper Alex White.

Un goce muy saludable para todos los amantes del buen y autentico jazz, al que solo habría que ponerle un pero a pesar de tanta generosidad, James Carter se despidió sin más y sin el al menos, “obligado” regalo de un tema extra.

Texto: / Fotografías: © Enrique Farelo, 2023

Rabih Abou-Khalil Trio (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, Sala Guirau, Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, Madrid. 2023-11-22)

Fecha: 22 de noviembre de 2023

Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa (Madrid)

Grupo:

Rabih Abou-Khalil: oud

Mateusz Smoczynski: violín

Jarrod Cagwin: batería y frame drum

Seguro que no hay fecha más apropiada para celebrar un concierto, sea del estilo que sea, pero hoy es el 22 de noviembre día en el que se celebra Santa Cecilia, Patrona de la Música y de los Músicos desde que el papa Gregorio XIII en el año 1584 la canonizara.

Dejando las celebraciones y la historia al margen, el concierto de éste 22 de noviembre es el de Rabih Abou-Khalil y su trío.

El beirutí es considerado uno de los máximos representantes del laúd árabe junto al tunecino Anouar Brahem y una de las luminarias del etno-jazz fusionando la música árabe tradicional con el jazz, el rock y la música clásica y forjando un estilo ecléctico y global que ha sido etiquetado como world music con el transcurrir del tiempo.

Con más de una veintena de discos, la mayoría de ellos editados bajo el palio del sello alemán Enja Records y, donde Rabih Abou-Khalil nunca ha abandonado su carácter creativo, comprometido, innovador y tradicional en sus composiciones es lo que le ha llevado a ser precedido de una fama mundial bien merecida.

Acompañado por el violinista de jazz polaco Mateusz Smoczynski (ganador del premio Grammy como miembro del Turtle Island Quartet) y por Jarrod Cagwin como su percusionista de cabecera y miembro de sus diferentes proyectos, acompañante desde The Cactus of Knowledge del año 2001 hasta su último trabajo The Flood and The Fate of The Fish de 2019.

De Mateusz Smoczynski podemos destacar su virtuosismo y su naturalidad y un músico a vigilar, quizás podamos estar ante el relevo generacional de los violinistas de jazz europeos en los próximos años.

Jarrod Cagwin nunca defrauda y su forma de encarar encaja como un guante en el estilo de Rabih Abou-Khalil, su contundencia y su suavidad modula a bordo de sus baquetas blandas como si duras fueran, recorriendo una infinidad de platillos y tambores sin descanso y con exactitud; tanto como al frame drum.

En cuanto a la actuación en sí, el trío hizo disfrutar al aficionado de lo lindo, no solo con su música, sino con su humor fino e irónico a la hora de presentar sus composiciones, entre las que pudimos degustar “Fish And Chips And Mushy Peas” (Hungry People 2012) dedicada en palabras de Rabih Abou-Khalil a la comida finesa y, donde musicalmente saboreamos las aceleraciones y la contundencia, además de las especias étnicas. En la sentida “Dreams Of A Dying City”, dirigida a todos los niños que sufren el azote de las guerras, fue caracterizada por un feelling envuelto de ingenua ternura infantil y libertad sin artificios.

La retirada del grupo al dar por finalizado el concierto enarboló al público que exigió una pieza más con generosidad y alboroto, lo que provocó la vuelta de Rabih Abou-Khalil y los suyos para ofrecernos una composición dedicada Vlad el Empalador o Vlad Drácula e inspirada en la visita de “El Castillo de Drácula” en Transilvania.

Un hermoso colofón repleto de swing, velocidad endiablada y disonante en las cuerdas de un violín delirante, una percusión contundente y enérgica y un laúd árabe de dedos danzarines sobre camino de cuerdas dobles de a 6… y un adiós envuelto en aplausos…

Texto: / Fotografías: © Enrique Farelo, 2023

Stick Men (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, Sala Villanos, Madrid. 2023-11-05

Fecha: domingo 5 de noviembre de 2023. Hora: 21:00

Lugar: Sala Villanos (Madrid).

Componentes:

Tony Levin: Chapman Stick y Voz

Markus Reuter: Touch Guitars® AU8, Soundscapes, Teclados

Pat Mastelotto: Batería y Percusión electrónica y acústica.

Stick Men publicó en el año 2022 un EP titulado Tentacles para Moonjune Records, casi a la par que Umeda, (Live in Osaka 2022) donde se incluían piezas como “Tentacles”, “Ringtone” o “Danger In The Workplace” pertenecientes a dicho EP.

La presentación en Madrid del power trio de vanguardia Stick Men, no iba a suponer ninguna sorpresa, con nada que ocultar, lo suyo fue mostrar las dotes de las cuales se sirven, desde una energía luminiscente a etéreas improvisaciones, ritmos obsesivos y neuróticos, pasajes delirantes, lisérgicos y fantasmagóricos o tensiones flamígeras que no parecen tener descanso.

 Rindieron pleitesía al Rey Carmesí con piezas inolvidables y emblemas del rock progresivo más recalcitrante como, “Red”, “Larks Tongues In Aspic, Part 2” o “The Sheltering Sky” (Discipline 1981) que implementaron con otras propias como, la ácida, corrosiva y obsesiva “Tentacles”, la espacial y oscura “Prog Noir” al inicio, que densas atmosferas abrocharon; la disonante y “frippertronics”, “Danger In The Workplace” fundida con la percusiva, repetitiva, épica y de oscuras atmosferas vocales, “Swimming In Tea” que rememoraron al compositor húngaro György Ligeti y que posiblemente supusiera el momento de mayor impacto del concierto.

Actuación más que notable y a buen seguro inolvidable para todos los entusiasmados aficionados al rock progresivo y especialmente a King Crimson que llenaron sala Villanos con la convicción de que Stick Men es el Prince Crimson del siglo XXI.

Texto: / Fotografías: © Enrique Farelo