Dusan Jevtovic: No Answer 2 (Autoeditado 2026)

No Answer 2 es el resultado del hermanamiento con el álbum de estudio, No Answer (Moonjune Records 2017) y que tuvo su continuación en vivo con No Answer Live (Autoeditado 2020).

El trío de Dusan Jevtovic suena compacto y cohesionado, enérgico, pero controlado y preciso.

Siete composiciones completan el programa de No Answer 2 desde la inicial “Blues For A”, que como su nombre indica es una pieza de blues. El inicio es etéreo y reiterativo, casi obsesivo que se personaliza en la guitarra eléctrica de Dusan Jevtovic y pasa a convertirse en distorsionante y gruñona que interactúa con precisión con el piano de Vasil Hadzimanov y el metrónomo percusivo de Asaf Sirkis.

“Resonate”, comienza rocosa y efusiva, se pierde en pasajes lisérgicos y tensionados y disonancias vanguardistas para acabar disolviéndose.

“Strasnicki” fogosa, enérgica y siempre distorsionante de la mano de Dusan Jevtovic, redobles constantes en las baquetas de Asaf Sirkis donde el piano de Vasil Hadzimanov muestra sus arpegios en pos del diálogo y la intensidad con ambos.

“Op/Sa”, conversando acaloradamente entre los tres, piano, guitarra y batería y, de repente el ritmo decae, se pausa y se eleva en clímax que protagoniza Vasil Hadzimanov, todo se oculta tras el horizonte sonoro.

“Kana Kola” tiene cierto aire al Focus de Jan Akkerman. El sonido funk ácido distorsionante de Dusan Jevtovic se mezcla con las atmósferas planeadoras del Fender Rhodes y el Mini Moog de Vasil Hadzimanov partiendo el tema en dos para mayor glorificación de su piano que la guitarra abrocha agresivo.

En “Oneness” la belleza serena de la guitarra de Dusan Jevtovic se transforma en acidez distorsionante y agresiva a lo Jimi Hendrix, un power trio de jazz-rock que en algo más de 4 minutos dice mucho.

La pieza más corta que sirve de cierre es “High Nine”, en contraposición a la inicial “Blues For A” que es la más larga.

“High Nine”, de intenso frenesí reiterativo, casi obsesivo, quizás minimalista.

Texto: © Enrique Farelo, 2026

Dusan Jevtovic: No Answer 2

Dusan Jevtovic (guitarra eléctrica y loops), Vasil Hadzimanov (piano acústico, Fender Rhodes y Mini Moog) y Asaf Sirkis (batería) además de Aleksander Petrov (percusión en “Strasnicki” y “Op/Sa”)

“Blues For A”, “Resonate”, “Strasnicki”, “Op/Sa”, “Kana Kola”, “Oneness” y “High Nine”.

Todas las composiciones y arreglos de Dusan Jevtovic.

Grabado en directo en el estudio en Future Nature Studios en Zemun (Serbia) en julio de 2018.

Soft Machine: Thirteen (Dyad Records, 2026)

 

Músicos: Theo Travis (Saxofón tenor y Soprano, Flautas, Duduk, Fender Rhodes Piano, Piano (1), Mellotron y Electrónica), John Etheridge (Guitarra eléctrica), Fred Thelonius Baker (Bajo sin trastes), Asaf Sirkis (Batería, Percusión, Piano en 6).

Invitados:
Daevid Allen (Glissando Guitarra en “Daevid's Special Cuppa”, grabado en el año 2000) Pete Whittaker (Órgano en 2 y 5, Piano Fender Rhodes en 2), Nick Utteridge (Gong en 5)

Composiciones:

1. “Lemon Poem Song” (A. Sirkis), 2. “Open Road” (T. Travis), 3. “Seven Hours” (T. Travis), 4. “Waltz for Robert” (A. Sirkis), 5. “The Longest Night” (T. Travis), 6. “Disappear” (A. Sirkis) 7. “Green Books” (J.Etheridge), 8. “Balado Beledo” (J. Etheridge), 9. “Pens To The Foal Mode” (J. Etheridge, T.Travis, F. Baker, A. Sirkis), 10. “Time Station” (T. Travis), 11. “Which Bridge Did You Cross” (T. Travis), 12. “Turmoil” (F. Baker) y 13. “Daevid's Special Cuppa” (T. Travis)

Grabado por Ru Lemer en Temple Music Studios, Surrey, los días 8, 16, 17 y 18 de abril de 2025. Mezclado por Andrew Tulloch en Blue Studio, Londres, en agosto/septiembre de 2025. Masterizado por Andrew Tulloch en Blue Studio, Londres, en noviembre de 2025.

Other Doors supuso la despedida del legendario baterista John Marshall, que formó parte de los primeros Soft Machine y de Nucleus.

En Thirteen, otro de los grandes de la batería actual, Asaf Sirkis, toma el relevo, habiendo formado parte de Anchor And Burden, Markus Reuter, Mark Wingfield, Dusan Jevtovic, Dwiki Dharmawan o Beledo.

John Etheridge es el miembro actual de mayor antigüedad, habiendo formado parte  desde el año 1976 en el álbum Softs; Fred Baker (In Cahoots) integrante desde Other Doors y Theo Travis desde Hidden Details.

Tras ser presentada la actual formación, pasamos a analizar su último trabajo de estudio, este Thirteen, decimotercero o decimocuarto, según si consideramos Rubber Riff como disco de la banda o de Karl Jenkins.

Si lo consideramos como decimotercero, coincide con las trece composiciones que lo forman, todos de corta duración a excepción hecha de “The Longest Night” y “Open Road”.

Precisamente la primera de ellas, la mejor de la composiciones del álbum por extensión, imaginación y desarrollo, donde destacan el órgano de Pete Whittaker, la flauta de Theo Travis y la guitarra de John Etheridge. Sonido cercano a los años en los que la banda transitaba por el rock Canterbury de Bundles.

La sencillez hecha balada en la apacible, poética, breve y bella “Disappear”, flauta (Theo Travis) y piano (Asaf Sirkis) cohabitan juntos en ausencia de la batería.

Otras composiciones como, “Waltz for Robert”, es un guiño a Robert Wyatt de Asaf Sirkis, donde la flauta de Theo Travis da carácter y sentido sonoro arrimándose al jazz con elegante belleza; “Balado Beledo”, John Etheridge brilla fluyendo con soltura con el apoyo de Fred Thelonius Baker rindiendo homenaje al guitarrista de Montevideo, y en “Daevid's Special Cuppa”, es Theo Travis quien hace lo propio con Daevid Allen, fundador de Soft Machine. El carácter étnico procede de la flauta armenia Duduk de Theo Travis y la psicodelia de la guitarra Glissando de Daevid Allen.

“Open Road”, muestra las dotes de energía que son capaces de desarrollar Theo Travis y John Etheridge; “Seven Hours” se debate entre el misterio y el fogoso saxo tenor de Theo Travis, disonante confusión y frenesí en la guitarra de John Etheridge; “Turmoil”, delirante y caóticamente controlado, conversaciones e interactuaciones convergentes, desenfreno entre distorsiones y redoble de tambores.

“Pens To The Foal Mode”, es tensión e improvisación colectiva en diálogos a 4; “Lemon Poem Song”, es enérgica y sincopada; “Green Books” rocoso furor evocando a Bundles; “Time Station”, dinámica reverberación rememora al Soft Machine setentero de la mano del saxo soprano de Theo Travis; “Which Bridge Did You Cross”, made in Theo Travis, la exploración electrónica y el saxo tenor hacen el resto.

© Enrique Farelo, 2026

Aqualung: El Cantor.

 

                                                                     José Ignacio Ezquerra

La luna llena gobierna la noche, la luz blanca se refleja en los carriles por los que los trenes caminan a lo largo del día.

Reside en el Cerro de la Plata, junto  a las vías y bajo el puente. 

Otrora vivió en mejores haciendas, tuvo honores, reconocimiento y cantó en grandes escenarios, aquellos que hacen del hombre, un artista.

Entonces aplausos, escuchas atentas y giras por tierras propias y lejanas, se forjó la leyenda.

Su voz, la prolongación de su alma, ese alma de la que vive y disfruta el artista, ese alma que comunica, embellece y pone la piel de gallina.

Su vida la Música, la música su existencia, su herramienta, el bel canto.

Su voz clara, profunda y luminosa peregrina por la bóveda celestial.

Una vida de éxito que le alejó de quienes más le quisieron. La cara de la otra moneda, el lado oscuro de la luz.

Una carrera brillante amasando fortuna y perdiendo afecto.

Llegado el momento todo se rompió y caído en depresión, de él todos se olvidaron.

Ya no canta el ruiseñor, ahora canta el mudo en medio del desierto.

Ya no truenan los aplausos, ni los vítores, ahora se escucha el silencio de los melómanos invisibles.

La “voz aguardentosa” confunde tanto el día como la noche derramando el lamento de un genio doliente.

Una lluvia de lágrimas furtivas recorre sus mejillas entrecortando la voz que se ahoga en sí misma.

Soledad, pobreza y la fidelidad del mejor amigo del hombre es todo lo que le queda de lo que un día fue, eso y el sello de oro en el dedo anular.

Soberbia, crueldad, ambición y codicia encarnadas en una sombra aparecida de la nada, como un fantasma bajo la lluvia, que apagó para siempre el “canto del cisne”. 

Conocido en vida como Aqualung, ignorado por siempre.   

© Enrique Farelo, 2026

 P.D. basado en un hecho verídico que me aconteció hace tanto que no sé como lo recuerdo. 

Dewa Budjana & Czech Symphony Orchestra-Praguenayama 2026 (MoonJune Records 2026)

Composiciones:

“Pranayama”, “On The Way Home”, “Sasih Sadha”, “Dreamland” y “Karma”.

Todas las canciones están compuestas, arregladas, orquestadas y producidas por Dewa Budjana.

Grabado en el Estudio de Televisión Checa (Praga, República Checa), 2 de abril de 2025.

Músicos: Dewa Budjana (guitarras eléctricas y acústicas. Paisajes sonoros) con la colaboración de Shadu Rasjidi (Bajo sin trastes en “Pranayama” y “Dreamland”), Cucu Kurnia (*Kendang en “Pranayama”, “On The Way Home” y “Sasih Sadha”) y Aji Sang Aji (**Hanpan en Pranayama) más la Orquesta Sinfónica Checa dirigida por Michaela Růžičkova.

Ludvík Sklenář (Primer violín), Pavel Běloušek (Primer violonchelo)

 

Comentario: Dewa Budjana produce su decimocuarto trabajo, 13 de ellos en estudio y el noveno para MoonJune Records.

Praguenayama  lo forman 5 cortes que tienen que ver la filosofía oriental y el yoga. Cinco piezas que completan un mini álbum de referencias tradicionales indonesias que mezclan instrumentos étnicos e instrumentos clásicos y eléctricos.

La inclusión de una orquesta sinfónica no es la primera vez, ni a buen seguro que no será la última, que se utiliza en propuestas que tengan que ver con el rock progresivo o el jazz-rock. Esto es algo que se viene haciendo desde que The Moody Blues lo emplearan en su afamado Days of Future Passed de 1967, además de Caravan, Renaissance o la Mahavishnu Orchestra.

 Praguenayama juega con la fusión fonética al unir la capital de la república Checa, Praga, con pranayama, práctica yóguica del control consciente de la respiración.

Praguenayama es una obra donde confluyen y deben confluir oriente y occidente, sonidos donde se aúnan texturas étnicas contrastadas con el entresijo orquestal y los solos de las guitarras de Dewa Budjana.

Praguenayama se abre en flor con “Pranayama”, una composición de precisos arreglos donde inicialmente se disfruta de la suave brisa del Hanpan de Aji Sang Aji y, donde el riff de guitarra de Dewa Budjana, a mitad del tema, nos embelesa con un abrazo de dulzura orquestal propio de la New Age.  

“On The Way Home”, marca el camino y la forma de andar con una cadencia amable, alegre, oriental y acompañada por la guitarra acústica de Dewa Budjana en minucioso maridaje con la orquesta. Un viaje para banda sonora no creada.

“Sasih Sadha”, tan alejado y tan estrechamente unidos, Indonesia y la España mediterránea de aires flamencos insinuados y sutiles. La orquesta propone intensidad y dramatismo que se libera con la fluidez de la guitarra acústica de Dewa Budjana.

“Dreamland” o “Masa Kecil” (Dewa Budjana-Dawai In Paradise, MoonJune Records 2013), misma composición, distinto título e influenciado por “Silk Road” del japonés Kitaro.

El broche lo pone “Karma”, que sirve de presentación del álbum del que se ha hecho el video promocional. Una bella composición de arreglos pulidos que entrelazan orquesta y guitarras, que mezclan pausa y energía.

  © Enrique Farelo, 2026

*Tambor tradicional en forma de barril de Java y Bali, Indonesia.

**Instrumento de percusión melódica con forma de platillo volante (ovni), hecho de dos mitades de acero pulido.

 

Ralph Towner (1940-2026) In Memoriam

 

Nels Cline: Llevas como 47 años grabando para ECM, trabajando con Manfred Eicher. Obviamente, en los años 70 esta relación era más que ideal para tu música y trajo una estética completamente nueva al mundo—gran parte de ella derivaba (en mi opinión) de tu estilo de escritura y forma de tocar y las innovaciones de Oregón y aspectos del Paul Winter Consort. ¿Es feliz y cómodo hacer un disco como My Foolish Heart, o hay desafíos más allá de simplemente buscar una buena toma, incluso hoy en día?

Ralph Towner: Siempre me entusiasma la idea de grabar. Intento esperar hasta tener suficiente material compuesto para empezar a considerar la grabación. Cada grabación tiene una sensación diferente, y algunas sesiones son más difíciles, dependiendo de la música. Pero siempre es un honor poder documentar la obra de tu vida.

Ralph Towner en memoria

Entrevista a Ralph Towner realizada por Nels Cline en Fretboard Journal (https://www.fretboardjournal.com/features/focused-an-appreciation-of-the-genre-bending-guitar-work-of-ralph-towner/)

Fotografía por Enrique Farelo. Tomada en el Festival Internacional JazzMadrid 2023, CentroCentro, Madrid, el 10 de noviembre de 2023.

Anchor and Burden: Sunken Fleet (Iapetus Records; 2025)

 

“Sunken Caravan”: Apesadumbrado, inquietante, oscuro y dramático. Tan denso como espeso, casi angustioso, obsesivo, enigmático hasta la encriptación. Desesperado por encontrar una salida, una solución a tanta desazón desde el profundo inconsciente.

“Dagger Dances”: Reverberaciones desde el más allá se manifiestan en el más acá, armonías fantasmales, pulsos de energía fría envuelven mi cerebro de atmósferas negras.

“Abandoned Vessel”: Sonoridad retorcida y barroca, ecos de paisajes muy alejados de lo real, soñando con Robert Fripp, el pulso se acelera hasta el dolor neuronal, el corazón sufre ante la subida arterial.

“Floating Wreckage”: Musicalidad fragmentada por la repetición, conversaciones inteligentes pero cuyos diálogos no tienen traducción, indolente hasta la extinción.

“Pendulum”: Como un péndulo, más como un metrónomo hipnótico y regresivo.

Reloj que marca las horas sin ser mi deseo. ¿Cuánto me queda? Es solo un final.

Transgrediendo la norma se saborea el peligro, se paladea el miedo. Solo escucha y después me cuentas.

Texto: © Enrique Farelo, 2026

Anchor and Burden: Sunken Fleet

Músicos: Markus Reuter (Touch Guitars AU8 y S8, Soundscapes), Alexander Paul Dowerk (Touch Guitars S8), Bernhard Wöstheinrich (Teclados y electrónica) y Asaf Sirkis (Batería y percusión)

Composiciones: “Sunken Caravan”, “Dagger Dances”, “Abandoned Vessel”, “Floating Wreckage” y “Pendulum”.
Todas las temas compuestos por Anchor and Burden.

Grabado por Arno Jordan en Castle Studios, Röhrsdorf, Alemania

Mezclado por Stefano Castagna en Ritmo&Blu Studio

Masterizado por Erik Emil Eskildsen.

Mark Wingfield: The Gathering (MoonJune Records; 2024)

 

The Gathering una obra de altura, sin valles, brillando con luz propia y sin desmayos, un ejercicio de riesgo e indefinición bien entendida, que transita entre el rock progresivo y la fusión con el jazz. Una estética apoyada en la aventura, explorando terrenos inexplorados donde Mark Wingfield expresa lamentos extendidos en el espacio, sonidos blandos y dramáticos, profunda pasión y audacia sin límites desde la inicial “The Corkscrew Tower” hasta la definitiva “Cinnamon Bird”.

The Gathering cuenta con la colaboración de Tony Levin, (Peter Gabriel y King Crimson) y Percy Jones (Brand X). El primero toca el contrabajo eléctrico en “The Corkscrew Tower”, “Apparition in the Vaults”, “Pursued in the Snow”, “The Listening Trees” y “Journey Home”. Percy Jones al bajo sin trastes, a su vez, en “Stormlight”, “A Fleeting Glance”, “Together We Rise” y “Cinnamon Bird”.

Oscura melancolía que se bifurca en diversos caminos sonoros, explosión de energía en ocasiones, calmada y reflexiva en otras, “The Lost Room”.

Intensidad reverberante y doliente en la siempre presente hipnótica y protagonista guitarra de Mark Wingfield en “Stormlight”, “Apparition in the Vaults” o “A Fleeting Glance”.

“Pursued in the Snow”, un delirio a dos, un face to face entre Mark Wingfield y Gary Husband, un duelo de guitarra y sintetizador.

En “The Listening Trees” y “Together We Rise”, rememorando influencias sutiles desde la agresividad a Pat Metheny; “Journey Home”, intensa e inquietante como Terje Rypdal.

Cierra “Cinnamon Bird”, con magníficas intervenciones de los cuatro integrantes, Mark Wingfield, Gary Husband al sintetizador, Tony Levin al contrabajo eléctrico y Asaf Sirkis, una turbina de platos y tambores.

Texto: © Enrique Farelo, 2026

Mark Wingfield: The Gathering

Músicos: Mark Wingfield: Guitarra táctil, paisajes sonoros; Gary Husband: sintetizador y piano, batería; Asaf Sirkis: batería; Tony Levin: contrabajo eléctrico; Percy Jones: bajo sin trastes.

Composiciones: “The Corkscrew Tower”, “Stormlight”, “Apparition in the Vaults”, “A Fleeting Glance”, “Pursued in the Snow”, “The Lost Room”, “The Listening Trees”, “Journey Home”, “Together We Rise” y “Cinnamon Bird”

Todas las temas compuestos por Mark Wingfield.

Grabado por Jesús Rovira en el estudio de La Casa Murada, España. Las partes de Tony Levin grabadas en Kingston, Nueva York y las de Percy Jones se grabaron en Nueva York en sus estudios caseros.

Mezclado y masterizado por Mark Wingfield en Heron Island Studio, Reino Unido