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lunes, 3 de noviembre de 2025
viernes, 3 de abril de 2020
Pepa Niebla: Renaissance por Enrique Farelo [Entrevista]
Por Enrique Farelo.
Pepa Niebla irrumpe con fuerza inusitada en el panorama del
jazz nacional dispuesta a romper moldes y defender su condición de mujer músico
que es apreciada por sus valores personales tanto como artísticos.
Una luchadora desde el sentimiento creativo de la palabra,
un músico, una cantante que trasciende y va más allá en sus competencias,
defensora de las mujeres y rebelde a su manera que lleva la voz cantante de los
derechos de la vida y el renacer de una nueva mentalidad más natural y humana.
Renaissance de Pepa Niebla disipa tus dudas abriendo tu
mente desde la elegancia de sus músicos y la calidez de voz.
Como bien señalas Renaissance se inspira en la canción del
ex Genesis, Peter Gabriel, “In Your Eyes”. ¿Cuál es el nexo de unión que los
une?
Pues realmente no ha sido Peter Gabriel el nexo de unión en
este caso. No tuve la suerte de conocer este tema a través de su autor sino de
la cantante de Jazz Dianne Reeves.
La canción con el que da comienzo a su álbum Bridges; siendo
éste uno de los discos que más me han influenciado e inspirado en mi viaje por
la música hasta aquí, tanto en lo que a vocal se refiere como en lo musical.
Los motivos son muchos y variados. Hoy por hoy es una foto más en toda esa
colección de influencias que nos hacemos a través del tiempo, puesto que ha
llovido mucho antes y después de ese álbum pero no podía dejar de hacer mi
pequeño homenaje a ese tema y estar más de acuerdo con esa invitación a estar
despiertos, a mirar bien, a disfrutar de las pequeñas cosas, a valorar lo que
tenemos a nuestro alcance.
¿Quisiste decir Life en lugar de Renaissance?
Si entendemos el renacer como el significado amplio del
sentirse vivo, entones quizás. No obstante, el título hace referencia a un
nuevo comienzo, pero no un comienzo más, sino el verdadero comienzo. Lleva
implícito una transformación, un mudar la piel. Una confirmación del ser. En
definitiva, estar en paz con uno mismo.
Fotografía: © Armando Laranar
¿Eres rebelde como persona, como músico o cómo ambos con
respecto al establishment?
Pues es curioso, yo no me siento ni me definiría rebelde
como tal aunque seguramente lo soy. Más que invitar a la rebelión me gustaría
sugerir al oyente, que se dé la oportunidad de buscar en uno mismo para poder
vivir siendo quienes realmente somos, sin tantos filtros, sin tantos
condicionantes para poder vivir haciendo lo que realmente amamos. Es cierto, y
no voy a negarlo, que el establishment es el que es y es duro llevar una vida
que no se ajuste a sus cánones. A todos los niveles. A nivel de género, a nivel
de confort, a nivel social, familiar o económico. Pero no he encontrado
compensación ni alegría mayor que la de encontrarme conmigo misma.
¿Existe un nuevo orden mundial creado por el poder en las
sombras según apuntas en “Chains”?
No creo que haya un nuevo orden mundial creado por el Poder,
es el mismo de siempre. La ley del que somete y del sometido. Las cadenas de
las que hablo en ¨Chains¨ están en nuestra casa, en nuestro entorno, en muchas
de nuestras parejas, en nuestros seres queridos. Es esa fuerza que nos rodea en
lo cotidiano que condiciona nuestras decisiones, aquellas fuerzas que nos ponen
en duda de si lo que deseamos es lo que realmente queremos, de si las
decisiones que hemos tomado serán las mejores para nosotros. Personas que desde
lo afectivo proyectan sus inseguridades en nombre del amor y la protección,
terminando por convertirse en plomo sobre nuestros pies. Pero hay que seguir
adelante, hay que seguir el camino sabiendo y entendiendo que nadie mejor que
nosotros mismo sabemos lo que es mejor para nosotros pese a quien pese.
¿Es el hombre el responsable directo del cambio climático
tal como insinúas en la canción de Toni Mora, “All About Dance”?
Desde mi punto de vista sí. No me cabe duda. ¡Pero ojo!
Entiéndase que por un hombre deshumanizado y desnaturalizado en el modelo de
producción que hemos creado y llevado a cabo en los últimos 100 años. El
reconducir del cambio climático está fundamentalmente en manos de ese orden
mundial del que hablábamos anteriormente, mientras que nosotros soportamos con
culpa y miedo cristiano la responsabilidad de todo aquello que ocurre en
nuestro planeta; como si, con tan sólo desearlo pudiésemos cambiar las cosas.
Como dijo el humorista Pablo Carbonell: “Solos no podemos
con amigos sí”.
¿Cómo vislumbras el papel de la mujer en el jazz del siglo
XXI?
El papel de la mujer por fin va evolucionando. ¡Qué ya es
hora!
En los últimos años gracias a la concienciación del mundo
femenino en primer lugar y al masculino en segundo, poco a poco va despertando
y la presencia de la mujer en los escenarios y la escena jazzística es cada
vez mayor y mejor.
Si hay algo que me molesta soberanamente es la existencia
del instituto de la mujer. Que exista es símbolo de la tremenda desigualdad y,
aunque agradezco contar con él me encantaría que dejase de tener sentido ya que
reflejaría que hay igualdad de género o que la cuestión de género, ni siquiera
fuese necesario planteársela.
¡Ojalá llegue el día en qué nos valoren por lo que hacemos y
no por nuestro género!
Hay muchas conjeturas en la programación de los festivales,
el mayor número de hombres músicos condiciona inconscientemente su contratación
por encima de las mujeres, lo que incita a pensar que los grupos de jazz
masculinos son mejores.
Si algo tengo claro es que la mujer se ve muy forzada
culturalmente a elegir entre la música o jugar el papel social de la
maternidad, el cuidado y la complacencia. Si eliges tu vida profesional la
sociedad te castiga de un modo sutil, pero hostil. No hay conciliación posible
en este sector como casi que no la hay en la inmensa mayoría de los sectores.
El hecho de que no haya mayor número de mujeres sobre el escenario es
consecuencia del modelo de sociedad patriarcal que tenemos. Y es una realidad
que a la mujer se le educa para hacer cosas ¨de Mujeres¨.
¡Hablar en estos términos me “hierve la boca”!
La Música requiere muchas horas de trabajo y estudio.
Requiere la priorización de uno mismo sobre lo demás. Y a una mujer se le da
muy poco margen para que pueda, sin consecuencias morales y sociales, ser ella
lo primero.
¿A qué mujeres destacarías del panorama nacional?
Pues mencionaré a Naíma Acuña quien es un ejemplo absoluto
de excelencia en el mundo del Jazz de nuestro país y con quién tenía la ilusión
tremenda de compartir escenario el próximo 17 Abril, fecha en la que íbamos a
presentar el álbum Renaissance en el teatro de Monumental Madrid. Ahora toca
esperar y hacer lo que se nos pide.
Y ya que me ofreces la ocasión de destacar a mujeres del
panorama nacional, me gustaría hacer mención a algunas de la industria del Jazz
que no se ven y que también han de trabajar a contra corriente para hacerse un
hueco. Mujeres que trabajan detrás del escenario, que hacen posible un sin fin
de milagros abriéndose paso casi a codazos en la industria. Para el desarrollo
de Renaissance he tenido la fortuna de contar con un equipo femenino
profesional de primera por el sosiego y por el confort aportado y
experimentado.
Esas mujeres son: Isabel Cabello (Diseñadora y Branding),
Angélica Roca (Técnico de Sonido), Amélie Berton (Fotografía) Ana Solinís
(Videógrafa), Beatriz Ortega (Asesora y responsable de FeminaJazz), Nora Jorba
(PR), Clara Ares (Social Media, Marina Fernández de Martinico o Luz Divina
(Comunicación).
¿Cuál es la pregunta que nunca te han realizado y te
gustaría que te hicieran?
Pues me gustaría que me preguntasen más por mi manera de
trabajar, por las cosas que he aprendido que pueden ser de utilidad para otr@s
aspirantes.
Pues ya que lo señalas… ¿Tienes algún método o ritual cuando
compones?
Pues no hay un método único. Hay muchas maneras de
abordarlo. Lo mejor es fijarte bien en lo que te gusta. Analizar por qué te
gusta, qué instrumentación vas a usar, cómo suena, cuánto espacio vas a dejar
entre las partes y ver qué es lo primero de esas influencias que te llevan a
gustarte tanto.
¿Es el aspecto melódico? ¿Es el groove? ¿Qué se repite y
cuántas veces? Es importante contar algo. Tener cosas que decir en la vida y lo
que quieres contar es otro factor fundamental tanto como vocalista como
instrumentista o/y compositor. Unas veces el texto te visita antes que el
aspecto sonoro o musical del mismo, otras es una palabra la que trae una
melodía y viceversa.
Eres la autora de haber escrito las letras para seis
composiciones de Renaissance. ¿Las letras son el fiel reflejo de tu
prolongación como ser humano?
Las letras, la música, los andares, la postura y hasta la
manera de respirar.
¿A qué se debe tu versatilidad de cantar en castellano,
inglés y portugués?
Pues al amor por la riqueza lingüística y la musicalidad
genuina que cada legua presenta en su fonética. Me parece un gesto amable
cantar en otras lenguas, es como el esfuerzo que uno debe hacer cuando emigra.
Hay que aprender la lengua del país al que vas, es lo mínimo que puedes hacer
en pos de agradecer que te abran sus puertas y sus brazos. A la vez, es una
manera de unificar la música a través del lenguaje. No hay una lengua que suene
más a un estilo que a otro. Todas las lenguas pueden sonar al estilo de música
que queramos. La música es exactamente un idioma más. Requiere las mismas
habilidades, aprender a hablarlo, escribirlo, leerlo y pronunciarlo.
¿A qué vocalistas les debes más y quienes son las más
admiradas por ti?
Todo se lo debo a la Música, en toda su magnitud. Me ha
enseñado muchas cosas acompañándome en todo momento. Unas veces me ha dejado
por un tiempo para recordar que he de volver a ella. En todo caso, si me
preguntas por una cantante en concreto te diré que si le debo dar las gracias a
alguien es a Celia Mur. Su travesía y su camino han sido motor, mapa y espejo
en mi trayectoria. Entre las cantantes que más me han inspirado desde los
inicios hasta ahora han sido Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan como las primeras;
pasando por un número interminable de ellas y también ellos.
A O´day, John Hendrix, C. McRae, J. Hartman, Chet Baker,
Nancy Wilson, Betty Carter…etc. De entre las actuales, Dianne Reeves, Rachelle
Ferrell, Leïla Martial, Gretchen Parlato o Esperanza Spalding.
¿Qué tipo de música escuchas habitualmente y cuáles son tus
músicos favoritos?
Pues procuro incluir un poco de todo. No dejar de indagar en
lo que va saliendo y escuchar a las nuevas cabezas creadoras expresarse. Pero
eso sí, sin dejar de lado el contacto con el origen. Últimamente he estado
escuchando mucho a Pat Metheny, Kenny Dorhan, Kendrick Scott o Terence
Blanchard. La música es siempre según el momento. Unas veces porque es lo que
el cuerpo te pide y otras porque hay algo de lo que quieres aprender y te
obliga a establecer una relación de trabajo con la ella. De entre mis músicos
favoritos están Brian Blade and the Felowships, Bill Evans (piano), Carmen
McRae, Gretchen Parlato y un innumerable sin fin…
¿Qué significa musicalmente Shai Maestro para Pepa Niebla?
Pues Shai Maestro significa palabras mayúsculas. Un genio
del piano. Un profesional con los pies en la tierra, trabajador y sensato.
Generoso y virtuoso del piano con una identidad más que definida. Tuve la
suerte de conocerle en el 2010 cuando tocaba con Avishai Cohen y Mark Guiliana
en su gira de Gently Disturbed. Época en la que trabaja para Avishai Cohen como
parte de su equipo de management en Londres.
¿Qué cuidados necesita la voz y cuantas horas de trabajo
precisa al día?
La voz es un instrumento perfecto… Reúne exactamente los
mismos elementos que cualquier otro instrumento, con las limitaciones y
particularidades propias que cada instrumento posee. Sin embargo, la voz es un
instrumento irremplazable. No puedes comprar una nueva si la dañas. Puedes recuperarla,
mantenerla en forma como cualquier otro instrumento demanda, repararla y
mimarla. Pero irremplazable. Por lo que no se puede usar la voz de continuo 6 u
8 horas como otros instrumentos. Sin embargo, requiere de esas horas de trabajo
en otros aspectos que hacen que tengas mejor técnica, interpretación, afinación
y versatilidad musical que son los aspectos de la música en sí misma. Dedicarle
mucho tiempo al entrenamiento auditivo, deporte, respiración, articulación y
dicción, postura, relajación, pronunciación, ritmo, entonación a primera vista,
repertorio, etc… y por supuesto dedicar tiempo a escuchar mucha música con
atención, estudiar un instrumento o dos, comprender la armonía, indagar en la
historia y evolución de la música que quieres interpretar… todo eso y mucho
más, que no voy a mencionar porque no acabaría, van a modelar tu sonido, tus
recursos interpretativos y el sonido final de tu instrumento que en este caso
es el de la voz.
¿Y si hablamos de actuaciones, existe el miedo escénico?
El miedo escénico existe en cuanto te importa la opinión de
los demás. Es obvio que un mal día lo tiene cualquiera y que ese día puedes
estar siendo observado por muchas personas en un auditorio o en un club de
Jazz. A una no le apetece que le recuerden por el mal día que tuviste. Producir
un evento supone un esfuerzo y una inversión titánica para muchas personas. Y
sobre todo para los músicos que al fin y al cabo hemos de justificar que toda
esa inversión es merecida de cabo a rabo. Sin embargo, la satisfacción y la
generosidad del público siempre suma porque ven la vulnerabilidad a la que nos
exponemos y vivenciar ese respeto y ese afecto no tiene precio. No hay miedo
escénico que lo pare.
Fotografía: © Pepe Torres
¿En qué teatro no has actuado y te gustaría actuar?
Pues puestos a soñar digamos que en el Lincoln Center, El
Blue Note de NY, Royal Albert Hall y por qué no, en el Palau de la Música de
Barcelona. (Ya que me preguntas me pongo ambiciosa.)
¿Podrías realizar un breve repaso de los músicos que te
acompañan en Renaissance?
Pues con gusto. Renaissance es desde luego un proyecto muy
especial para mí. Es el resultado de un periodo de tiempo de mucha renuncia
pero también de mucho afecto y compañerismo. El madrileño Toni Mora a la
guitarra, Alex Gilson al contrabajo desde París, el bruselense Maxime Moyaerts
al piano y el holandés Daniel Jonkers a la batería. Cuatro grandes músicos que
me han acompañado en un viaje durante varios años de crecimiento compartido.
Han apoyado mi música con un respeto admirable y una compañía como en pocos
momentos se da. Gestionar al ser humano es una tarea complicada porque todos
tenemos nuestra propia manera de entender la música y la vida misma. Y ellos
han supuesto un engranaje de gourmet. Musicalmente sólo tienes que poner la oreja
y ver el gusto y el nivel que tienen. He de destacar mi especial gratitud a
Toni Mora, el que ha sido compañero de carretera y manta muchos años y con el
que es un privilegio poder contar a todos los niveles en esta imagen del tiempo
que es lo que es al fin y al cabo un álbum. Una foto de un momento compartido.
Toni Mora ha aportado su indiscutible talento como guitarrista pero también
como compositor y arreglista con un gran afecto y saber estar.
Dado que ser músico no es una profesión sino un modus vivendi.
¿Cómo concilias tu profesión con tu vida personal?
¿Qué es una profesión y qué no lo es? Ser músico es una
profesión en toda regla. En España hacen todo lo posible para que no lo sea,
pero lo es. Ser músico de Jazz también. La cuestión es qué motivos absurdos hay
detrás para que un gobierno no cuide de sus hacedores de cultura. Es como la
conciliación familiar que mencionaba anteriormente. Es de gran torpeza. No
obstante, si en algo estoy de acuerdo es que además de ser una profesión es un
modus vivendi. Absolutamente. Ser Músico de Jazz es además una filosofía. No te
hace músico de Jazz saber mucho Jazz, ni tocarlo muy bien. Ser músico de Jazz
implica ambas cosas y muchas más, pero sobretodo, no esperar del Jazz más que
eso… Jazz. Para eso hay que estar muy en contacto con el lado más espiritual de
uno mismo, de lo contrario se tornará una frustración constante. En mi caso
como cantante y responsable de mi propio proyecto, hay que hacer malabares para
salir adelante y ser fiel a ti mismo. La docencia es quizás el mejor aliado hoy
día de los músicos de Jazz y me parece estupendo. Me encanta. A mí además de la
docencia me acompaña la fotografía.
¿Tras Renaissance en qué proyectos estás trabajando a corto
y medio plazo?
A corto y medio plazo lo único que deseo es poder tocar y
llevar este proyecto por muchos países de este maravilloso planeta. Sólo
tenemos que tener paciencia para que se recupere pronto la vida cotidiana, esa
que tan poca importancia le dábamos. Aunque llámame loca… ya estoy pensando en
mi próximo trabajo.
Vivimos tiempos difíciles para la humanidad. Hoy problemas
como el coronavirus, COVID-19, que nos afecta de manera global. ¿Cómo los vive
y siente un músico personal y profesionalmente?
Pues obviamente muy mal. Los músicos de jazz ya sabes lo
difícil que lo tenemos para trabajar. Y según el instrumento que tocas, más
difícil aún. En esta situación no te digo hasta qué punto. La mayoría de los
músicos de Jazz no generan ingresos para poder tener una vida regulada
laboralmente ni mucho menos ahorrar de ello por lo que en el momento que
dejamos de tocar nada entra en el bolsillo. Yo diría que el 90% de músicos de
Jazz están en esta situación ya que a ello hay que sumar que las clases de
música se cancelan también en estos casos de escasez económica e imposibilidad
de tener clases presenciales. No obstante, no hay mal que dure cien años. Esto
pasará también y los músicos estaremos ahí con mucho que decir y que compartir.
Esto sólo puede hacer que el ser humano se vuelva de nuevo, humano. Si es que
en algún momento lo fuimos.
¿Cómo ha sido para ti la experiencia de auto producirte este
álbum de principio a fin? ¿Qué le aconsejarías a aquel que esté pensando en
hacerlo?
Pues no te voy a engañar. Ha sido una titulación más
conseguida en mi carrera formativa. Tras años de formación musical sales del
conservatorio como un recién operado de miopía. Está todo por redescubrir y te
das cuenta que ahora viene el siguiente nivel, que no es otro que aprender un
montón de oficios relacionados con la música que sumar al currículo. Producir
es componer, arreglar, interpretar, dirigir, dudar, tomar decisiones, escuchar,
decidir, ponerte en contra de muchas opiniones, asesoramiento, redactar,
comunicarte, llamadas, y aceptar que te equivocarás en muchas ocasiones. Y todo
eso sin dejar de disfrutar de cada momento, cada complejidad y cada obstáculo.
Lo recomiendo… no hay nada como creer que eres dueño de tu
vida y de tu proyecto aunque tarde más en hacerse, aunque requiera mucha más
paciencia e inversión.
¿Cuándo tendremos ocasión de poder escuchar y adquirir
Renaissance?
Pues aunque ya hay algún single publicado en las plataformas
digitales, esperamos poder lanzarlo el próximo 15 de Mayo y presentarlo cuando
nos dejen en Madrid y Bruselas… si ningún virus lo impide.
Más información en www.pepaniebla.com
Entrevista: © Enrique Farelo, 2020
Fotografías: : © Amélie Berton, 2020
© Antonio Torres Olivera
© Armando Laranar
© Pepe Torres
© Antonio Torres Olivera
© Armando Laranar
© Pepe Torres
miércoles, 18 de septiembre de 2019
Antonio Serrano “el hijo único de la Música”.
Por Enrique Farelo.
Músico diferente y único que se mimetiza según el son que
toca: Jazz, Flamenco, Clásica o Tango.
Un revolucionario, un aventurero que introduce su armónica
en tierras inexploradas, un viajero en el tiempo, ligero de equipaje y sonido
superlativo, de aquí y de allá. Espíritu inquieto, su música es del mundo y su
sentir profundo.
¿Qué hace un armonicista como tú en unas músicas como éstas?
La armónica cromática no está asociada a ningún estilo en
concreto. Desde que empecé supe que si quería vivir de la armónica tenía que
tener una mente abierta y hacer todo lo posible por aprovechar todas las
oportunidades que se me fueran presentando.
¿Realmente es tan importante en tu desarrollo como músico la
figura de tu padre?
Desde luego. Él me enseñó a amar la música y a creer en mí.
También aprendí de él a esforzarme para conseguir mis objetivos, la importancia
de la disciplina y muchas otras cosas que me han ayudado a ser el músico que
soy. La diferencia entre prestigio y fama, el sentido de la responsabilidad,
ser humilde pero valiente. En fin, tuve mucha suerte con mis padres.
¿Cuánto tiempo dedicabas al estudio de la armónica y de la
música en tus comienzos, y cuánto en la actualidad?
Nunca he estudiado demasiadas horas seguidas. La escuela de
mi padre creía más en la calidad del estudio y la constancia que en la
cantidad. Quizá lo máximo que he practicado en un día hayan sido tres o cuatro
horas. Eso sí, con una concentración total y optimizando al máximo. Siempre
aplicando la ley del mínimo esfuerzo-máximo rendimiento. Ten en cuenta que mi
padre era ingeniero de telecomunicaciones antes que músico.
¿Antonio Serrano se considera un músico de jazz, flamenco o
clásico?
Me considero un músico clásico que ha salido airoso de
flirtear con la música popular.
Cuando hablamos de la armónica parece inconcebible hablar de
música clásica. ¿Cómo se puede adaptar dicho instrumento a este lenguaje?
La armónica es el instrumento más cercano a la voz humana, y
la voz humana es el instrumento más versátil que existe, por lo tanto la
armónica también es un instrumento tremendamente versátil. Silogismo elemental.
¿Cuáles son tus discos de jazz, flamenco, tango o clásico
más influyentes?
Son muchos así que mencionaré sólo uno de cada género.
Jazz:
Affinity (Bill Evans & Toots Thielemans)
Flamenco: Potro de Rabia y Miel (Camarón)
Tango: En Vivo en el Teatro Regina en mayo 1982 (Piazzolla
& Goyeneche)
Clásico: Bach, Variaciones Goldberg por Glenn Gould (1981)
¿Cuáles son tus músicos de cabecera de cualquier estilo?
Los buenos -risas-. En realidad me gustan los músicos que
han arriesgado y han abierto nuevos caminos.
¿Cuáles son los armonicistas que más te han impactado y qué
te parece el bluesmen John Mayall?
En la armónica cromática Larry Adler, Toots Thielemans y
Stevie Wonder, y en la armónica diatónica Sonny Boy Williamson, Sonny Terry y
Howard Levy. No conozco mucho a John Mayall. Su tema “Room to Move” es
divertido y pegadizo pero no conozco mucho más. Nunca me ha llamado la
atención, lo siento.
¿Podría explicar brevemente y para profanos la diferencia
entre la armónica diatónica y armónica cromática?
La armónica diatónica dispone únicamente de las siete notas
naturales (Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si), mientras que la armónica cromática
tiene las doce notas que se utilizan en la música occidental, es decir la
escala cromática. No obstante mediante técnicas avanzadas se le pueden sacar a
la armónica diatónica todas las notas que le faltan. Howard Levy es el mayor
exponente que existe en la armónica diatónica en cuanto a versatilidad y
virtuosismo se refiere.
¿Qué significó la experiencia de tocar con Paco de Lucía y
qué aprendiste?
Paco de Lucía me dio la oportunidad de mi vida. La
experiencia de pertenecer a su banda los últimos diez años de su carrera y de
su vida es un regalo que nunca podré agradecer lo suficiente. Aprendí mucho con
Paco y sobre todo nos reíamos mucho. Lo más importante que aprendí con él es
que casi nada es importante.
¿Existen grabaciones de Antonio Serrano con Paco de Lucía en
estudio?
En el disco Limón de Javier Limón hay una burlería en la que
tocamos juntos.
De los diez años al lado de Paco de Lucía realizando giras y
conciertos. ¿Dónde te has sentido más a gusto o por el contrario más
responsabilizado?
Siempre estuve a gusto a su lado. Es difícil estar incómodo
cuando vas montado en un Rolls Royce.
Paco de Lucía es considerado por muchos un genio. ¿La
genialidad es algo con lo que se nace o se trabaja?
En mi opinión se necesitan las dos cosas. Un gran talento y
muchísimo trabajo. Añadiría también nacer y criarse en un entorno que te ayude
a desarrollar ese talento. En el caso de Paco es evidente que su padre y su
entorno familiar contribuyeron mucho en la creación del genio.
Albert Sanz junto con los hermanos Federico y Constanza Lechner tienen en común ser pianista y haber colaborado en diferentes proyectos a dúo contigo. ¿Es éste un formato que te llena especialmente para el desarrollo de tú música?
El piano es mi segundo instrumento. Adoro el piano y siempre
me ha gustado tocar con buenos pianistas. El piano es mi debilidad, lo
reconozco.
Por dar un giro a modo de paréntesis en la entrevista: el
número de incendios aumentó un 145 % en comparación con el mismo período en 2018
en el Amazonas. En la isla de Gran Canaria el fuego devasta miles de hectáreas
y en definitiva nuestro planeta está bajo el yugo del fuego, de los plásticos
en los océanos o la destrucción del Ártico y la amenaza en Groenlandia. ¿Tiene
futuro el Hombre como especie o estamos tocando fondo?
Todo lo que está ocurriendo me parece muy triste.
Sinceramente creo que para el ser humano no hay solución. Hemos demostrado por
activa y por pasiva que no somos capaces de usar nuestra inteligencia para otra
cosa que no sea nuestro propio beneficio a corto plazo sin importarnos las
consecuencias. Nos creemos muy listos pero en realidad somos imbéciles. Ya lo
dijo Einstein y no seré yo quien le contradiga. De hecho la única esperanza que
le queda a nuestro planeta para seguir con vida es que la especie humana se
extinga lo antes posible. Creo que en este sentido lo estamos haciendo bien.
Suscribo tus palabras absolutamente con profundo dolor.
No me resisto a hacerte una pregunta y un deseo que me
ronda. ¿Un disco con Chano Domínguez sería el colofón a tus colaboraciones a
dúo?
Chano es un músico al que admiro mucho y con el que me
encantaría grabar. Lo he pensado muchas veces y estoy seguro de que algún día
pasará.
¿Discos como Harmonious suponen un punto de inflexión en tu
carrera? ¿Cuál ha sido tu intención con esta creación?
Harmonious fue un viaje interior. Después de tantos años
acompañando al genio de Algeciras necesitaba demostrarme a mí mismo que podía
salir a un escenario yo sólo y entretener a la audiencia durante una hora. No
sé muy bien como lo hice pero lo conseguí. Perdí el miedo a enfrentarme sólo al
escenario y casi perdí hasta la vergüenza. Ha sido un trabajo muy liberador y
que me ha permitido conocerme y comunicar de una forma muy especial y directa.
En el proceso de creación estuve a punto de tirar la toalla muchas veces pero
siempre pensaba “si Juan Tamariz es capaz de llenar un teatro con una baraja de
cartas yo tengo que ser capaz de hacerlo con una armónica”.
El espectáculo musical Tootsology es un tributo a Toots
Thielemans que ha servido de motivo para una ingente cantidad de conciertos,
sin embargo no hay grabación oficial ni en estudio ni en directo. ¿Cuál es el
motivo?
Gran parte del repertorio que hacemos está magistralmente
grabado por Toots Thielemans con lo cual pensé que no era necesario volver a
grabarlo. Grabamos algunos vídeos para dar a conocer el proyecto pero nunca
sentí la necesidad de hacer un disco de Tootsology. No obstante a medida que
fuimos haciendo conciertos y la música fue madurando, sin saberlo Radio
Cataluña nos grabó el concierto que dimos en el Festival de Jazz de Terrassa
que posiblemente acabará convirtiéndose en un CD. Una vez le pregunté a Toots
por qué no grababa un disco con Kenny Werner y me dijo que los discos no se
deben forzar y que salen cuando tienen que salir. Años después salió ese disco
que es una auténtica maravilla. Me parece bonito que el CD de Tootsology nazca
así, de forma natural.
¿Conocer los límites como músico suponen una ventaja o lo
contrario?
Tan importante es conocer tus límites como intentar
derribarlos.
Eres una figura mediática que recibe merecidamente
constantes elogios. ¿Debilitan o fortalecen?
Los elogios son como las noticias, según quien los diga
tienen más o menos peso y credibilidad. El elogio que más fortalece es firmar
un buen contrato y el que más debilita es que te digan que eres un genio y a
continuación te regateen tu caché.
¿Cuándo la música y los músicos se convierten en una
competición pierde su valor intrínseco?
La vida es una competición desde que nacemos hasta que
morimos y la música es la banda sonora de la vida. Hay que competir con
deportividad, estilo, humildad, dignidad, honestidad, respeto, inteligencia,
amor, pasión, disciplina, cariño y todo lo bueno que se te ocurra, pero si no
compites te comen y dejas de existir.
Acabas de publicar tú último trabajo a dúo con Constanza
Lechner rindiendo homenaje a músicos de la denominada música culta. ¿Cómo surge
este proyecto y cuánto el tiempo invertido hasta que fue plasmado en disco?
¿Podrías presentarnos a Constanza?
Hace años que quería hacer un disco de música clásica pero
las condiciones no se daban. Durante un tiempo estuve intercambiando clases con
Constanza a la que conocía por su hermano Federico. Yo le daba clases de
improvisación y ella me correspondía con clases de piano clásico. Durante esas
sesiones probamos a tocar algunas piezas juntos y sentimos que conectábamos.
Estando de gira por Croacia un promotor me ofreció hacer algunos recitales
clásicos en la antigua Yugoslavia y se lo propuse a Constanza. Nos pusimos a
trabajar en el repertorio y cuando estuvimos preparados nos metimos en el
estudio de grabación. Así de sencillo y complicado a la vez. El dúo está
teniendo mucha aceptación en el ámbito clásico y presentaremos el disco
oficialmente en Madrid el 21 de septiembre en el Círculo de Bellas Artes.
¿Quién eligió el programa de los temas y los compositores
del disco Antonio Serrano & Constanza Lechner?
En este disco hemos decidido todo entre los dos aunque
Constanza dirigió más la parte argentina del repertorio y yo un poco más la
española.
¿C
En España creo que he tocado con todo el mundo que conozco,
aunque me gustaría hacer un disco con Pasión Vega. Me encanta su voz y me veo
acompañándola con mi armónica.
Músicos extranjeros con los que me gustaría tocar hay muchos
pero siempre he pensado que mi armónica empastaría muy bien con la guitarra de
Pat Metheny. Otro músico al que me gustaría conocer es a Stevie Wonder.
Acompañar a Caetano Veloso sería increíble también. Trabajar con Joe Hisaishi
también me encantaría. No sé, hay tantos.
¿Qué proyectos de futuro en cuanto a discos y conciertos
tienes a corto y medio plazo?
El próximo disco que voy a grabar y que me hace mucha
ilusión es un trío con dos guitarristas que representan dos de los pilares más
importantes de la guitarra flamenca. José del Tomate (hijo de Tomatito) y
Antonio Sánchez (sobrino de Paco de Lucía). También estoy a punto de acabar de
escribir un método para tocar la armónica cromática en el que he resumido todo
el conocimiento que he ido adquiriendo a lo largo de los años sobre este
pequeño pero maravilloso instrumento.
Para terminar. Recientemente estuviste actuando con el
Antonio Serrano & Antonio Sánchez Flamenco Septeto en la localidad
madrileña de Valdebernardo (Vicálvaro) al lado precisamente de Antonio Sánchez.
¿Tiene éste proyecto algo que ver con grabar al lado del sobrino de Paco de
Lucía o son proyectos diferentes?
Son proyectos diferentes. En esa ocasión nos juntamos unos
amigos y colegas para hacer música una noche de verano a modo de jam session.
El disco que vamos a grabar Antonio Sánchez, José del Tomate y yo es un
proyecto en el que llevamos un tiempo trabajando y en el que nos enfrentamos a
un repertorio algo más ecléctico y arriesgado.
El 21 de septiembre de 2019 en el Circulo de bellas Artes de
Madrid, Antonio Serrano & Constanza Lechner presentarán su disco a dúo.
https://www.circulobellasartes.com/espectaculos/antonio-serrano-constanza-lechner/
Entrevista, texto y fotografías: © Enrique Farelo, 2019
miércoles, 19 de junio de 2019
Muriel Grossmann
Muriel Grossmann: “El espíritu femenino del Jazz”
Por Enrique Farelo.
© Christoph Schubert
Nacida en París, de joven se afincó en Austria para en el
año 2002 trasladarse a Barcelona y asentarse definitivamente en Ibiza en el año
2004 lo cual marcó un antes y un después en su carrera como compositora,
saxofonista y líder de sus propios grupos.
Desde el
año 2007 son diez discos los firmados bajo su nombre desde Homecoming Reunion
(Dreamland Records 2007) hasta el aclamado Golden Rule (Dreamland Records
2018), pasando por Here And Now (Dreamland Records 2008), Quartet (Dreamland
Records 2008), Sudden Impact (Dreamland Records 2009), Birth Of The Mystery
(Dreamland Records 2010), Awakening (Dreamland Records 2013), Earth Tones
(Dreamland Records 2015), Natural Time (Dreamland Records 2016), y Momentum
(Dreamland Records 2017).
Portadas de los discos de Muriel Grossmann
Todos sus discos han seguido una línea artística muy similar
en cuanto al diseño de sus carátulas y ha contado con músicos solventes como la
vienesa Gina Schwarz al contrabajo y el serbio Uros Stamenkovic a la batería en
sus tres últimos trabajos; y sobre todo su fiel escudero también serbio, el
guitarrista Radomir Milojkovic que casi nunca ha faltado a su cita
acompañándola en la mayoría de sus trabajos.
Su solidez, su compromiso, su espiritualidad y su tener las
ideas muy claras son una característica intrínseca a la hora de valorar su
música.
© Laura G. Guerra
Enrique Farelo (E.F.) ¿Cuándo “nace” en Muriel Grossmann el
deseo por la música y qué personas influyeron o te motivaron?
Muriel Grossman (M.G.) La música ha sido siempre una parte
muy importante de mi vida. Mis padres son muy aficionados al arte y en concreto
mi padre ha coleccionado vinilos de música clásica durante toda su vida. A la
edad de 5 años ellos me propusieron escoger un instrumento. Elegí la flauta. Y
es entonces cuando comenzó mi carrera en la música clásica, etapa que ha durado
12 años. Recuerdo bien como desde temprana edad cogía la flauta cada día
improvisando melodías; era una de las cosas que me aportaba mayor bienestar.
Una gran motivación en esta etapa fue mi profesor de flauta, también escuchar a
músicos como Jimi Hendrix y por supuesto esos amigos especiales aficionados a
la música que me rodeaban.
E.F. Naces en París pero es en Viena donde resides hasta la
juventud. ¿Te interesas en esa época por el jazz o por la música clásica
teniendo en cuenta que la cercana Salzburgo es la patria chica de Wolfgang
Amadeus Mozart?
M.G. Viena y Austria son la cuna de la música clásica. Toda
la ciudad respira música y se siente también en su estilo imperial, sus bailes
y sus tradiciones. Era un privilegio poder crecer en una ciudad donde se
promueve tanto el arte y que destaca tanto por su amor a la cultura como a la
música. Al principio tocaba solo la flauta y estudiaba música clásica, pero con
21 años empecé a tocar el saxofón alto y una cosa me llevó a la otra. De
repente Charlie Parker pasó a ser más importante en mi vida que Mozart. Mi
interés por el jazz y por el saxofón empezó a expandirse a la vez que escuchaba
las novedades del momento e iba adquiriendo más experiencia con las bandas con
las que tocaba.
E.F. Golden Rule: “Haz con los demás lo que quieras que te
hagan a ti”. En éste tu último trabajo propones la regla de oro de la
espiritualidad y que cualquier religión abrazaría sin dudarlo a través de este
adagio. ¿Golden Rule es un homenaje a la religión (a cualquiera), a la
espiritualidad o la filosofía?
M.G. He compuesto Golden Rule con la idea de acercar a la
reflexión si en cada día y en cada situación nuestros pensamientos, palabras y
acciones son consecuentes con esta “Regla de Oro”. Pienso que este concepto espiritual es la clave, la base y el acuerdo esencial para una humanidad que
quiere vivir del modo que merece. ¡Porque nuestra naturaleza es humana!
E.F. “Recta acción sin esperanza de recompensa” es una frase
extraída del libro sagrado hinduista Bhagavad-gītā (parte del texto épico
Mahábhárata). ¿Podría ser esta frase otra regla de oro?
M.G. Necesitamos usar nuestra inteligencia para extender
nuestra naturaleza compasiva. Únicamente el conocimiento intelectual no nos
sirve de mucho si la mente no está disciplinada. Es por eso que el conocimiento
de la mente, su naturaleza y las emociones debe enseñarse en la escuela, ser
guiado por personas adecuadas y abordarse de una y diferentes maneras una y
otra vez.
He podido ver el éxito y beneficio de usar la regla de oro
en el centro educativo Universal Mandala. La practicamos diariamente con los
niños. Con esta práctica constante se puede ver muy bien el éxito. Preguntamos
a los niños si les gusta ser tratados amablemente y cómo es la escuela, su
entorno y si desean venir cada día. Poco a poco a lo largo del año vamos
elaborando una guía que les lleva a descubrir por sí mismos que compartir o
hablar amablemente con sus compañeros es recompensa suficiente. Nosotros los
llamamos “jardineros de la paz”. Lo que sembramos es lo que recogemos. De esta
forma van entendiendo que significa “sembrar” con la palabra y la acción para
recoger bienestar, felicidad y paz. Es un proceso que se integra muy
naturalmente porque está centrado en el “yo”, es decir, en lo que quiero yo.
El altruismo es una actitud fantástica pero muchas veces
lamentablemente se queda en el intelecto, porque es muy difícil de satisfacer
nuestro gigantesco ego, que hemos nutrido durante siglos.
La regla de oro realmente no dice nada de recompensa, solo
nos acerca al entendimiento de la empatía y al reconocimiento del potencial de
bondad y sabiduría en los demás seres. Si pudiésemos relacionarnos y acercarnos
a los demás con el pensamiento de que tenemos delante un ser con un ilimitado
potencial de sabiduría y bondad con esto estaríamos actuando de una manera
responsable. Es la base. La enseñanza “Recta acción sin esperanza de
recompensa” lo veo más útil para gente ya avanzada en el camino del altruismo.
Con una mente investigadora se puede ver fácilmente que estamos sí o sí
recompensados por nuestras acciones rectas, todo efecto procede de una causa,
todo viene de algo, así como nuestras acciones tienen un antes y un después.
Con un poco de trabajo hacia la atención consciente se puede empezar a ver muy
bien por qué nos pasan las cosas que nos pasan. Con el tiempo y la práctica
nuestra vida diaria se haría más fácil y nuestra mente más clara.
© Christoph Schubert
E.F. ¿En qué momento sientes la llamada de lo espiritual?
¿Es influencia de tu admirado John Coltrane?
M.G. Siento y pienso que he nacido, como todos, con un buen
corazón. Pero a la tierna edad de 8 años viendo un documental en televisión, me
di cuenta de las increíbles barbaridades que se cometían en la captura de
delfines. Ahí, en ese momento, tomé la decisión no solo de ser vegetariana,
sino también de hacer el menor daño posible al planeta; y es esto lo que he
tratado de integrar en todas mis decisiones, ya sea en lo que trabajo o en
donde pongo mi economía, o donde compro y lo que compro. Trato de vivir
causando el menor impacto perjudicial posible tomando decisiones responsables
para todo el planeta y ser un ejemplo para otros.
Escuchar y aprender de John Coltrane me ha aliviado y dado
seguridad en mi camino. John Coltrane es para mí uno de los músicos más
importantes que la humanidad ha podido conocer. Era un gran conciliador capaz
de unir diferentes estilos, culturas y géneros reinventándose una y otra vez en
cortos periodos de tiempo con gran consciencia política y profunda
espiritualidad además de ser reconocido como un hombre excepcionalmente
humilde, así como lo fueron Alice Coltrane o Pharoah Sanders.
E.F. ¿Nuestra civilización tal y como la entendemos está
llegando al final de un ciclo por nuestro desprecio a la vida y nuestra falta
de conciencia?
M.G. Hoy en día se ven las consecuencias de un largo periodo
de tiempo de descuido de una población que supera los 7400 millones de habitantes.
Todo es un asunto de enfoque. Siendo bondadosos,
responsables y compasivos, nos sentimos naturalmente bien y deseamos el bien
para todos, pero sufrimos tremendamente cuando vemos que otros sufren.
Se han empezado a promocionar mucho los asuntos de
medioambiente, el uso de energías renovables, la necesidad de reciclaje o la
reducción del uso de plástico, entre otras iniciativas. Por fin parece que
empezamos a concienciarnos. Pero la educación, el cuidado y conocimiento de la
mente, es esencial. Aún estamos dando los primeros pasos en un mundo que aún
nutre en exceso el mundo de los sentidos y la expansión externa olvidándose del
mundo interior y la expansión interna. Si a esto le añadimos que en este avatar
nos vemos dominados y manipulados por gigantes solo interesados en ganar
riqueza, control y poder está claro que nuestro trabajo y práctica hacia la
expansión de conciencia se duplica. Además, todos estamos en procesos de
consciencia distintos y lamentablemente percibimos los hechos en una manera
lineal, separados e independientes, sin llegar a entender totalmente que todo
se puede cambiar con palabras y actos responsables si persistimos en ello.
E.F. Eres formadora musical en un centro educativo de Ibiza,
Universal Mandala. ¿En qué consiste exactamente este centro y en qué medida
influye en tu música?
M.G. Es un centro educativo para niños que considero está
sentando las bases del nuevo paradigma de la educación. Un centro ejemplar.
Cuando mis hijos estaban en la edad de ser escolarizados quería buscar una
educación diferente para ellos, una educación que formara sus mentes para ser
humanos cooperativos, reflexivos y empáticos. Seres preparados para usar su
potencial para el bien de nuestro planeta y las especies que en él habitan
preservando el bien de toda nuestra gran familia humana. Quería que pudiesen
ser unos seres conscientes de sus responsabilidades. Todo esto lo he encontrado
en Universal Mandala. Belen Köhler, su fundadora, es una visionaria
excepcional. Al conocer a Belén y su proyecto educativo entendí enseguida que
para que esta forma de educación llegue a más seres tenía que colaborar con
ella en todas las formas posibles. Por tanto era natural el acercar la música y
la comprensión y estudio de ésta a los niños de este centro desde los
principios filosóficos y educativos de Universal Mandala. Las formaciones que
ofrece Belen Köhler me abrieron al entendimiento de la interdependencia y la
interconexión de todas las cosas y su procedencia, además de cómo vivir de una
forma más beneficiosa para todos lo que ha hecho que con el tiempo me haya ido
refinando más como ser humano.
E.F. El portal
http://ukvibe.org/awards/best-jazz-albums-of-2018/) designa Golden Rule (RR
GEMS Records 2018) como mejor disco del año 2018 en la versión vinilo. ¿Por qué
elegiste el vinilo para su publicación en detrimento del formato digital?
¿Existen diferencias musicales con respecto a la posterior edición en CD?
M.G. Golden Rule es una continuación natural en la evolución
musical y personal. Durante los años que Radomir Milojkovic y yo hemos
trabajado juntos hemos notado una gran atracción hacia elementos musicales
determinados y hemos filtrado y profundizado mucho en ellos. Era un regalo
poder sacar el álbum en vinilo gracias a la propuesta de Valentine y Dimitri
del sello discográfico RR Gems Records. Ellos han creído y apostado por el
potencial de nuestra música y a través de su promoción tan efectivamente dirigida
hemos entendido que efectivamente hay amantes de esta música. Les estamos
verdaderamente agradecidos. Se ha formado una cooperación fina y de profunda de
confianza entre nosotros, tanto es así que en otoño sacaremos un nuevo álbum de
vinilo. Este nuevo álbum será una continuación en la evolución de Golden Rule,
igual que éste era una evolución que empezó con la canción ‘Peaceful River’
(que se puede encontrar en el disco Awakening), pasando por los discos Earth
Tones, Natural Time y Momentum.
E.F. Hablando de producto todos tus discos están editados
por Dreamland Records Studios. ¿Qué importancia tiene tu figura en dicho sello
discográfico?
M.G. Dreamland Records es nuestro sello discográfico, que
hemos formado como vehículo para propulsar y promover nuestras visiones
musicales. Queríamos máxima libertad musical y de diseño.
E.F. El diseño artístico de la portadas de los discos da
carácter y personalidad a los disco haciéndolos un producto atractivo e
indicador de lo que contienen. ¿Quién diseña las caratulas de tus discos?
M.G. Soy yo quien las diseña, usando las pinturas que hago
en casa junto a mis hijos Ayelén y Iassù.
Pintar es una afición, un juego con colores y formas y
siempre hemos pensado que reflejan bien nuestras obras sonoras.
© José Luis Luna Rocafort
E.F. Los últimos trabajos, Natural Time (2016), Momentum
(2017) y Golden Rule (2018) conforman una trilogía formada por los mismos
músicos a modo de formación estable. ¿Suponen un punto de inflexión en la
música de Muriel Grossmann?
M.G. Pensamos que la música que tocamos se ha ido formando
con la elaboración de cada álbum, por evolución, que hemos ido madurando a
través de este profundo y continuado trabajo. Se puede decir que es la música
de estos álbumes la que nos ha dado mayor satisfacción en cuanto a armonía,
ritmo, melodía y mensaje subliminal.
E.F. En cuanto al grupo. ¿Podrías decirme cuando trabajo y
esfuerzo (en lo que se refiere a ensayos, conciertos etc.) hay detrás del
producto final que es el disco?
M.G. A Radomir y mi nos gusta ensayar, pero no estamos muy
satisfechos con el hecho de tener a los miembros de la banda a tanta distancia.
Por supuesto somos muy afortunados de que al menos Uros esté
con nosotros 3 meses al año y podamos durante este tiempo, cada fin de semana,
crear un laboratorio musical donde elaboramos los temas, las estructuras y los
ritmos. Pensamos que así se forma el sonido de la banda.
Es también una gran fortuna poder tocar junto a un gran
músico como Gina Schwarz, que puede integrarse fácilmente en el conjunto y que
además aporta ideas importantes para el sonido de la banda.
El trabajo de editar la música lo hacemos Radomir y yo.
Somos el núcleo de esta banda. Trabajamos como una maquinaria fina con un buen
engranaje. Pasamos horas y horas grabando los drones (instrumentos que sirven
de fondo sonoro para la formación), toda una orquesta de instrumentos del mundo
con los que la banda puede expresar el verdadero carácter de las composiciones.
Gina Schwarz. Foto: © Laura González Guerra
E.F. Gina Schwarz, Uros Stamenkovic y sobre todo Radomir
Milojkovic son los miembros de tu actual formación. ¿Podrías presentarnos a
dichos compañeros de viaje y como los reclutaste para tu proyecto?
M.G. Con Radomir llevo trabajando desde hace mucho tiempo,
nos entendemos profundamente en lo musical, reconocemos lo que nuestra música
necesita ser y tener, desde las notas sobre el papel hasta el producto final.
Nos encanta tocar juntos y descubrir los nuevos y antiguos senderos que hacen
del jazz una música tan grandiosa. Siempre admiré su dedicación, su
conocimiento y su arduo trabajo. Es un músico verdaderamente extraordinario con
una extensa visión.
A Gina la conozco de mis días en Viena, es una música con
carácter capaz de adaptarse a cualquier situación musical. Así que cuando llegó
el momento de formar una nueva banda sabía bien a quién llamar.
Durante mucho tiempo he estado buscando un baterista para el
nuevo viaje musical que quería comenzar, y lo encontré en Uros. El comprende la
música y el papel que ésta música necesita.
Radomir Milojkovic. Foto: © Ferran Pereyra
E.F. Tu labor como saxofonista tiene un peso específico como
instrumentista de valor incuestionable al igual que como compositora. ¿Cómo es
el día a día en ambos campos?
M.G. Hay mucho campo a explorar en cada ámbito. Se necesita
dedicación, tenacidad, persistencia y trabajo diario. Para componer me enfoco
en el tema que quiero transmitir para que el mensaje se transporte a través de
la música. Es así como lo hago cuando los nuevos temas o mensajes lo exigen.
E.F. ¿Qué tiempo dedicas al instrumento por día?
M.G. Quiero dedicar más tiempo a los instrumentos cada día,
pues nunca me parece suficiente.
E.F. ¿Resulta dura la soledad como compositora?
M.G. ¡Para nada! ¡Disfruto este proceso de flujo de
creatividad! Al igual que el tiempo practicando solo el instrumento, es un
tiempo de introspección revelando los límites potenciales, un campo abierto a
la creatividad.
Uros Stamenkovic. Foto: © Ferran Pereyra
E.F. ¿Influyen los sueños a la hora de crear tu música?
M.G. Es una pregunta muy interesante, la verdad. Mis sueños
hasta ahora se manifiestan como una mezcla de situaciones del día a día y a
menudo en forma de aventuras. Mis días están llenos de responsabilidades. En
cuando pueda sacar algo de tiempo extra quisiera investigar en el yoga de
sueño, para poder aprovechar estos más conscientemente.
E.F. Con la importancia que has ido adquiriendo a lo largo
de tu carrera, ¿piensas que deberías tener in mayor reconocimiento?
M.G. Me gustaría que más gente pudiese disfrutar de mi
música.
E.F. ¿En qué escenario o escenarios te hubiese gustado tocar
y no lo has hecho?
M.G. En muchos, sobre todo escenarios de festivales de Jazz
o en pequeños teatros. Me gustaría tocar en más países y continentes.
E.F. ¿Cuáles son los músicos qué más han marcado tu estilo?
M.G. John
Coltrane, Ornette Coleman, Alice Coltrane…
E.F. ¿Cuáles han sido y son tus músicos favoritos dentro del
jazz actual y del pasado?
M.G. Lester Young, Illinois Jacquet, Charlie Parker, Stanley
Turrentine, Count Basie, Duke Ellington, Cannonball Adderley, Jimmy Smith, Lou
Donaldson, Rusty Bryant, Julian Lee, Jazz at Lincoln Center Orchestra, Melissa
Aldana, Joan Chamorro y sus proyectos con músicos emergentes, especialmente con
Carla y Andrea Motis y Abril Sauri, Christian Lillinger, Robert Landfermann
etc…
E.F. ¿Por qué músicas te has interesado al margen del jazz?
M.G. Música del mundo en general, Música tradicional de
India, de África, de Tuvá, Soul, Jazz, Gospel, Blues, R&B……..
E.F. En otro orden de asuntos ¿Qué lecturas enriquecen tu
labor como músico? ¿Estás interesada en el esoterismo, en el misterio o la
parapsicología?
M.G. Lo que más me gusta profundizar es en los libros de budismo
o libros de físicos como Stephen Hawking, Albert Einstein… Estoy leyendo
continuamente. Ahora mismo estoy leyendo el libro Sleeping, dreaming and dying
una exploración de la conciencia con su Santidad Dalai Lama.
E.F. Tu música es una búsqueda del compromiso y tiene cierto
nivel de complejidad. ¿A quiénes crees que va dirigida?
M.G. Bueno, vemos a quién está llegando. A gente con amor a
la música de John Coltrane y al Jazz espiritual, pero cuando tocamos en vivo es
increíblemente bien recibido por todo el público. Ahora mismo lo veo más como
un asunto de alcance.
La música que tocamos está dirigida a todo el público. A las
personas les gustan las melodías bellas, les encanta un ritmo que les mueva y
les ponga de buen humor. Pero la música también puede ser intelectual, compleja
y con un ritmo que te mueva y te lleve hacia dentro, no solo hacia afuera.
E.F. Siguiendo por este camino y teniendo en cuenta que la
sociedad va encaminada hacia la superficialidad, al dinero fácil, al producto
mediático y a la inmediatez, ¿qué futuro le ves al jazz a nivel nacional e
internacional?
© Peter Purgar
M.G. Pienso que se tendría que definir mejor la palabra
jazz. Si hablamos de buena música o mala música, pienso que la buena es la que
está y persiste en el tiempo, y esto no tiene límite geográfico. Si la
educación musical, la introspección y el estudio profundo en la música se
dieran tanto en casa como en la escuela esta música se podría mantener a un
nivel más extendido.
Jazz es una palabra muy pequeña para una música tan amplia.
Lo que puede ser jazz en estos días, podría ser engañoso para algunas personas.
Por otra parte, cuando no etiquetas algo, es difícil decir lo que es.
Todo en este mundo tiene una palabra que lo define y con el
Jazz no es diferente. Si dices que quieres un té verde y te traen un café, si
no importara cómo se llama, te traerían cualquier líquido.
Algo que es tantas cosas es difícil de explicar y al Jazz se
le considera muchas cosas. Esto puede confundir a las personas que lo escuchan;
pero estos son los hechos.
E.F. ¿Eres de las que piensas que hoy día existen una
cantidad importante de músicos de jazz y escasos oídos para apreciarlos?
M.G. Yo pienso que hoy en día por las posibilidades de
YouTube y la velocidad de información, la música puede llegar a muchos oídos.
Veo también que hay una gran cantidad de gente muy agradecida de poder
disfrutarla. Pero una cosa importante para el jazz es conocer lo que era e ir
más allá para saber lo que es hoy. Esto es difícil, pues parece que las dos
vías están en conflicto constante.
La gente quiere oír algo nuevo y para eso se necesita de
mucha experimentación y de muchas pruebas, lo que quizás haga que las personas
se pongan impacientes y pierdan el enfoque. Por otra parte, la audiencia
también quiere escuchar una hermosa melodía bien realizada. La música de Bach
tiene aproximadamente unos 300 años, pero todavía se toca hoy y sin muchos
cambios, lo mismo debiera ser con Louis Armstrong, por ejemplo. La vida y la
música están siempre en movimiento y se mueven porque vienen de algo, porque
algo ha habido antes, como muestra claramente la historia.
E.F. La música de Bach tiene 300 años, pero todavía se toca
hoy y sin muchos cambios. ¿Esta frase tuya apunta a una objetividad de la
Música o en realidad ésta no existe, sino que lo que realmente existe es el
valor que el tiempo y el entendimiento humano le confiere?
M.G. Bach estableció los estándares de la música clásica
hace poco más de 300 años. Lo mismo hizo Louis Armstrong. Estableció los
estándares para el jazz como el swing, o el blues… y todos los innovadores que
vinieron después como Charlie Parker, John Coltrane u Ornette Coleman
profundizaron éstos. Lo mismo sucedió con los músicos que vinieron después de
Bach. Ellos continuaron y profundizaron en su visión y en los estándares de la
música clásica.
Si sitúas la música en el contexto del momento en que se creó
y le das la perspectiva histórica de hoy, es lo más cercano a un punto de vista
objetivo.
No he escuchado a Louis Armstrong en persona, pero he
escuchado muchas grabaciones. De Bach tenemos las notas, pero la interpretación
es contemporánea. La comprensión humana y el paso del tiempo a veces
generalizan y estandarizan las cosas e incluso, en algún caso, las simplifican.
Siempre tendemos a mirar los íconos sin prestar atención a otros grandes
músicos en la sombra. Todo está ahí y mucho más, solo detrás, oculto.
Por tanto, la música tiene que ver más con la imaginación y
la narrativa y siempre en torno a ese marco final. Para los músicos es
importante cómo se hace, pero para los oyentes importa más cómo se presenta,
cómo suena, cómo les hace moverse. Realmente la música es un complejo lenguaje
capaz de transmitir mucho más que una frase con palabras habladas. No debemos
además olvidar que la intención oculta tiene siempre un efecto fundamental.
E.F. ¿Qué proyectos tienes en mente de cara a un futuro cercano?
M.G. Ahora mismo estoy muy cerca de comenzar ya a mezclar el
próximo álbum que saldrá como vinilo y CD en otoño. Durante el verano nos
pondremos a grabar un nuevo álbum para 2020 mientras tocamos aquí en la isla de
Ibiza inmersos en una temporada llena de conciertos locales y festivales fuera
de la Isla como: el Vijazz en Villafranca e Inca Jazz Festival en Mallorca y el
jazz club Porgy & Bess en Viena en otoño. En marzo tenemos planeado un
estupendo concierto con renombrados músicos de Estados unidos, del que pronto
sabréis más.
Gracias por tu apoyo y estas preguntas maravillosas.
Entrevista y texto: © Enrique Farelo, 2019
Fotografías: copyright en el pie de cada fotografía
Para saber más sobre Muriel Grossmann consulta:
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