lunes, 17 de abril de 2017

Allan Holdsworth (1946-2017)

Allan Holdsworth-In Memoriam
Muere una estrella y con ella se apaga su luz; esa que emanó durante décadas recorriendo el infinito espacio del jazz de fusión y el rock progresivo. Allan Holdsworth regresa al punto de partida, al  lugar de origen que le dio la vida para unirse en un abrazo eterno con el dios Sol.
Durante su peregrinar visitó galaxias (Tempest, Soft Machine, Nucleus, Gong, The New Tony Williams Lifetime, Jean-Luc Ponty, Bruford o U.K.) y perteneció a ellas brillando con luz propia e incluso fue estrella de su propio sistema planetario. Hoy es poseedor del gran secreto que todos conoceremos alguna vez.
Texto: © Enrique Farelo, 2017
Foto de archivo de internet.


domingo, 16 de abril de 2017

EMMANUELLE SOMER - Helios Quartet Tone Poets&Guest/Search for Peace 2000

EMMANUELLE SOMER - Helios Quartet Tone Poets&Guest/Search for Peace 2000  

Helios Quartet:

Emmanuelle Somer: Oboe, corno inglés, Saxo Soprano, bajo clarinete y clarinete
Daniel Dunlap: bajo eléctrico
Jarrod Cagwin: batería, batería de mano y percusión
Peter McCann: guitarras eléctricas y acústicas.

 Tone Poets:

Emmanuelle Somer: Oboe, corno inglés, Saxo Soprano, bajo clarinete y clarinete
Jonas Tauber: violonchelo
Jarrod Cagwin: batería, batería de mano y percusión.

 And Guest:

Peter Epstein: Saxo Soprano
Tom Varner: trompa
Adam Butler: Piano, Hammond b3.frame batería, percusión.

Recorded on November 18 and 19, 2000 by Karl and Peter Karl studios Broodklyn N.Y

Composiciones:

Dance á Cloche-Pied 11:33
Aurora Borealis 4:53
Search for Peace 7:38
Thanks 6:21
Seduction Dance 4:43
Stoned Tones 10:56
Struggle of an Eclosion 2:58
Duality 4:55
Tree in Forest 3:29
Union Treaty 9:27

 Comentario:
Resulta difícil poder explicar la música que ni se ha escuchado, ni se conoce por referencias; este es el caso de uno de esos músicos "elípticos" que parecen no estar y sin embargo existen para deleite de nuestros oídos, y nuestro intelecto.
Músico de rigurosa formación y diversas influencias que aglutina multitud de sonidos, capaz de llevarnos desde la composición más atrevida y compleja a la improvisación libre (la mitad de los temas son improvisados).
Emmanuelle Somer es una artista que a veces recuerda a músicos e instrumentistas del calado del oboísta Paul McCandless. A Paul McCandless se le conoce fundamentalmente por la gran labor desarrollada en Oregón, grupo que podemos calificar sin temor a equivocarnos como fundamental de una forma de hacer música que podríamos definir como música de cámara contemporánea fusionada con la libre improvisación y un carácter marcadamente étnico; todo lo cual asume con naturalidad y una gran personalidad y virtuosismo Emmanuelle Somer.
Dicho esto creo que ya sabemos por dónde van los tiros del sonido de esta desconocida pero importante alquimista de la música belga. Cabe destacar el muy original solo de guitarra de Peter McCann en el tema que abre el álbum (Dance á cloche-pied) y el no menos interesante de la propia Emmanuelle Somer al oboe en el mismo tema.
Músicos como Peter Epstein o Tom Varner son conocidos por sus apariciones en el sello alemán Ecm, el primero y por Omnitone records el segundo; igualmente el percusionista Jarrod Cagwin es conocido por sus colaboraciones con Rabih Abou-Khalil, del resto del combo vosotros mismos juzgareis la calidad que atesoran que no es poca.
Nos os perdáis a esta auténtica artista del siglo XXI tan desconocida como valiosa.
Todo un descubrimiento.

http://www.emmanuellesomer.com/

Enrique Farelo 2003*
* Enrique Farelo dirige el programa "Alquimia" en Radio-Rivas, Madrid.



Joan Díaz - Dalirògena (retrat sonor de Salvador Dalí)

Joan Díaz - Dalirògena (retrat sonor de Salvador Dalí)
  


Músicos: Joan Díaz (composición, piano y teclados), Dani Pérez (guitarras), Jon Robles (flauta y saxos), David Mengual (contrabajo y bajo eléctrico), David Xirgu (batería)

Composiciones: Aigua (part I, part II), Terra (part I, part II), Aire (part I, part II), Foc

Grabado el 28, 29 y 30 de junio de 2004 en los estudios 44.1 de Gerona, España. Editado en 2004 por Satchmo Jazz Records.
SJR CD 00074J http://www.satchmojazz.com/

Comentario: Lujosa presentación “surrealista” de este cd, dedicado íntegramente al genial pintor gerundense Salvador Dalí; en formato digi-pack con amplia documentación fotográfica interior de cuadros del pintor.

No menos lujosa la música incluida en esta obra, dividida en 4 partes y, subdividida a su vez en 7 temas que conforman una obra conceptual de los 4 elementos naturales: agua (partes I,II),tierra (partes I,II),aire (partes I,II) y fuego.

Joan Díaz ha completado su obra mejor y más madura de cuantas ha realizado hasta la fecha; por encima de su anterior disco para Satchmo Mostrebú (2001).

La elección de los componentes no ha podido ser más acertada; Daniel Pérez, es sin duda uno de nuestros mejores guitarristas, moderno, vanguardista con pleno dominio del instrumento cuya participación es siempre generosa.

David Mengual, es quizás nuestro más destacado contrabajista después de Baldo Martínez que no hace mucho publicara en este mismo sello su último trabajo (en igualmente lujosa presentación digi-pack) Deriva con la práctica totalidad de los músicos intervinientes en Dalirógena.

David Xirgu es un batería magnífico, moderno, sutil, capaz de emplearse a fondo cuando la ocasión lo requiere; hace 4 años grabó un excelente disco para FSNT con Daniel Pérez titulado Indolents.

Jon Robles es un saxo de fraseo fácil, potente y sostenido que además utiliza la flauta travesera con acierto en el corte Aigua parte I, que abre el disco.

No puedo ocultar mi gusto por los sonidos producidos por el fender rhodes, sobre todo si se hace con la soltura y sensibilidad de Joan Díaz, demostrando que es suficiente no sólo con el piano acústico.

La parte II de Aigua comienza con una breve introducción de piano y el sutil y elegante apoyo de la guitarra acústica de Dani Pérez, dando paso al resto de instrumentos y, el posterior solo del propio Daniel Pérez a la guitarra eléctrica.

En Terra parte I, el papel predominante lo toma Joan Díaz con el fender rhodes, con sonidos metálicos y tímbricos de gran belleza serena, con la inclusión de la melódica para finalizar.

La balada corre a cargo del 5º tema, Aire (parte I), destacando la guitarra, piano eléctrico, el saxo tenor y batería con escobillas de David Xirgu, dándole una especial sensibilidad y encanto.

El tema 6, Aire (parte II) comienza a buen ritmo y tomando velocidad a medida que se acerca al final, para terminar de forma abrupta.

Con Foc finaliza el álbum, el tema más flamígero de todos con el bajo eléctrico de David Mengual marcando ritmo y pauta, y el saxo de Joan Robles llevando la batuta, le releva la guitarra de Dani Pérez con un solo disonante y generoso que casi nos lleva al final.

Grabación sumamente recomendable para todos aquellos amigos del riesgo controlado. Una de las mejores obras públicas por Satchmo.
 Enrique Farelo 

Soft Machine - Live in Paris

Soft Machine - Live in Paris

                         

Músicos: Elton Dean (saxello, saxo alto, piano eléctrico), Hugo Hooper (contrabajo), John Marshall (batería), Mike Ratledge (piano eléctrico, órgano)

Composiciones:
CD I: 1. Plain Tiffs 3:30 2. All White 6:23(Fifth) 3. Slightly All The Time 13:07 (Third) 4. Drop 7:49 (Fifth) 5. M.C. 2:49 (Fifth) 6. Out-Bloody-Rageous 13:22(Third)

CD II: 1. Facelift 17:50 (Third) 2. And Sevens 8:54, 3. As If 8:27(Fifth) 4. LBO 6:07(Fifth) 5. Pigling Bland 6:04(Fifth) y 6. At Sixes 10:35

Grabado en directo en París, 2 de mayo de 1972. Publicado en 2004 en Cuneiform Records http://cuneiformrecords.com/

Comentario: Nueva reedición de Cuneiform del doble cd de Soft Machine grabado en París (Francia) en 1972, incluyendo temas pertenecientes a sus 3º,4º y5º trabajos.

Grabación magnífica en la que no percibes que es en directo hasta escuchar el aplauso del público.

En gran medida estos tres álbumes suponen lo más granado de su dilatada carrera jazz-rock Canterbury de marcado estilo intelectual, si exceptuamos su 6º disco, no aparecido en el momento que se produjo esta grabación.
Destacables son la inclusión de tres temas nunca aparecidos en disco alguno, (¡al menos que yo sepa!) como son: Plain Tiffs (E.Dean) que abre el 1º de los dos cd’s, And Sevens (Dean, Hooper, Marshall, Ratledge) y At Sixes ambos del 2ºcd.

El resto de los temas son pertenecientes a los ya reseñados 3º,4º y5º trabajos, titulados así con números.

Una de las características propias del grupo en sus directos, es exponer todos los temas como si se tratara de una obra conceptual, tal como ya hicieran en Noisette (cuneiform 1970-2000) y Live in concert BBC (1971-1993) lo que da una visión distinta a la de los discos grabados en estudio. En vivo el sonido se hace más improvisado, lisérgico y minimalista pero sin dejar de ser Soft Machine cuya personalidad es inconfundible.

Cuatro instrumentistas de lujo, perfectos en sus intervenciones tanto individuales como colectivas, destacando principalmente los solos de Mike Ratledge al órgano o el piano eléctrico (que fue capaz de crear escuela en otros teclistas de la escena Canterbury, como Dave Stewart o David Sinclair).

Igualmente reseñable la sin cronicidad alcanzada durante el concierto entre los pianos eléctricos de M.Ratledge y Elton Dean en un juego de doblaje y relevo realmente sugerente.

Hugo Hooper y John Marshall trabajo oscuro el suyo, pero muy destacable, en el parecen no tener tanta importancia y que sin embargo suponen el sustento rítmico de la máquina.

Soft Machine supuso para la época (década de los 70) un grupo visionario por encima de sus contemporáneos y, hoy día siguen sonando frescos y actuales, como si el tiempo se hubiese detenido.

Por cierto Soft Works podemos considerarlo como una nueva reencarnación de la Máquina, grabaron un disco titulado Abracadabra (2003), con E.Dean, A.Holdsworth, H.Hooper y J.Marhall del que podéis encontrar una crítica en esta misma web.
 Enrique Farelo

Freddie Hubbard - The Hub of Hubbard

Freddie Hubbard - The Hub of Hubbard


Composiciones: 1 Without a Song (Vicent Youmans) 12:50; 2 Just One of Those Things (Porter) 7:14; 3 Blues for Duane (Hubbard) 7:32; 4 The Things We Did Last Summer (Cahn, Styne) 7:19

Músicos: Eddie Daniels: saxo tenor, Roland Hanna: piano, Richard Davis: contrabajo, Louis Hayes: batería y Freddie Hubbard trumpeta.

Comentario: El comentario de esta obra ha sido realizado de la versión vinilo. El cd contiene un tema adicional, titulado Muses for Richard Davis, compuesto por Roland Hanna.

El continente,-la portada- de este disco es inversamente proporcional a la belleza contenida en el mismo. No es ni con mucho la obra más conocida de Freddie Hubbard, pero indudablemente es una de las mejores. ¡Obra maestra sin concesiones!

Todo aderezado con un sonido, que para sí, quisieran grabaciones posteriores.

El disco comienza con Without a Song, la velocidad de vértigo y la compenetración caracterizan los excelentes solos de Freddie Hubbard y Eddie Daniels, de principio a fin.

Louis Hayes proporciona un enorme impulso, y una seguridad rítmica y sólida no solo en este tema si no en todos.

Just One of Those Things, es un ejercicio de arrebato delirante y disparatado; en el primer solo de Freddie Hubbard - pleno de swing- te deja sin aliento. Toma el relevo Eddie Daniels con la misma fuerza y garra. Los solos de Roland Hanna ponen “cordura”y finura, igualmente a gran velocidad. Compenetración entre todos, y vértigo que rompe moldes. Una gozada para los músicos y para los oyentes.

Blues for Duane; es un blues dedicado al hijo de Freddie,-Duane- interpretado a la trompeta con sordina, con solos que nos rodean de belleza y lirismo; complementándose con las intervenciones de Eddie, las modulaciones de Roland Hanna al piano, y la contundencia de Richard Davis.

The Things We Did Last Summer; la ausencia de Eddie Daniels, marca el devenir del tema, cobrando protagonismo el feeling de Freddie Hubbard, que llena su trompeta de ecos infinitos, en una balada eterna.
 Enrique Farelo


Sonny Rollins - Without a Song (the 9/11 Concert)

Sonny Rollins - Without a Song (the 9/11 Concert)
  


Composiciones: 1. Without a song….16:37; 2. Global Warming…15:16; 3. Introductions……..1:00; 4. A Nightingale Sang in Berkeley Square…10:58; 5. Why Was I Born?....16:15; 6. Where or When……12:20

Músicos: Sonny Rollins/ saxo tenor; Clifton Anderson/trombón; Stephen Scout/piano (kalimba en # 2); Bob Cranshaw/ bajo eléctrico; Perry Wilson/batería y Kimati Dinizulu/percusión

Recorded at Berklee performance center, Boston; September 15, 2001
http://www.fantasyjazz.com/-2005


Comentario: Larga es la trayectoria profesional que te contempla, pero si los viejos rokeros nunca mueren, los jazzman son eternos.

Con más de 70 años graba este cd en la Berklee de Boston. Solo los grandes se atreven a algo así, para demostrar su grandeza.
Su sonido sigue guardando potencia, fluidez, frescura y autenticidad a partes iguales.

Esta grabación rezuma swing de calado hondo por todos sus poros.

Todo un clásico para comenzar Without a song, donde destaca Sonny Rollins, Stephen Scout y Bob Cranshaw, estos últimos llevando el ritmo con soltura.

Global Warming, es la única composición de Sonny Rollins en este trabajo. De ritmo festivo y caribeño, con acompañamiento de Scout en la marimba, donde no podían faltar las percusiones de Kimati Dinizulu y, la batería Perry Wilson.

A Nightingale Sang in Berkeley Square, tras la introducción, Sonny Rollins que más que interpretar el saxo, lleva un discurso verbal y reflexivo que desemboca en un solo de piano sereno, melódico, de refinado gusto a cargo de Stephen Scout. Cierra de forma magistral el maestro, con el beneplácito del respetable.

Why Was I Born?...., este corte comienza con otro alarde discursivo y, a capella de Sonny Rollins, para dar paso al resto del grupo.

El tema cuenta con otro excepcional solo de Stephen Scout,-un tipo por el que no corre sangre por sus venas, sino swing-al que releva Clifton Anderson con su trombón, ¡qué fuerza la suya! Y una vez más como en los anteriores temas es Sonny Rollins quien certifica el final.

Where or When, pone el broche a Without a song (The 9/11 concert).

Destacando la tertulia armoniosa y compenetrada de Sonny Rollins y Anderson, con posterior monólogo de este último. Y de igual manera cabe destacar una vez más a Stephen Scout, con sus “escarceos amoroso y onomatopéyicos”- a lo K.Jarrett-con otro solo gozoso.

Con alegría de vivir, Sonny Rollins, da por terminado el concierto con otro solo marca de la casa al que el público responde con una multitud de aplausos.

¡Bravo Maestro y larga vida!
Enrique Farelo

Soft Machine - 5

Soft Machine - 5



Composiciones: 1. All white (6:06); 2. Drop (7:42); 3. M.C.  (4:57);  4. As if (8:02); 5. L B O (1:54); 6. Pigling Bland (4:24); 7. Bone (3:29)

Duración: 36:34

Músicos: -Elton Dean: saxo alto, saxello y piano eléctrico
- Hugh Hopper: bajo eléctrico
- Mike Ratledge: órgano, piano eléctrico
- Phil Howard: batería (1-3)
- John Marshall: batería (4-6)
- Roy Babbington: contrabajo (4-6)

Comentario: No es mucho suponer si afirmo que nos encontramos ante una de los discos más importantes del jazz-rock progresivo que jamás se grabaron.

Y es que no hay tiempo para el respiro, cada tema destila originalidad por todas partes, desde All white,-donde destaca el misterioso saxello de E.Dean, bien secundado por M.Ratledge en el piano eléctrico- pasando por Drop, donde la hipnótica caída de una gota nos adentra en el interior de una gruta, que sirve de escenario para que M.R. y E.D. jueguen con sendos pianos eléctricos, y den paso a un corrosivo y estridente solo de órgano del primero.

M.C., hermosa y oscura balada cuyo sonido parece proceder de una lejana dimensión.

As if, donde son especialmente turbadores los solos de E.D. con su saxo de sonido de pasta disonante, y Roy Babbington al contrabajo con arco, melódico y poético a partes iguales.

L.B.O., es un solo para lucimiento de John Marshall que nos introduce en Pigling Bland, donde es nuevamente E.D. quien nos deleita con un solo excelente de saxo alto, pleno de melodía y buen gusto.

Bone, cierra el álbum de la misma forma misteriosa a cómo empezó, sonidos oscuros, tímbricos y atmosféricos, y otra vez el corrosivo y ácido órgano de M.R. del mejor estilo canterbury.

Quiero expresar mi más sincero agradecimiento a Elton Dean por los buenos momentos que me hizo sentir en vida,- fallecido el pasado 8 de febrero a consecuencia de dolencias de hígado y corazón- y por los registros que ha legado a todo buen aficionado a la música.
 Enrique Farelo

martes, 11 de abril de 2017

CARITA BORONSKA QUINTETO XXV Festival de Jazz de Madrid 2008

CARITA BORONSKA QUINTETO
XXV Festival de Jazz de Madrid 2008

Fecha: 21 de noviembre de 2008.
Lugar: Teatro Fernán Gómez (Madrid).
Componentes:
 Carita Boronska: voz y piano
Gladston Galliza: guitarra acústica
Román Filiú O'Reilly: saxo alto, coro
José Antonio Miguel: contrabajo y coro
Noah Curtis Shaye: batería y coro
Comentario:
Las referencias de la cantante sueca Carita Boronska (afincada en Madrid) eran positivas y su presencia en el XXV festival de Jazz de Madrid obedecía a la presentación de su trabajo Jazzuality (2005).
                 
                                Foto de archivo de Francisco Ángel

Su tenue y cálida voz alcanzó sus mejores momentos en sus arrebatadores registros agudos sostenidos, en la utilización del scat y, en momentos esporádicos, incluso del rap. Jazz suave, swingueante y agradable.

En cuanto a sus músicos cabe destacar la labor del bajista José Antonio Miguel (Toño Miguel), de estilo propio y elegante técnica, trató sus solos con brillantez acompañando con viveza y presencia y compactando la sección rítmica. En cuanto a Gladston Galliza y Román Filiú O'Reilly, guitarra acústica y saxo alto respectivamente, se puede decir sin miedo a equivocarse que son músicos perfectos para la música que han de desarrollar y que cumplieron a la perfección con su cometido. Sus intervenciones solistas fueron destacadas y comedidas, llenando huecos en ausencia de la voz y dejando buenas sensaciones entre los asistentes; de Noah Curtis Shaye casi podríamos hablar en similares términos pero con un menor protagonismo solista.

En cuanto al repertorio en sí, la mayoría de temas son los pertenecientes al nombrado Jazzuality, destacando “Killer Blow” por sus cambios de ritmo y las intervenciones de Román Filiú O'Reilly y José Antonio Miguel, además de Carita Boronska utilizando la técnica vocal de scat; “In The Air” es una balada soul-pop en la que Carita Boronska acompaña su voz al piano con los coros de Gladston Galliza y José Antonio Miguel. Especial mención merece “In Your Eyes”, composición al alimón entre el fallecido Pepe Torres y la propia Carita Boronska, balada cantada con profundo sentimiento nostálgico con el acompañamiento de Román Filiú O'Reilly y Gladston Galliza, tan delicados como coloristas; “I Surrender”, pieza para piano y voz de hondo calado sentimental, poética y otoñal, donde Carita Boronska volvió a poner sobre el tapete su cualidad mas destacada, es decir, su gran tonalidad de registro agudo y sostenido.

Y por último mencionar la composición de The Beatles, “Come Together” donde se lucen el batería Noah Curtis Shaye combinando los diferentes tipos de baquetas y el guitarrista Gladston Galliza con un solo suave y bien tocado, todo ello para que Carita Boronska haga acopio de un sobresaliente sostenido agudo y se emplee a fondo con un rapeado tan original como la propia versión del tema.
En resumidas cuentas: concierto sincero y amable que gustó en líneas generales y del que nos queda la duda de conocer las posibilidades reales de la cantante sueca con un repertorio de mayor compromiso.

Seguiremos su evolución con atención.
                                                                 © 2008  Enrique Farelo    

ATOMIC VI Festival Complutense de Jazz "Complujazz"

ATOMIC
VI Festival Complutense de Jazz "Complujazz"

Fecha: 9 de julio de 2009.
Lugar: Jardín Botánico de la UCM (Madrid).
Componentes:
Frederick Ljungkvist: saxo tenor y clarinete.
Magnus Broo: trompeta.
Havard Wiik: piano.
Ingebrigt Haker Flaten: contrabajo.
Paal Nilssen-Love: batería.
Comentario:
 
 El mismo quinteto, el mismo lugar (distinto escenario), la misma instrumentación y, sin embargo, diferente concierto.
 
La moraleja que de ello extraemos es que el espacio y el tiempo modifican a las personas y a los hechos e, incluso, a aquello que argumenta la psicología de la influencia del medio; sea como fuere lo cierto es que los Atómicos esta noche no perdieron un ápice de su carácter, pero no fueron el huracán sónico de su anterior visita a Madrid en marzo de 2006 en el emblemático San Juan Evangelista.
  
El concierto transitó por la fuerza del quinteto y la energía inteligente que transmitió al público siendo capaz de expandirla a todos los espacios abiertos del jardín botánico.
Su solidez no deja a nadie indiferente, sus solos son demoledores, desgarradores, a veces suenan sucios y duros pero, como digo, para la ocasión vistieron galas de una mayor formalidad estructural y cerebral valiéndose del bop, la libre improvisación o la clásica contemporánea hasta completar el ciclo y llegar al free.
  
 En ocasiones el grupo se transformó en dúo, trío, cuarteto y obviamente en quinteto; Ingebrigt Haker Flaten y Frederick Ljungkvist o este último con Magnus Broo protagonizaron sendos dúos, a trío Ljungkvist-Flaten-Nilssen-Love y a cuarteto con la variación de Magnus Broo en lugar de Frederick Ljungkvist o viceversa.
 
El rol desempeñado por la pareja de Ljungkvist-Broo ocupó el lugar de cerebro, mientras el bajista Ingebrigt Haker Flaten representó el corazón con las palpitantes intervenciones de su agresivo pizzicato, dejando las extremidades para el percusivo piano de Havard Wiik y el paso firme y decidido para la batería de Paal Nilssen-Love.
  
Cual montaña rusa de picos máximos y mínimos la música subió y bajó con velocidad vertiginosa, se entrecortó, se paró, jugó con los silencios y lanzó un aluvión de notas que salieron de la trompeta de Magnus Broo para de las nocturnas nubes regresar, puso a prueba los pulmones del saxo tenor de Frederick Ljungkvist, produjo tormentas con la batería de Paal Nilssen-Love o el bajo de Ingebrigt Haker Flaten y dejó caer la lluvia con el piano de Havard Wiik en el merecido y aclamado bis con el que el quinteto nórdico selló y rubricó otra demostración de vigor e inteligencia.
  
Texto © 2009  Enrique Farelo
               Fotos © 2009 Sergio Cabanillas      

domingo, 9 de abril de 2017

LAÏKA FATIEN QUINTET - MISERY. A TRIBUTE TO BILLIE HOLIDAY (ARTISTA INVITADO: ROBERT GLASPER)

LAÏKA FATIEN QUINTET - MISERY. A TRIBUTE TO BILLIE HOLIDAY (ARTISTA INVITADO: ROBERT GLASPER)
XXV Festival de Jazz Madrid 2008

Fecha: 08 de noviembre de 2008.
Lugar: Teatro Fernán Gómez (Madrid).
Componentes:
Laïka Fatien: voz
David el Malek: saxo tenor
Matthieu Chazarenc: batería
Jean Daniel Botta: contrabajo
Robert Glasper: piano
Comentario:
Aproximadamente una hora más tarde dio comienzo el concierto de Laika Fatien como consecuencia del retraso del medio de transporte que habría de conducirles hasta Madrid.

                                                         Laika Fatien

Ese espacio de tiempo fue ocupado por el pianista Mariano Díaz y el guitarrista Joaquín Chacón, que interpretaron standards, entre los que destacaron “Confirmation” de Charlie Parker o “So What” de Miles Davis, con el que se abrió la actuación.

Su concierto fue breve pero elegante, refinado y de excelente gusto e hizo las delicias del numeroso público allí congregado que por momentos llegó a olvidar el verdadero motivo por el cual se habían allí reunido.

La entrada en escena de Laïka Fatien comienza con el clásico “Strange Fruit” –introducido al piano por Robert Glasper. Con voz  pausada e intimista, hizo hincapié en la importancia de los silencios, el dolor y la nostalgia de la célebre canción que Billie Holiday dedicó a los linchamientos de negros en EE.UU.

“Lady’s Back In Towm”, es una composición de Tony Scott con destacados y comedidos solos de David el Malek al saxo tenor y de Jean Daniel Botta al contrabajo. El siguiente tema titulado “I Only Have Eyes For You” sirve de excusa para que Laïka Fatien nos vaya narrando pasajes de la vida de Billie Holiday, de su salida de la cárcel, de sus problemas de soledad, los excesos, sus relaciones con los hombres y el sentirse como esclava a pesar de cobrar mas de mil dólares a la semana. En lo meramente formal Laïka Fatien demuestra sus cualidades innatas como cantante de jazz, voz intimista, cálida, aterciopelada y profunda que modula con estilo propio basándose en el sonido añejo de las grandes voces del pasado que la convierten, sin duda, en una de las grandes voces del momento por encima de otras mas mediáticas y afamadas.
 
                                               Laika Fatien
 En “All Of You” Laïka Fatien presenta a sus “hombres”, (sus músicos) en un tema originalmente estructurado donde su voz se intercala con los redobles de la batería de Matthieu Chazarenc. Con “Bloomy Sunday” presenta una balada de tintes oscuros y profundo dolor con el acompañamiento del piano sensible y lírico de Robert Glasper en una de las mejores intervenciones de la noche, cosa que volvería a repetir en la composición de Tony Scott “Misery”, otra balada triste, expresionista y especialmente turbadora cantada con intensa pasión.
 
                                            Laika Fatien
“Lover Come Back To Me”, dedicado a la madre de Billie Holiday y a todas las madres, en la que una vez más el bello, intenso y preciso trabajo al piano de Robert Glasper acompaña las melodías vocales de Laïka Fatien. Con el bis “Left Alone”, canción en la que hace balance Billie Holiday a su vida, finalizó un concierto de instrumentación comedida y armoniosa donde los músicos hicieron lo correcto y adecuado a la música que interpretaron por encima de brillos personales, adecuándose al sentimiento trágico de la vida, al dolor, la nostalgia, la soledad, a la filosofía existencialista y el absurdo de la vida.

Música que hiere el alma,triste y gris.Concierto maravillosamente delicioso ¡Inolvidable Laïka Fatien!
  
Texto © 2008  Enrique Farelo
Fotos © 2008 Andrés de Gabriel