El Ascensor

Iba apurada, sin tiempo, se me habían pegado las sábanas. Llegaba tarde y eso me estresaba. El primer día de trabajo y llegaba tarde.

Corro hasta perder aliento por el vestíbulo hasta alcanzar el ascensor, pulso el botón de llamada. El ascensor se detiene, se abre la puerta. Es extraño no me encontré con nadie, ni en el edificio ni en el ascensor. Pulso el botón para acceder a la decimotercera planta.

El denso silencio se rompe por los altavoces del propio ascensor. La letra es una repetición enfermiza, un bucle sin fin que taladra el cerebro y rompe la capacidad de pensar. Una voz gutural como un berrido pronuncia palabras machistas y sensuales, ¿Bad Bunny?

El ascensor llaga a su destino pero no se abre. Me encuentro frente al espejo y me angustio. No sé qué hacer. ¿Por qué no he visto a nadie? La puerta no se abre, el botón de emergencia no responde y no tengo cobertura en el móvil. Estoy perdiendo el control y empiezo a tener miedo. La puerta no se abre….no se abre….

El correr de las puertas se mezcla con la música y salgo despavorida y liberada.

No soy libre esa voz que llevo en mi cerebro lleva el nombre del virus del que me he infectado: reguetón.  

© Enrique Farelo, 2026

Djali Kunda Ba

Djali Kunda Ba (Noches de Vicálvaro 2026. Parque forestal de Valdebernardo (lámina del agua), Vicálvaro, Madrid. 2026-07-05) 21 Distritos.

Fecha: 05 de julio de 2026

Hora: 22h

Lugar: Parque forestal de Valdebernardo (lámina del agua), Vicálvaro (Madrid)

Grupo:

Pablo Hernández Ramos (España): saxos soprano, alto y flauta

Aboubaker Sylla (Guinea Conakry): krin, n'goni, percusión y voz

Cherif Badua (Senegal): krin, Kora y voz

Andiley Mojena (Cuba): trombón y voz 

Gherardo Catanzaro (Italia): teclados

Akin Onasanya (Nigeria): batería

Djali Kunda, significa “Casa de artistas” en mandinka. El proyecto fue creado en 2025 y durante el presente año se espera la publicación de su primer disco.

Djali Kunda Ba parte de las raíces del África occidental y sus conexiones con otros sonidos del mundo. Impulsado por Pablo Hernández Ramos, Cherif Badua y Aboubaker Sylla explora las tradiciones mandé, como la mandinka, susu o bambara, que fusiona con el jazz o la rumba. 

Su repertorio combina composiciones propias con temas tradicionales, una propuesta vibrante, llena de ritmo y emoción, pensada tanto para escuchar como para dejarse llevar por el baile. 

Una velada nocturna tan agradable como para hacer disfrutar al cuerpo como a la mente, una propuesta sincera, humana y auténtica interpretada por 6 músicos de excelente técnica y profesionalidad para regocijo y disfrute del numeroso público allí congregado. 

Fotografías: © Enrique Farelo, 2026

Xavi Reija Electric Quintet: Nu Breed (MoonJune Records 2026)

Rafael Garcés (saxo), Dusan Jevtovic (guitarra eléctrica), Bernat Hernández (bajo eléctrico), Tomás Fosch (fender rhodes y mini moog) y Xavi Reija (batería)

“Dreamland”, “Dusan Song”, “Nu Breed”, “Reflections”, “Dreamscape Room”, “We Keep Walking”, “Are You Religious?” y “Two Sides”.

Todas las composiciones y arreglos de Xavi Reija excepto “Are You Religious?” de Dusan Jevtovic y “Two Sides” de Xavi Reija y Dusan Jevtovic.

Grabado en La Casa Murada de Jesús Rovira el 31de Julio y 1 de Augusto de 2025.

Una vuelta a los orígenes, una vuelta a la formación de su inicial Dream Land, con la sustitución de Álvaro Gandul por Tomás Fosch, un regreso si, al jazz-rock y al funk.

Ocho piezas de corta duración, ocho piezas ya compuestas e interpretadas en tiempos pasados, salvedad hecha de “Dusan Song” y “Nu Breed”, ahora revisadas y reconstruidas: Xavi Reija electric quintet, Dream Land (Batiendo Records 2006), “Dreamland” y “Two Sides”; Reflections (Autoedición 2017), “We Keep Walking”, “Reflections”; Dreamscape Room (Autoedición 2020), “Dreamscape Room” y Workplace  (Formato Digital 2022), “Are You Religious?”

Un álbum de fácil digestión que se asimila con fluidez y que engancha desde las primeras audiciones, donde los músicos intervinientes se democratizan en sus intervenciones con soltura, elegancia y virtuosismo.

Nu Breed es enérgico y directo, muy completo y sin altibajos, contundente en los cambios de ritmo que bebe de las fuentes originales de los setenta, como Miles Davis, Weather Report o RTF.

Comienza con “Dreamland”, un corte de mucho groove y funk que se apoya en el bajo de Bernat Hernández, que aquí como a lo largo del disco está para recordamos a Jaco Pastorius; Rafael Garcés dibuja melodías al saxo.

“Dusan Song”, otra demostración funk de sonido coral, con destacados riffs de guitarra de Dusan Jevtovic y el saxo de Rafael Garcés.     

En “Nu Breed”, la de mayor duración, sin ser excesivamente larga, densa y rocosa, Rafael Garcés se retuerce al saxo, Dusan Jevtovic vuela alto a lomos de su guitarra eléctrica, vuelve por sus fueros Bernat Hernández, Tomás Fosch, fluye mágico al fender rhodes. Lo gobierna todo Xavi Reija desde los platos y tambores.  

“Reflections”, una breve balada que rememora inicialmente a Jan Garbarek con Rafael Garcés, Bernat Hernández se muestra preciso y Tomás Fosch pone el brillo al fender rhodes.

“Dreamscape Room”, obsesiva, modulante y bella. Tomás Fosch pone el timbre en manos de su fender rhodes, Rafael Garcés toma el relevo con fulgor empastando con Dusan Jevtovic, Bernat Hernández y Xavi Reija.

“We Keep Walking”, dialogando con soltura el mini moog de Tomás Fosch con la guitarra de Dusan Jevtovic, toma el testigo Rafael Garcés con un Tomás Fosch que regresa con el fender rhodes, redobles y redobles en los parches de Xavi Reija a modo de conclusión.

En “Are You Religious?”, gruñe Dusan Jevtovic entre un amasijo de sonidos densos y complejos, atempera Bernat Hernández y el mini moog de Tomás Fosch abrocha un final disuasorio.

En “Two Sides”, Xavi Reija ejerce de maestro de ceremonias, finalizando y poniendo en solfa un ejercicio de funk en manos del bajo de Bernat Hernández, sumándose Rafael Garcés al saxo, Dusan Jevtovic a la guitarra eléctrica y Tomás Fosch al mini moog con Chick Corea en el recuerdo.

© Enrique Farelo, 2026

Beat/Adrian Belew, Steve Vai, Tony Levin y Danny Carey (Noches del Botánico, Madrid. 2026-06-26)

 Beat/Adrian Belew, Steve Vai, Tony Levin y Danny Carey (Noches del Botánico, Madrid. 2026-06-26)

Fecha: viernes, 26 de junio de 2026

Lugar: Real Jardín Botánico Alfonso XIII. Universidad Complutense de Madrid

Adrian Belew: guitarra eléctrica y vocales.

Steve Vai: guitarra eléctrica.

Danny Carey: batería y percusión.

Tony Levin: bajo eléctrico, sintetizador, chapman stick y coros.

Beat nace con la clara idea de formar, no sé si una banda o una formación, en principio más lo segundo que lo primero. En esa idea se desarrolla la música de King Crimson concretada en la década de los ochenta del pasado siglo y los tres discos grabados por ellos, es decir, Discipline (1981), Beat (1982), de ahí el nombre de la banda, y Three Of A Perfect Pair (1984).

El King Crimson de los ochenta contaba como líder con Robert Fripp y con el icónico batería Bill Bruford, ambos pudieron ser miembros del Beat, paro ambos declinaron la invitación siendo sustituidos por los actuales miembros Steve Vai (Frank Zappa) y el batería de Tool, Danny Carey. Cierran el cuarteto, los ex miembros del ochentero King Crimson, Adrian Belew (Talking Heads, David Bowie, Frank Zappa y Nine Inch Nails) y Tony Levin (Peter Gabriel, Liquid Tension Experiment, Bruford Levin Upper Extremities o Stick Men).

El propio Robert Fripp sugirió el nombre de la super banda.

En mi modesta opinión, Discipline, Beat y Three Of A Perfect Pair, no son las obras de mayor calado creativo de King Crimson. De la trilogía destacaría por encima de los otros dos, Discipline.

Beat cuentan con un único disco en el mercado, Neon Heat Desease - Live in los Angeles, grabado a finales de 2024 en el Teatro United en Broadway, Los Ángeles.

Beat viene realizando una gira europea abarcando países como Inglaterra, Alemania, Austria, Francia, Suiza, Dinamarca, Bélgica etc. Y, por supuesto España, tras Madrid viajara a Bilbao y Barcelona.

Día de concierto grande al que asistieron numerosísimos aficionados al rock progresivo portando camisetas de Discipline, Beat o Larks' Tongues in Aspic de King Crimson, además de Tool, Rush y por supuesto Beat.

Con la salida del grupo, exactamente a las 21h, como estaba previsto por la organización, Beat abre el primero de los dos set en los que dividió el concierto, interpretando por orden absolutamente escrupuloso y sin omisión todos y cada uno de los temas de su álbum Neon Heat Desease.

Desfilaron composiciones como “Neurotica”, “Neal And Jack And Me”, “Heartbeat”, “Sartori In Tangier”, “Model Man”, “Dig Me”, “Man With An Open Heart”, “Industry” y “Larks’ Tongues In Aspic, Part III”, completando la primera parte del concierto y dando paso a un breve descanso.

De esta primera mitad me quedo, sin duda, con la acertada fusión en una única pieza de  “Industry” y “Larks’ Tongues In Aspic, Part III” (Three of a Perfect Pair). De sonido disonante y vanguardista, progresivo y casi ambient.

El segundo set repite la fórmula interpretando, así tal cual, la totalidad del programa de su segundo volumen de Neon Heat Desease:

“Waiting Man”, “The Sheltering Sky”, “Sleepless”, “Frame By Frame”, “Matte Kudasai”, “Elephant Talk”, “Three Of A Perfect Pair”, “Indisicipline” y dos bonus tracks, “Red” y “Thela Hun Ginjeet”.

Con “Waiting Man”, introducido por los tambores de Danny Carey al que se le sumó Adrian Belew percutiendo, comenzó la segunda parte, y para mi modo de ver la más interesante.

Ese interés mostrado viene por la inclusión de muchos de los temas pertenecientes a su álbum Discipline, que como ya dije antes me parece el más creativo de la trilogía.

Por tanto, cortes como “The Sheltering Sky”, “Frame By Frame”, “Matte Kudasai”, “Elephant Talk” o “Indisicipline”, a los que hay que sumar “Red” me parecieron de lo más interesante del concierto.

Con “Red” y “Thela Hun Ginjeet” se abrochó una noche de disfrute para todos los aficionados que llenaron Real Jardín Botánico Alfonso XIII.

¡Casi tres siglos de plena de energía, suman los cuatro miembros de Beat!

Texto y Fotografías: © Enrique Farelo, 2026

Mark Wingfield/Elemental (Dark Energy Music, MoonJune records 2025)

 

Composiciones: “Hope Valley”, “We Live Here”, “Tamin Negara”, “Suntar”, “Falcons Ridge”, “Zag Zig”, “Seven Bridges”, “A Sign in the Weather”, “Silver Wind” y “Tantallon”.

Todas las temas compuestos por Mark Wingfield.

Grabado en directo en estudio sin overdubs.

Grabado en tiempo real por livestream en septiembre de 2025.

Músicos:

Mark Wingfield: Todos los instrumentos.

Desde la inicial “Hope Valley” las intenciones de Elemental muestran a Mark Wingfield en estado puro. Su guitarra eléctrica es la viva demostración de cómo sacar un sonido personal, atmosférico y cercano al noruego Terje Rypdal, ese sonido blando, flexible casi derretido que parafraseando podríamos compararlo con Los relojes blandos del genial pintor Salvador Dalí.

Elemental navega por la apacible poética de “We Live Here” para continuar con la quejumbrosa y rítmica “Tamin Negara”.   

Elemental busca la magia, la aventura y el viaje planeador y sonoro; en “Suntar” lo encontramos de forma decidida.

“Falcons Ridge”, es una pieza happy, amable y asequible que rememora a Pat Metheny. En ambas, “Zag Zig” y “Silver Wind”, encontramos parecidas características que empatizan con la primera. 

Los ecos eléctricos se suman, se sobreponen unos a otros en un ejercicio obsesivo-sonoro en la imaginativa y minimalista “Seven Bridges”. De los momentos más creativos y bellos del álbum.

“A Sign in the Weather”, busca el misterio, la oscuridad y la ingravidez desde la tensión vibrante que se evapora en el espacio.

 “Tantallon” abrocha y cierra el círculo a modo de resumen de todo lo ofrecido a lo largo de los 9 temas precedentes. Pasajes sonoros lisérgicos y dinámicos se funden alternando con naturalidad hasta alcanzar el silencio.

 © Enrique Farelo, 2026

El harpa Mágica

Loreena McKennitt

Caminos de ceniza, cielo gris, atardecer de nubes que lloran lágrimas de cristal dejando correr arroyos de agua clara.

Dama vestida de lánguido blanco, camina sollozante sin rumbo definido.

Orfebrería arbórea que pinta el firmamento de llorosa pluvia cae indolente en busca de un espejo. Arriba la luna de plata reaparece entre las nubes en guiño nocturno.

Se abre la noche a la doncella de rostro de nácar que se ofrece en ritual a la pálida Selene.

Engalanada de blanco satén la musa con sus manos trasmuta el harpa en magia. La luna se duerme despertando a la mañana.

© Enrique Farelo, 2026

 

La Almohada Surrealista

El sol abraza todo con su luz. Gentes en tránsito, alegres juegos de algarabía infantil.

Las palomas en un constante ir y venir de vuelos rasantes practicaban el ejercicio del buen yantar degustando hierro y bebiendo ácido sulfúrico, “ratas voladoras” con plumas, pico y alas.

Cerebro colmena, inteligencia colectiva, palomas inducidas por visionar Los Pájaros de Alfred Hitchcock.

Nadie lo vio venir, las “ratas voladoras” enloquecidas blandieron sus picos sobre los corazones y cerebros de los músicos urbanos. Se hizo el silencio……….

La luz penetra a través de la persiana, amanece de nuevo.

© Enrique Farelo, 2026

El Disco

Todo lo fue fraguando el paso del tiempo, la rutina, el desgaste y la duda.

A las puertas del delirio, el ejecutante desmonta su contrabajo con frialdad parsimoniosa, una

de las cuerdas abraza el cuello de su pareja. Su última interpretación cobra vida en garganta

ajena, partitura de una sonata escrita en una factura de móvil y un sinfín de llamadas al mismo número.

Días más tarde una farola urbana amanece con un disco ceñido a su mástil: un nombre, una fecha y uxoricidio.

© Enrique Farelo, 2026

P.D. basado en un hecho verídico

Stephan Thelen/Fractal Guitar 4 (MoonJune records 2025)

 

Stephan Thelen/Fractal Guitar 4 (MoonJune records 2025)

Composiciones: “In Search of the Miraculous”, “Fractal Guitar Goes to Africa”, “Haumea”, “Crossroads (for Bill Laswell)”, “Creatures of the Night”, “Eclipse, Phase 1 (Into the Darkness)”, “Eclipse, Phase 2 (Into the Light)” y “In Search of the Miraculous (Coda)”.

Todos los temas escritos por Stephan Thelen, excepto “Fractal Guitar Goes to Africa”, escrita por Stephan Thelen y Eivind Aarset, “Haumea”, escrita por Stephan Thelen, J. Peter Schwalm y Eivind Aarset.

Grabado en Bucarest, Oslo, Portland, Boston, Zúrich, Roma, Berlín y Krefeld.

Fotografía de portada Triángulo - 6 (de la serie Dark City) por Arnaud Bertrande:  www.abertrande.com  

Músicos: Stephan Thelen (Guitarras, teclados, percusión, electrónica, programación) y Markus Reuter (Touch Guitars AU8); Eivind Aarset y Jon Durant (Guitarras); Stefan Huth (Bajo táctil)); Yogev Gabay (Batería, percusión); Giri Subramaniam (Tabla); Andi Pupato (Batería, campanas azzam y percusión) y Fabio Anile  (Fender Rhodes) 

Comentario: La cuarta entrega de la serie Fractal Guitar, cuyo autor es el compositor y guitarrista suizo Stephan Thelen desde el año 2015.

Comienza todo con la pieza más extensa, “In Search of the Miraculous” y finaliza con la más breve, “In Search of the Miraculous (Coda)”. El mismo título dedicado al libro del filósofo ruso P.D. Ouspensky que trata del místico armenio G.I. Gurdjieff.  

La música suena tensa y atemperada en la apertura, con cierto halo de misterio obsesivo y un final que anuncia la coda que cierra el álbum. Una coda atmosférica, lisérgica y oscura, casi fantasmal e inmersiva. 

“Fractal Guitar Goes to Africa”, es una algarabía instrumental de ritmos entrecortados, cual reggae espacial, si tal cosa existe, y final minimalista. 

“Haumea” es una nueva versión de la aparecida originariamente en su álbum Transneptunian Planets (RareNoiseRecords 2022) que grabó junto al teclista J. Peter Schwalm.

“Haumea” hace referencia al planeta enano que se encuentra más allá de la órbita de Neptuno, en el cinturón de Kuiper.

Calmada, reflexiva y fresca, de ambientes volátiles, de cósmicos pasajes ingrávidos y perspectivas de precisión científica. 

“Crossroads (for Bill Laswell)”, es la composición elegida como sintonía del video de presentación del MoonJune Festival de Teramo (Italia) a celebrar los días del 22 al 25 julio de 2026.

Dedicada al bajista Bill Laswell, cuyo sonido hipnótico, cadencioso, percusivo y obstinado, insinúa esencias étnicas y ambientales en las manos de Yogev Gabay y Giri Subramaniam, que adornan Stephan Thelen, Markus Reuter y Eivind Aarset.  

“Creatures of the Night”, densa, tensa e intensa, perturbadora e inquietante.

“Eclipse, Phase 1 (Into the Darkness)” y “Eclipse, Phase 2 (Into the Light)”, dos fases contradictorias que van desde la oscuridad a la luz, como el yin y el yang del taoísmo.

Preconizando el Eclipse total de Sol del día 12 de agosto de 2026 en España.

La primera es recurrente, neurótica y oscuramente fantasmal, en la segunda encontramos un giro hacia texturas new age, pasajes y atmósferas sonoras dinámico-fervorosas que se elevan sin pudor de la mano de Stephan Thelen. 

  © Enrique Farelo, 2026

Dusan Jevtovic: No Answer 2 (Autoeditado 2026)

No Answer 2 es el resultado del hermanamiento con el álbum de estudio, No Answer (Moonjune Records 2017) y que tuvo su continuación en vivo con No Answer Live (Autoeditado 2020).

El trío de Dusan Jevtovic suena compacto y cohesionado, enérgico, pero controlado y preciso.

Siete composiciones completan el programa de No Answer 2 desde la inicial “Blues For A”, que como su nombre indica es una pieza de blues. El inicio es etéreo y reiterativo, casi obsesivo que se personaliza en la guitarra eléctrica de Dusan Jevtovic y pasa a convertirse en distorsionante y gruñona que interactúa con precisión con el piano de Vasil Hadzimanov y el metrónomo percusivo de Asaf Sirkis.

“Resonate”, comienza rocosa y efusiva, se pierde en pasajes lisérgicos y tensionados y disonancias vanguardistas para acabar disolviéndose.

“Strasnicki” fogosa, enérgica y siempre distorsionante de la mano de Dusan Jevtovic, redobles constantes en las baquetas de Asaf Sirkis donde el piano de Vasil Hadzimanov muestra sus arpegios en pos del diálogo y la intensidad con ambos.

“Op/Sa”, conversando acaloradamente entre los tres, piano, guitarra y batería y, de repente el ritmo decae, se pausa y se eleva en clímax que protagoniza Vasil Hadzimanov, todo se oculta tras el horizonte sonoro.

“Kana Kola” tiene cierto aire al Focus de Jan Akkerman. El sonido funk ácido distorsionante de Dusan Jevtovic se mezcla con las atmósferas planeadoras del Fender Rhodes y el Mini Moog de Vasil Hadzimanov partiendo el tema en dos para mayor glorificación de su piano que la guitarra abrocha agresivo.

En “Oneness” la belleza serena de la guitarra de Dusan Jevtovic se transforma en acidez distorsionante y agresiva a lo Jimi Hendrix, un power trio de jazz-rock que en algo más de 4 minutos dice mucho.

La pieza más corta que sirve de cierre es “High Nine”, en contraposición a la inicial “Blues For A” que es la más larga.

“High Nine”, de intenso frenesí reiterativo, casi obsesivo, quizás minimalista.

Texto: © Enrique Farelo, 2026

Dusan Jevtovic: No Answer 2

Dusan Jevtovic (guitarra eléctrica y loops), Vasil Hadzimanov (piano acústico, Fender Rhodes y Mini Moog) y Asaf Sirkis (batería) además de Aleksander Petrov (percusión en “Strasnicki” y “Op/Sa”)

“Blues For A”, “Resonate”, “Strasnicki”, “Op/Sa”, “Kana Kola”, “Oneness” y “High Nine”.

Todas las composiciones y arreglos de Dusan Jevtovic.

Grabado en directo en el estudio en Future Nature Studios en Zemun (Serbia) en julio de 2018.

Soft Machine: Thirteen (Dyad Records, 2026)

 

Músicos: Theo Travis (Saxofón tenor y Soprano, Flautas, Duduk, Fender Rhodes Piano, Piano (1), Mellotron y Electrónica), John Etheridge (Guitarra eléctrica), Fred Thelonius Baker (Bajo sin trastes), Asaf Sirkis (Batería, Percusión, Piano en 6).

Invitados:
Daevid Allen (Glissando Guitarra en “Daevid's Special Cuppa”, grabado en el año 2000) Pete Whittaker (Órgano en 2 y 5, Piano Fender Rhodes en 2), Nick Utteridge (Gong en 5)

Composiciones:

1. “Lemon Poem Song” (A. Sirkis), 2. “Open Road” (T. Travis), 3. “Seven Hours” (T. Travis), 4. “Waltz for Robert” (A. Sirkis), 5. “The Longest Night” (T. Travis), 6. “Disappear” (A. Sirkis) 7. “Green Books” (J.Etheridge), 8. “Balado Beledo” (J. Etheridge), 9. “Pens To The Foal Mode” (J. Etheridge, T.Travis, F. Baker, A. Sirkis), 10. “Time Station” (T. Travis), 11. “Which Bridge Did You Cross” (T. Travis), 12. “Turmoil” (F. Baker) y 13. “Daevid's Special Cuppa” (T. Travis)

Grabado por Ru Lemer en Temple Music Studios, Surrey, los días 8, 16, 17 y 18 de abril de 2025. Mezclado por Andrew Tulloch en Blue Studio, Londres, en agosto/septiembre de 2025. Masterizado por Andrew Tulloch en Blue Studio, Londres, en noviembre de 2025.

Other Doors supuso la despedida del legendario baterista John Marshall, que formó parte de los primeros Soft Machine y de Nucleus.

En Thirteen, otro de los grandes de la batería actual, Asaf Sirkis, toma el relevo, habiendo formado parte de Anchor And Burden, Markus Reuter, Mark Wingfield, Dusan Jevtovic, Dwiki Dharmawan o Beledo.

John Etheridge es el miembro actual de mayor antigüedad, habiendo formado parte  desde el año 1976 en el álbum Softs; Fred Baker (In Cahoots) integrante desde Other Doors y Theo Travis desde Hidden Details.

Tras ser presentada la actual formación, pasamos a analizar su último trabajo de estudio, este Thirteen, decimotercero o decimocuarto, según si consideramos Rubber Riff como disco de la banda o de Karl Jenkins.

Si lo consideramos como decimotercero, coincide con las trece composiciones que lo forman, todos de corta duración a excepción hecha de “The Longest Night” y “Open Road”.

Precisamente la primera de ellas, la mejor de la composiciones del álbum por extensión, imaginación y desarrollo, donde destacan el órgano de Pete Whittaker, la flauta de Theo Travis y la guitarra de John Etheridge. Sonido cercano a los años en los que la banda transitaba por el rock Canterbury de Bundles.

La sencillez hecha balada en la apacible, poética, breve y bella “Disappear”, flauta (Theo Travis) y piano (Asaf Sirkis) cohabitan juntos en ausencia de la batería.

Otras composiciones como, “Waltz for Robert”, es un guiño a Robert Wyatt de Asaf Sirkis, donde la flauta de Theo Travis da carácter y sentido sonoro arrimándose al jazz con elegante belleza; “Balado Beledo”, John Etheridge brilla fluyendo con soltura con el apoyo de Fred Thelonius Baker rindiendo homenaje al guitarrista de Montevideo, y en “Daevid's Special Cuppa”, es Theo Travis quien hace lo propio con Daevid Allen, fundador de Soft Machine. El carácter étnico procede de la flauta armenia Duduk de Theo Travis y la psicodelia de la guitarra Glissando de Daevid Allen.

“Open Road”, muestra las dotes de energía que son capaces de desarrollar Theo Travis y John Etheridge; “Seven Hours” se debate entre el misterio y el fogoso saxo tenor de Theo Travis, disonante confusión y frenesí en la guitarra de John Etheridge; “Turmoil”, delirante y caóticamente controlado, conversaciones e interactuaciones convergentes, desenfreno entre distorsiones y redoble de tambores.

“Pens To The Foal Mode”, es tensión e improvisación colectiva en diálogos a 4; “Lemon Poem Song”, es enérgica y sincopada; “Green Books” rocoso furor evocando a Bundles; “Time Station”, dinámica reverberación rememora al Soft Machine setentero de la mano del saxo soprano de Theo Travis; “Which Bridge Did You Cross”, made in Theo Travis, la exploración electrónica y el saxo tenor hacen el resto.

© Enrique Farelo, 2026

Aqualung: El Cantor.

 

                                                                     José Ignacio Ezquerra

La luna llena gobierna la noche, la luz blanca se refleja en los carriles por los que los trenes caminan a lo largo del día.

Reside en el Cerro de la Plata, junto  a las vías y bajo el puente. 

Otrora vivió en mejores haciendas, tuvo honores, reconocimiento y cantó en grandes escenarios, aquellos que hacen del hombre, un artista.

Entonces aplausos, escuchas atentas y giras por tierras propias y lejanas, se forjó la leyenda.

Su voz, la prolongación de su alma, ese alma de la que vive y disfruta el artista, ese alma que comunica, embellece y pone la piel de gallina.

Su vida la Música, la música su existencia, su herramienta, el bel canto.

Su voz clara, profunda y luminosa peregrina por la bóveda celestial.

Una vida de éxito que le alejó de quienes más le quisieron. La cara de la otra moneda, el lado oscuro de la luz.

Una carrera brillante amasando fortuna y perdiendo afecto.

Llegado el momento todo se rompió y caído en depresión, de él todos se olvidaron.

Ya no canta el ruiseñor, ahora canta el mudo en medio del desierto.

Ya no truenan los aplausos, ni los vítores, ahora se escucha el silencio de los melómanos invisibles.

La “voz aguardentosa” confunde tanto el día como la noche derramando el lamento de un genio doliente.

Una lluvia de lágrimas furtivas recorre sus mejillas entrecortando la voz que se ahoga en sí misma.

Soledad, pobreza y la fidelidad del mejor amigo del hombre es todo lo que le queda de lo que un día fue, eso y el sello de oro en el dedo anular.

Soberbia, crueldad, ambición y codicia encarnadas en una sombra aparecida de la nada, como un fantasma bajo la lluvia, que apagó para siempre el “canto del cisne”. 

Conocido en vida como Aqualung, ignorado por siempre.   

© Enrique Farelo, 2026

 P.D. basado en un hecho verídico que me aconteció hace tanto que no sé como lo recuerdo. 

Dewa Budjana & Czech Symphony Orchestra-Praguenayama 2026 (MoonJune Records 2026)

Composiciones:

“Pranayama”, “On The Way Home”, “Sasih Sadha”, “Dreamland” y “Karma”.

Todas las canciones están compuestas, arregladas, orquestadas y producidas por Dewa Budjana.

Grabado en el Estudio de Televisión Checa (Praga, República Checa), 2 de abril de 2025.

Músicos: Dewa Budjana (guitarras eléctricas y acústicas. Paisajes sonoros) con la colaboración de Shadu Rasjidi (Bajo sin trastes en “Pranayama” y “Dreamland”), Cucu Kurnia (*Kendang en “Pranayama”, “On The Way Home” y “Sasih Sadha”) y Aji Sang Aji (**Hanpan en Pranayama) más la Orquesta Sinfónica Checa dirigida por Michaela Růžičkova.

Ludvík Sklenář (Primer violín), Pavel Běloušek (Primer violonchelo)

 

Comentario: Dewa Budjana produce su decimocuarto trabajo, 13 de ellos en estudio y el noveno para MoonJune Records.

Praguenayama  lo forman 5 cortes que tienen que ver la filosofía oriental y el yoga. Cinco piezas que completan un mini álbum de referencias tradicionales indonesias que mezclan instrumentos étnicos e instrumentos clásicos y eléctricos.

La inclusión de una orquesta sinfónica no es la primera vez, ni a buen seguro que no será la última, que se utiliza en propuestas que tengan que ver con el rock progresivo o el jazz-rock. Esto es algo que se viene haciendo desde que The Moody Blues lo emplearan en su afamado Days of Future Passed de 1967, además de Caravan, Renaissance o la Mahavishnu Orchestra.

 Praguenayama juega con la fusión fonética al unir la capital de la república Checa, Praga, con pranayama, práctica yóguica del control consciente de la respiración.

Praguenayama es una obra donde confluyen y deben confluir oriente y occidente, sonidos donde se aúnan texturas étnicas contrastadas con el entresijo orquestal y los solos de las guitarras de Dewa Budjana.

Praguenayama se abre en flor con “Pranayama”, una composición de precisos arreglos donde inicialmente se disfruta de la suave brisa del Hanpan de Aji Sang Aji y, donde el riff de guitarra de Dewa Budjana, a mitad del tema, nos embelesa con un abrazo de dulzura orquestal propio de la New Age.  

“On The Way Home”, marca el camino y la forma de andar con una cadencia amable, alegre, oriental y acompañada por la guitarra acústica de Dewa Budjana en minucioso maridaje con la orquesta. Un viaje para banda sonora no creada.

“Sasih Sadha”, tan alejado y tan estrechamente unidos, Indonesia y la España mediterránea de aires flamencos insinuados y sutiles. La orquesta propone intensidad y dramatismo que se libera con la fluidez de la guitarra acústica de Dewa Budjana.

“Dreamland” o “Masa Kecil” (Dewa Budjana-Dawai In Paradise, MoonJune Records 2013), misma composición, distinto título e influenciado por “Silk Road” del japonés Kitaro.

El broche lo pone “Karma”, que sirve de presentación del álbum del que se ha hecho el video promocional. Una bella composición de arreglos pulidos que entrelazan orquesta y guitarras, que mezclan pausa y energía.

  © Enrique Farelo, 2026

*Tambor tradicional en forma de barril de Java y Bali, Indonesia.

**Instrumento de percusión melódica con forma de platillo volante (ovni), hecho de dos mitades de acero pulido.

 

Ralph Towner (1940-2026) In Memoriam

 

Nels Cline: Llevas como 47 años grabando para ECM, trabajando con Manfred Eicher. Obviamente, en los años 70 esta relación era más que ideal para tu música y trajo una estética completamente nueva al mundo—gran parte de ella derivaba (en mi opinión) de tu estilo de escritura y forma de tocar y las innovaciones de Oregón y aspectos del Paul Winter Consort. ¿Es feliz y cómodo hacer un disco como My Foolish Heart, o hay desafíos más allá de simplemente buscar una buena toma, incluso hoy en día?

Ralph Towner: Siempre me entusiasma la idea de grabar. Intento esperar hasta tener suficiente material compuesto para empezar a considerar la grabación. Cada grabación tiene una sensación diferente, y algunas sesiones son más difíciles, dependiendo de la música. Pero siempre es un honor poder documentar la obra de tu vida.

Ralph Towner en memoria

Entrevista a Ralph Towner realizada por Nels Cline en Fretboard Journal (https://www.fretboardjournal.com/features/focused-an-appreciation-of-the-genre-bending-guitar-work-of-ralph-towner/)

Fotografía por Enrique Farelo. Tomada en el Festival Internacional JazzMadrid 2023, CentroCentro, Madrid, el 10 de noviembre de 2023.

Anchor and Burden: Sunken Fleet (Iapetus Records; 2025)

 

“Sunken Caravan”: Apesadumbrado, inquietante, oscuro y dramático. Tan denso como espeso, casi angustioso, obsesivo, enigmático hasta la encriptación. Desesperado por encontrar una salida, una solución a tanta desazón desde el profundo inconsciente.

“Dagger Dances”: Reverberaciones desde el más allá se manifiestan en el más acá, armonías fantasmales, pulsos de energía fría envuelven mi cerebro de atmósferas negras.

“Abandoned Vessel”: Sonoridad retorcida y barroca, ecos de paisajes muy alejados de lo real, soñando con Robert Fripp, el pulso se acelera hasta el dolor neuronal, el corazón sufre ante la subida arterial.

“Floating Wreckage”: Musicalidad fragmentada por la repetición, conversaciones inteligentes pero cuyos diálogos no tienen traducción, indolente hasta la extinción.

“Pendulum”: Como un péndulo, más como un metrónomo hipnótico y regresivo.

Reloj que marca las horas sin ser mi deseo. ¿Cuánto me queda? Es solo un final.

Transgrediendo la norma se saborea el peligro, se paladea el miedo. Solo escucha y después me cuentas.

Texto: © Enrique Farelo, 2026

Anchor and Burden: Sunken Fleet

Músicos: Markus Reuter (Touch Guitars AU8 y S8, Soundscapes), Alexander Paul Dowerk (Touch Guitars S8), Bernhard Wöstheinrich (Teclados y electrónica) y Asaf Sirkis (Batería y percusión)

Composiciones: “Sunken Caravan”, “Dagger Dances”, “Abandoned Vessel”, “Floating Wreckage” y “Pendulum”.
Todas las temas compuestos por Anchor and Burden.

Grabado por Arno Jordan en Castle Studios, Röhrsdorf, Alemania

Mezclado por Stefano Castagna en Ritmo&Blu Studio

Masterizado por Erik Emil Eskildsen.