martes, 27 de noviembre de 2018

John Surman Trio (JazzMadrid18. 2018-11-21) [Concierto]


Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

JazzMadrid18

Fecha: 21 de noviembre de 2018.
Lugar: Centro Cultural Conde Duque. Madrid.
Grupo:
John Surman Trio
John Surman: saxo soprano y clarinete bajo.
Nelson Ayres: piano.
Rob Waring: vibráfono y marimba.


Hacía tiempo que el bueno de John Surman, uno de los mejores músicos de jazz del viejo continente, no actuaba en Madrid. Si repasamos el catálogo de ECM podemos encontrar sus magníficos trabajos, tanto como líder como acompañante. Con 74 años demostró encontrarse en una buena forma, evidentemente sin someterse a excesos enérgicos. No obstante es conocido por ser uno de los jazzistas más líricos que existen.

Invisible Threads es el disco que John Surman vino a interpretar al Festival. Grabado el año pasado en Oslo, ciudad en la que el inglés ha vivido mucho tiempo. Desde siempre a Surman le han gustado los pequeños formatos, bien a dúo o a trio, como en esta ocasión, donde le acompañaban el pianista brasileño Nelson Ayres y el percusionista de mazo neoyorquino, Rob Waring.
  

Surman y Ayres se conocieron en Brasil, donde empezaron a tocar juntos. A Surman le llamó la atención su buen feeling y su fantástica musicalidad. La experiencia de interpretar a dúo les hizo ver en un momento dado la necesidad de incorporar una tercera voz. Los colores sonoros y la tonalidad que aportan la marimba y el vibráfono les encajaban a la perfección. El elegido fue Rob Waring, nacido en Nueva York y residente en Oslo, donde tocaba en conciertos de música contemporánea y también en el campo de la improvisación.

De esta forma se unen tres músicos con diferentes bagajes; Surman influido mucho por las melodías del cancionero de la campiña inglesa, Ayres aporta su bagaje de músico brasileño y Waring es un percusionista clásico. Los tres, con distintos sentimientos rítmicos, construyen armonías y melodías de una riqueza colosal.
  

Cada pieza suena de manera diferente y el trio evoca por momentos las colaboraciones de Chick Corea y Gary Burton para el sello ECM, dando un alto nivel de jazz de cámara. En el concierto se suceden solos intensos de clarinete bajo y de soprano. La marimba y el piano se fusionan y los temas se desarrollan con mucho ritmo. Un piano lento es acompañado por el vibráfono y el saxo soprano, ambos muy introspectivos. Bellas melodías con saxo y marimba se van intensificando y girando a ritmos tropicales, a modo de divertimento en “Summer Song” una composición de Nelson Ayres.
  

Las interpretaciones de Surman al soprano y al clarinete bajo engarzan a la perfección con el piano y el vibráfono/marimba, hasta el punto que no se aprecia lo que es o no improvisado. El clarinete bajo da una clase magistral de intimismo y lírica en “On still waters”. Uno de los mejores momentos lo trajo “Concentric Circles”, con una pura improvisación de los tres músicos cada uno por su lado creando un cuadro y una atmósfera absolutamente hipnótica. Rob Waring, nacido en Nueva York y residente en Oslo, donde tocaba en conciertos de música contemporánea y también en el campo de la improvisación, ha estudiado en Bali y conoce los secretos de las percusiones indonesias, lo que le sirve de inspiración para su propia música. Por ello Surman tuvo en cuenta este aspecto porque se aprecian en el tema referencias al sonido del gamelán indonesio en las pulsaciones de Waring.

Surman y Waring demuestran una gran precisión y van dejando paso a otros dúos de piano y vibráfono. El clarinete bajo de Surman emite notas como si fueran lamentaciones. Los solos de Ayres son muy líricos, algo que se incrementa con Surman al soprano. El inglés toca la mayor parte del concierto a medio tono y muy comedido. Un solo de marimba da comienzo a “Pitanga Pitomba”, preciosa introducción para que el piano y el clarinete bajo improvisen de manera enérgica, para acabar produciéndose un dúo de marimba y piano. El clarinete bajo y el piano se entienden a la perfección. Los tres músicos se entregan en una causa común, el cometido de cada uno es ir enriqueciendo los temas.


 Dice John Surman que los tres son buenos acompañantes y que están a gusto desempeñando ese rol. Las composiciones de Surman sugieren lugares rurales más que urbanos. Le gustan los espacios abiertos, que son donde mejor se inspira. Los temas retienen la frescura de la improvisación, y la interpretación e interacción de los tres refleja un nivel de sofisticación de muchos quilates de oro. Es ahí donde aparecen los hilos invisibles (Invisible Threads) que unen a estos tres músicos, que forman un grupo diferente e innovador dentro de los tríos de jazz de cámara que existen en la actualidad.

Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018

jueves, 22 de noviembre de 2018

Nils Petter Molvaer (I Ciclo de Jazz Contemporáneo Noruego, Sala Off de La Latina, Madrid. 2014-05-29)


I Ciclo de Jazz Contemporáneo Noruego

Fecha: jueves, 29 de mayo de 2014.
Lugar: Sala Off de La Latina (Madrid).
Componentes:
Nils Petter Molvaer: trompeta y samplers
Geir Sundstol: pedal steel, banjo y armónica.
Jo Berger Myhre: bajo eléctrico
Erland Dahlen: batería y percusión.

                                                             
A mediados de los 80 Nils Petter Molvaer fue aclamado por la crítica y público con su grupo Masqualero, formado por una nueva generación de músicos noruegos que aportaban aire innovador al jazz en Europa pasado por el sello inconfundible de la discográfica ECM. Aquellos años supusieron una destacada evolución del jazz con la incorporación paulatina de una hornada de músicos con ansias de aportar nuevas formas ante un jazz más convencional, y en los que la electrónica cada vez jugaba un papel más importante. La trayectoria de Molvaer, desde que aparecieron sus trabajos Khmer (ECM, 1997) y Solid Ether (ECM, 2000), se ha ido decantando por diferentes derroteros, hasta el punto de convertirse en un músico impredecible. Cada uno de sus proyectos era terreno abonado para dar rienda suelta a su excesivo acaparamiento de la electrónica, hasta el punto de contar con discos en los que el trompetista noruego aparecía como multinstrumentista. Algunas actuaciones precedentes suyas en Madrid pudieron dar fe de ello. Por eso su presentación en el Festival de Jazz Noruego contaba de nuevo con el añadido de no saber qué nos íbamos a encontrar en la sala de Off de La Latina.


En formato de cuarteto y con la sorprendente presencia de un instrumento como el pedal steel, la actuación giró en torno a su nuevo disco Switch. Aunque el mundo de la electrónica sigue presente, el concierto resultó bastante menos apabullante de lo esperado en cuanto el abuso de la rítmica. Eso sí, también hubo momentos para la relajación y las bellas melodías. Erland Dahlen a la batería asumió un papel más automatizado, poco dado a moverse por otros caminos que los estrictamente requeridos. Más interesante resultó la presencia de Geir Sundstol con el pedal steel y el banjo, que fue un atinado acompañante para Molvaer, con sus aportaciones muy detallistas y en una línea bien cercana a la sensibilidad del guitarrista Bill Frisell, que casó bien con el lirismo del trompetista.


Entre los haberes, resaltar que, aunque la presencia del elemento electrónico cumple un papel importante en su música, fue de agradecer que los efectos sonoros no se impusieran y las interpretaciones de los músicos fueran por momentos hasta brillantes. Geir Sundstol, tanto con el pedal steel, con el banjo y hasta en un par de ocasiones con la armónica, realizó unas interesantes aportaciones. Jo Berger Myhre al bajó eléctrico dominó también con seguridad la situación e hizo buenos aportes.
  

Fiel a la escuela noruega Nils Petter Molvaer sigue haciendo gala de su virtuosismo, con sonidos directos, envolventes y llenos de lirismo, fiel a un estilo que le ha llevado a ser técnicamente uno de los mejores trompetistas del continente. En la actuación ejerció de líder de un cuarteto, en el que cada componente traía la lección muy bien aprendida, pero aún así, fue capaz de pintar un buen cuadro sonoro lleno de matices muy inspirados y evocadores de las tierras nórdicas a que ya nos tienen acostumbrados los músicos escandinavos.

Texto: © Carlos Lara, 2014
Fotografías: © Enrique Farelo, 2014

Baptiste Trotignon – Minino Garay (JazzMadrid18. 2018-11-15) [Concierto]


Por Enrique Farelo.

JazzMadrid18

Fecha: 15 de noviembre de 2018
Lugar: Instituto francés (Madrid)
Grupo:
Baptiste Trotignon & Minino Garay
Baptiste Trotignon: piano
Minino Garay: voz, recitado, baile, cajón, bombo y percusiones
  

Un francés, un argentino y el entendimiento y acoplamiento entre ambos es perfecto, basta con una mirada cómplice para que la máquina comience a funcionar con naturalidad, no en vano 7 años de colaboración (por boca del propio Minino Garay)  les avalan desde que coincidieron en una gira por Argentina.

Muchos años ya afincado en Francia hacen de Minino Garay que se sienta casi un “francés” más y como tal fue acogido en el instituto francés.


El concierto se concentró en el álbum que firmaron al alimón Baptiste Trotignon y Minino Garay y que lleva por título Chimichurri y que publicaron en el año 2016. Ofrecieron casi la totalidad de las piezas que lo componen entre las que pudimos disfrutar “Tonight”, “Vamos”, “America” o “Fly” que sirvieron de motivo para mostrar todo su repertorio de manera jocosa y divertida pero también poética y seria valiéndose de un abanico de posibilidades estilísticas que van desde el jazz al tango pasando por la chanson francesa, ritmos Latinoamericanos o los clásicos del pop y la improvisación.


Música en esencia que podríamos calificar de étno-jazz tocada con sensibilidad y multitud de matices que sedujo con pasión y buen humor. Delicioso Minino Garay con su baile a lo claqué o su intervención al triángulo que acompañó Baptiste Trotignon con excelencia al piano.
  

Un último regalo extra en forma de homenaje sentido a Carlos Gardel y su famoso tango “Volver” que interpretó al piano Baptiste Trotignon y que cantó Minino Garay acompañado por el entregado público que poblaba el patio de butacas.


Fotografías y Texto: © Enrique Farelo, 2018

Nils Petter Molvaer Group (JazzMadrid18. 2018-11-14) [Concierto]


Por Carlos Lara y Enrique Farelo.

JazzMadrid18

Fecha: 14 de noviembre de 2018.
Lugar: Centro Cultural Fernán Gómez. Madrid.
Grupo:
Nils Petter Molvaer Group
Nils Petter Molvaer: trompeta
Johan Lindstrom: guitarra y steel guitar
Jo Berger Myhre: bajo eléctrico
Erland Dahlen: batería y percusiones


El jazz es una música sometida a constante debate desde su creación a principios del siglo pasado. Las polémicas respecto a lo que es o no es el jazz se han producido continuamente. Algunos músicos, entre ellos Miles Davis decían que no tocaban jazz. De hecho no quería que se etiquetase su música. Lo que le importaba verdaderamente era sacudir los oídos y transgredir las reglas con una música que siempre ha querido formar parte de la realidad de su época.
  

Algo parecido, salvando las distancias, es lo que pretende este músico que nos ha visitado. Si lo consigue o no es otro cantar. Si en su paso por el grupo Masqualero allá por finales de los 70, Nils Petter Molvaer se mostraba ya muy influido por Miles Davis, en los 80 el trompetista noruego acrecentó aún más su querencia por Miles con su decantación hacia una música salpicada de elementos rockeros, de música electrónica e incluso hip hop, utilizando para ello un auténtico arsenal técnico. Es entonces cuando personajes como Jon Hassell o Bill Laswell están en plena fase de creatividad y Molvaer no está al margen de su influencia. Evolución que no ha dejado de cultivar hasta la fecha en los diferentes proyectos que ha puesto en marcha.
  

El último es un cuarteto en el que Molvaer además de tocar la trompeta, domina electrónica y efectos sonoros; incluye el steel guitar de Johan Lindstrom, que además toca la guitarra; Jo Berger Myhre toca dos modelos de bajo eléctrico y Erland Dhalen, está en la batería y varias percusiones, donde se incluyen cajas rítmicas y xilófonos, entre otros.
  

Con estos mimbres, que no son pocos, el grupo tiró de un repertorio contenido en su último álbum Buoyancy. En general, más centrado en utilizar de forma predominante recursos jazzísticos frente a otros conciertos en los que se ha inclinado hacia una avalancha de tecnología que apabulla y termina por aburrir. Las composiciones intentan ser sugerentes y evocadoras. La creación de espacios sonoros se empareja con la música atmosférica o psicodélica y demuestran que Molvaer sigue estando en buena forma con sus intensos fraseos. Entre los efectos sonoros y las percusiones flotantes, hubo momentos brillantes como las aportaciones de Johan Lindstrom al steel guitar y algún que otro solo de guitarra del mismo. Erland Dahlen es un batería muy solvente y Jo Berger Myhre en el bajo eléctrico cumplió su papel.


Si bien es cierto que con la música de Molvaer sucede que, una vez escuchada media hora, da la sensación de que está todo dicho y que todo lo demás son círculos concéntricos, también es posible descubrir instantes bellos entre tantos efectos tecnológicos.

Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018


lunes, 19 de noviembre de 2018

Avishai Cohen Trio Triveni (Café Berlín, Madrid, 2013-05-01)


VI Ciclo 1906 de Jazz

Fecha: 1 de mayo de 2013
Lugar: Café Berlín (Madrid)
Componentes:
Avishai Cohen: trompeta
Reiner Elizarde “El Negrón”: contrabajo
Iago Fernández: batería


Comentario: Convertido en improvisado “camarote de los hermanos Marx” el Café Berlín presenta un aspecto de aforo completo con muchos aficionados en la calle. La ocasión lo merecía, se presentaba en Madrid el trompetista israelí Avishai Cohen (que no guarda parentesco alguno con el bajista de mismo nombre y nacionalidad) para ofrecer parte del repertorio de su último trabajo Triveni II * (Anzic Records 2012).

                                                           Avishai Cohen Trio

El numeroso público convocado sabía muy bien a quién iba a ver y escuchar. No cabía lugar para la duda. Las primeras notas que salieron de la trompeta de Avishai Cohen silenciaron al respetuoso y entendido aficionado.

El concierto se inició con el tema de John Coltrane “Wise One” incluido en su disco Introducing Triveni (Anzic Records).El fraseo limpio, elegante, fluido y modulante impregnó la sala arrancando los primeros aplausos y entusiasmando a melómanos y simples aficionados por igual.

                                                  Avishai Cohen

En “Art Deco” (Don Cherry) en principio encontramos un ejercicio swingueante de bebop y post-bop de la década de los sesenta para paulatinamente ir acercándose al cool de Don Cherry y Miles Davis en la trompeta de Avishai Cohen con el apoyo del potente y brillante solo de Reiner Elizarde “El Negrón” al que acompaña el omnipresente Iago Fernández en los platos.

Con “Ferrara Napoly” entramos en la primera composición de Avishai Cohen y al igual que las otras dos pertenecientes a su trabajo Introducing Triveni. Caracterizado por una fuerza y vibrato de la que hacen gala los grandes trompetistas, modulando con mesura y manteniendo el control con destreza de maestro obliga a la sección rítmica a emplearse con contundencia y a fondo, donde Reiner Elizarde “El Negrón” una vez más muestra sus dotes técnicas con solvencia y Iago Fernández vuelve a ser el complemento perfecto.

                                             Reinier Elizarde

Finaliza el primer pase con dos composiciones propias “One Man’s Idea” y “Get Blue” (ambas de su disco Triveni II), en ésta última Avishai Cohen nos propone un blues disonante con sordina y cuya estructura vuelve a ser trompeta, solo de bajo y apoyo de batería.

El segundo pase comienza con una pieza que lleva por título “Safety Land” (Triveni II) y demuestra que el galardonado por la revista DownBeat Magazine en el 2012 como trompetista revelación, no es casualidad. Apenas unos cuantos minutos de ensayo previo con su bajista Reiner Elizarde “El Negrón” fueron más que suficientes para redondear una actuación digna de músicos que llevaran largo tiempo juntos. La velocidad vertiginosa, cálida, rocosa y bien armada, hizo volar a Iago Fernández sobre sus tambores.

                                               Iago Fernández

En “Amenu” (Introducing Triveni) otra vez la sordina para completar una balada apacible; en el estándar de Charlie Mingus, “Portrait” (Triveni II) se toca sugerente, libre y con mucho swing y mucho feeling con un final improvisado que completa una balada hermosa.

Es en “B.R Story” (Triveni II) donde Avishai Cohen nos recuerda al mejor Freddie Hubbard, al de Hub Of Hubbard, al vertiginoso y virtuoso y al mejor Iago Fernández de la noche.

La velada finalizó con el clásico bis de Dizzy Gillespie / Frank Paparelli : “A Night In Tunisia” en otra demostración palmaria a la improvisación y el virtuosismo que entusiasmó y satisfizo al respetable completando un concierto memorable.

Texto: © Enrique Farelo, 2013
Fotografías © Sergio Cabanillas, 2013


Avishai Cohen Quartet (JazzMadrid18. 2018-11-13) [Concierto]


JazzMadrid18

Fecha: 13 de noviembre de 2018.
Lugar: Centro Cultural Fernán Gómez. Madrid.
Grupo:
Avishai Cohen Quartet
Avishai Cohen: trompeta
Yonathan Avishai: piano
Barak Mori: contrabajo.
Ziv Ravitz: batería.


Ataviado como un hipster impecable, Avishai Cohen dio toda una lección de virtuosismo y un máster de poesía musical en el Fernán Gómez. Basando todo su repertorio en los últimos discos editados en el sello ECM, Into The Silence y Cross My Palm With Silver, demostró el porqué del prestigio que ha ido adquiriendo este músico israelí afincado en Nueva York. Así, la revista Jazz Magazine France le nombró en 2016 como mejor artista extranjero, y su disco Into the Silence fue premiado por la Academia del Jazz francesa como mejor del año. Enrico Rava lo considera el mejor trompetista joven del momento.
  

Definido como un músico de jazz multicultural, que no renuncia a utilizar los recursos eléctricos para canalizar su expresividad, se presentó en Madrid con un cuarteto acústico con el que ha grabado el último de los dos discos mencionados, con la sustitución de Nasheet Waits por Ziv Ravitz, que estuvo colosal.

Avishai es un nombre común entre los israelíes. Significa regalo de Dios. Y la verdad es que fue un auténtico regalo musical el que nos hizo este cuarteto. El concierto comenzó con dos piezas incluidas en su último trabajo “Will I die, Miss? Will I die? y “Shoot me in the Leg”. El primero con un dúo de piano y trompeta soberbio y un emocionante desarrollo, donde la finura de Avishai Cohen está perfectamente arropada por un trío muy bien engrasado. Yonathan Avishai al piano improvisa un comienzo a solo en el segundo tema para dar entrada al resto de la banda. Hay intercambios de dúos y tríos, resaltando otro dúo de Avishai Cohen y Ziv Ravitz y del trompetista con el contrabajista. Cohen emprende una serie de improvisaciones que ponen los pelos de punta.
   

El tema “Life and death” es una preciosa balada donde, por momentos, es obligado acordarse de Miles, como así sucedió en “Dream like a child”, también incluida en“In to the Silence”, con comienzo muy lírico del trompetista y una clara demostración de belleza por la sección rítmica. En “Theme for Jimmy Green”, pieza del último trabajo, el pianista comienza y le sigue el trompetista en una hermosa balada.
  

Las dos siguientes piezas fueron “Quiescence” con un texto recitado por Cohen, junto con “Into the Silence”, en el que Ziv Ravitz acomete un solo de batería intenso y largo que sirve para que el resto de la banda se exprese en uno de los momentos más creativos del concierto, con el colofón de un nuevo dúo de Avishai Cohen y Barak Mori al contrabajo. En el bis de rigor, el contrabajista se explayó en una introducción de alto voltaje que dejó en bandeja la entrada y el desarrollo del resto del cuarteto y que dio alas tanto a Yonathan Avishai como al propio Cohen para culminar su soberbia actuación.

El concierto fue una auténtica delicia, con una brillante interacción de los músicos, composiciones emocionantes y una alta energía en las improvisaciones. En conjunto, un espectáculo bello de jazz contemporáneo.

Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018


Sumrrá (JazzMadrid18. 2018-11-09) [Concierto]


JazzMadrid18
Fecha: 9 de noviembre de 2018.
Lugar: Centro Cultural Carril del Conde. Madrid.
Grupo:
Sumrrá
Manuel Gutiérrez: piano
Xacobe Martínez Antelo: contrabajo
LAR Legido: batería y percusiones
  


En los 18 años que llevan juntos Manuel Gutiérrez, Xacobe Martínez Antelo y LAR Legido, el trío gallego Sumrrá ha sabido ganarse el respeto de los aficionados a base de crear un estilo propio, coherente y pleno de creatividad. Desgraciadamente, tal y  como ocurre con otros grupos españoles, sus actuaciones fuera de  Galicia son puntuales. Por eso las visitas a Madrid crean siempre una expectación muy positiva. En esta ocasión, inmersa en el Festival de Jazz de Madrid, gracias a los aficionados del club de jazz de Portugalete en Hortaleza y a Ciudadistrito, pudimos disfrutar de un buen concierto de Sumrrá. La verdad es que se hace difícil resaltar algún pero a la actuación de este trío, que seguro que la habrá. Su manera de entender la música, donde se pueden apreciar también elementos del jazz modal, del rock o del blues siempre de una manera tangencial, gusta, y lo que es más importante provoca que el público se sienta satisfecho de lo que ha escuchado. Así lo agradecieron las personas que acudieron al auditorio de este Centro Cultural de Madrid que, además cuenta con una acústica muy apreciable. La pena fue que no pudieran entrar todas las personas que quisieron, ya que se agotó pronto el aforo del recinto.
  




Cerca de veinte años juntos dan para mucho, como proyectos, colaboraciones y sobre todo seis discos, que son un buen reflejo de la trayectoria profesional de estos músicos de Santiago.

En el concierto que nos ocupa Sumrrá se presentó sin  haber perdido ni un ápice de la frescura, la fuerza, la musicalidad y la apuesta por el riesgo que siempre le han caracterizado. Quien suscribe los vio por última vez hará unos 10 años en el mítico Johnny y en aquella actuación sorprendieron muy gratamente.

En esta ocasión aprovecharon la actuación para presentar el sexto disco de su carrera titulado 6 Mulleres, dedicado a otras tantas mujeres  que constituyen todo un ejemplo en la defensa de la dignidad femenina. Comportamientos que luchan o han luchado por mejorar la situación de la mujer en diversas partes del mundo. Cinco de los temas compuestos por Xacobe Martínez y uno a cargo del pianista Manuel Gutiérrez.
  


Fueron por tanto seis nombres de mujeres  las que centraron la actuación de Sumrrá, comenzando por “Frida Kahlo”. Pieza llena de colorido y de intensidad que empieza con el contrabajista marcando la dirección del tema. El segundo fue dedicado a la paquistaní “Malala Yousafzai”; el tercero a la estadounidense “Rosa Parks”, una pieza que irradia cierto lirismo, engarzada con un blues; el cuarto para la china “Qiu Jin”, con mucha sonoridad y colorismo; el quinto dedicado a la egipcia “Nawal Él-Saadawi”, con Manuel Gutiérrez llevando el ritmo, y la sexta y última a la escritora gallega “Rosalía de Castro”, en una emotiva interpretación a piano. El batería crea diferentes efectos con sus artilugios y juguetes para ir improvisando. Como en todos los temas el contrabajo de Xacobe Martínez proporciona al trío la brújula necesaria para que cada uno de los músicos se exprese con la libertad que requiere un grupo de las características de Sumrrá. Un bis con “Minoría Absoluta” de su segundo trabajo puso el punto final a esta nueva entrega de Sumrrá en Madrid. Esperemos que no vuelvan a pasar tantos años hasta su próxima visita.

Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018

domingo, 11 de noviembre de 2018

Jim Black – Elias Stemeseder “Bunky Swirl” (JazzMadrid18. 2018-11-07) [Concierto]


Fecha: 7 de noviembre de 2018.
Lugar: CentroCentro. Auditorio Caja de Música. Madrid
Grupo:
Jim Black & Elias Stemeseder “Bunky Swirl”
Elias Stemeseder: piano y sintetizadores
Jim Black: batería y percusión
  


Con una dilatada carrera a sus espaldas, Jim Black se ha ganado un nombre dentro del jazz de vanguardia norteamericano. Siempre dispuesto a experimentar y aportar nuevas ideas, sus compañeros de viaje son nada menos que Tim Berne, Dave Douglas, Uri Caine, Ellery Eskelin, Kris Davis o Hank Roberts. Así, se ha convertido en uno de los pilares del jazz progresivo y un batería muy demandado, con varios proyectos en marcha. Junto al aclamado joven pianista austriaco Elías Stemeseder y el bajista de Nueva York, Thomas Morgan, mantiene un excelente trío, que constituye una eficiente prueba de un jazz distinguido por sus arreglos, ritmos complejos y expresividad improvisada.
  


Al margen de cualquier catalogación, lo que sobresale en la actuación de Jim Black y Elias Stemeseder es la libertad plena con la que ambos músicos se expresan. Una libertad creativa con la que dibujan constantes paisajes sonoros. Los dos músicos proponen sus discursos y a veces se producen intersecciones que actúan como resortes, que nos ponen en estado de alerta o bien nos tranquilizan. Hay mucho de juego psicológico en una música que parece transitar hacia ninguna parte, pero en la que al final todo van adquiriendo un sentido.
  


Stemeseder muestra diferentes cadencias al piano y ofrece diferentes efectos con el sintetizador, mientras Black se convierte en una fuente de ritmos en distinta intensidad. Entre tantos sonidos asimétricos, también aparecen melodías apacibles que nos vuelven a bajar a la realidad después del trance. El caos también puede ser bello. Entre la música electrónica de Karlheinz Stockhausen y la atonidad de Arnold Schönberg, se abrieron campos infinitos de posibilidades sonoras que, asociados a la libertad creativa de la batería y la percusión, nos llevan actualmente por los nuevos derroteros de la improvisación libre. Y el dúo Jim Black y Elias Stemeseder saben aprovechar al máximo su gran sabiduría musical.

Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018

miércoles, 7 de noviembre de 2018

Gonzalo del Val con Dave Liebman & Ronan Guilfoyle: Standards in Dublin (Quadrant records 2018) [Grabación]


Parece que “la ocasión la pintaban calva” y no era cuestión de denostarla. El batería de Miranda de Ebro Gonzalo del Val aprovechó la oportunidad que se le brindó para tocar codo con codo con una leyenda viva del jazz como es Dave Liebman y aderezarlo con la compañía del bajista irlandés Ronan Guilfoyle.

Standards in Dublin componen un programa integrado por 12 estándar no excesivamente conocidos y tratados con singularidad, en el que tres breves solos de batería (“JJ’x”, “Redhead” y “Chocolates”) sirven de basamento para darle cierto aire de obra conceptual.

Piezas como “Gingerbread Boy” abren el menú con cierto aire cool, sonido seco y gruñón del saxo tenor de Dave Liebman, pulsación entera y contundente de Ronan Guilfoyle y precisión de Gonzalo del Val a los platos para continuar con “Remember”, una pieza de características similares en clave de balada con fuerte presencia de Ronan Guilfoyle y la brillante intervención de Dave Liebman al saxo soprano que se completa con el intercambio de las escobillas y las baquetas duras de Gonzalo del Val.

A “The Song is you” le precede el solo de batería “JJ ‘s” a modo introductorio. Sonido interactivo entre Dave Liebman y Gonzalo del Val al que se suma el bajista irlandés para formar un triángulo equilátero que se rompe para una corta y solitaria intervención de batería de Gonzalo del Val.

Con fuerza comienza “Mushi Mushi” donde cobra protagonismo el contrabajo de Ronan Guilfoyle que se multiplica para dar paso al tenor y a la batería que dialogan entre sí hasta desarrollar un sonido conjunto y sucio que desemboca en un solo de Gonzalo del Val y termina con el trío desapareciendo…

Discursivo y latino, “Palabras” muestra el lado de mayor feeling saboreando las mieles del protagonismo del saxo soprano de Dave Liebman al que Ronan Guilfoyle responde sin pudor y Gonzalo del Val es observador activo.

Tras la brevedad introductoria de la batería de Gonzalo del Val en “Redhead” recoge el testigo la swingueante “That Old Feeling”. “Summer Night” es dinámica, alegre y discursiva en la persona de Dave Liebman que retuerce el sonido de su saxo soprano con infinitas notas.

Todas las piezas del programa son breves, mientras que “Pannonica” es la más extensa y Dave Liebman luce al inicio con su solo de tenor que llega a recordar a Ben Webster por su ternura aterciopelada, esencia de bep-bop, balada a tres con Ronan Guilfoyle muy presente y Gonzalo del Val completando espacios sin dejar resquicio.

En “Chocolates” se frotan los parches y se pone el marcha un imaginario tren llamado “Theme for Ernie” que languidece intimista y reflexivo emparentándose con “Pannonica”.

© Enrique Farelo, 2018

Gonzalo del Val con Dave Liebman & Ronan Guilfoyle: Standards in Dublin

Músicos: Dave Liebman (saxos tenor y soprano), Ronan Guilfoyle (contrabajo) y Gonzalo del Val (batería)

Composiciones: “Gingerbread Boy” (Jimmy Heath), 2 “Remember” (Steve Swallow), 3 “JJ ‘s” (Drum Solo – G.del Val), 4 “The Song is you” (J. Kern – O. Hammerstein II), 5 “Mushi Mushi” (Dewey Redman), 6 “Palabras” (Marta Valdés), 7 “Redhead” (Drum Solo – G. Del Val), 8 “That Old Feeling” (L.Brown – S.Fain), 9 “Summer Night” (H.Warren – A.Dubin), 10 “Pannonica” (T.Monk), 11 “Chocolates” (Drum Solo – G.del Val), 12 “Theme for Ernie” (F.Lacey).

Grabado el 30 septiembre de 2017 en Buckley’s House of Horns estudios de Dublín (Irlanda). Publicado en 2018 por Quadrant Records

domingo, 4 de noviembre de 2018

Maria Schneider Jazz Orchestra (Festival Jazzmadrid 15, Conde Duque, Madrid. 2015-11-15) CONCIERTO


Fecha: Domingo 15 de Noviembre de 2015.
Lugar: Auditorio del Centro Cultural Conde Duque (Madrid).
Grupo:
Maria Schneider Jazz Orchestra
Maria Schneider, directora
Steve Wilson, Dave Pietro, Rich Perry, Scott Robinson, vientos
Greg Gisbert, Augie Haas, Frank Greene, Mike Rodriguez, trompetas
Keith O’Quinn, Ryan Keberle, Marshall Gilkes, George Flynn, trombones
Ron Oswanski, acordeón
Lage Lund, guitarra
Frank Kimbrough, piano
Jay Anderson, bajo
Johnathan Blake, batería.


Maria Schneider es un personaje suficientemente conocido en el mundo del jazz, prueba de ello es el lleno con que fue acogida. Colaboradora de Gil Evans y Bob Brookmeyer o Sting en bandas sonoras como El Color Del Dinero y Absolute Beginners. “The Maria Schneider Jazz Orchestra” fue fundada en el año 1993, siendo su disco del año 2004, Concert in the Garden, el que obtuvo el Grammy Award como mejor disco del año para grupo de gran formato y dándose la circunstancia de ser el primer disco publicado exclusivamente vía Internet.

Con este bagaje no es de extrañar el interés suscitado entre el público madrileño. Su reciente trabajo publicado, The Thompson Fields (2015) primero en siete años después de Sky Blue, es un motivo más que sumar a su presencia en el Festival Jazzmadrid 2015.


En cuanto al concierto en sí, fueron desfilando la casi totalidad de composiciones que forman parte de este último trabajo, (“Nimbus”, “The Monarch and The Milkweed”, “The Thompson Fields”, “Home” y “Walking By Flashlight” ) además de la inclusión de “Last Season” y “Gumba Blue” (Evanescence, 1992) y “Hang Gliding” (Allegresse 2000)

La Maria Schneider Jazz Orchestra es un frondoso bosque poblado de grandes árboles que son los instrumentistas que lo componen y es a su vez una máquina donde cada músico es una pieza imprescindible aun cuando no brillan como solistas y se mantienen en un segundo plano.

Música llena de lirismo, romanticismo y solemnidad heráldica tan descriptiva a veces que parece la banda sonora de una película imaginaria.


Muy apreciables estas características en el tema que da título a su último trabajo, “The Thompson Fields”, donde a la apacible guitarra de Lage Lund le acompaña el piano de Frank Kimbrough, el acordeón de Ron Oswanski y la batería de baquetas blandas de Johnathan Blake, ofreciendo ricos matices coloristas y aires bucólicos con la incorporación del resto de la orquesta. Evocaciones otoñales como hojas volubles que caen y cubren el suelo formando una alfombra de diferentes tonalidades y donde la María Schneider Jazz Orchestra se transmuta en una sinfonía de imaginarios violines.

En “Hang Gliding” el precioso y aterciopelado solo de fliscorno de Greg Gisbert, con el acompañamiento del pianista Frank Kimbrough, al que la orquesta dio abrigo y textura, sirvió para que el saxo tenor de Dave Pietro, con un arrebato propio de una locomotora a vapor de potencia superlativa y velocidad de vértigo, nos llevará a tocar el cielo con los dedos.


 Enormes ambos en los solos, Steve Wilson al saxo tenor en “Nimbus” y Mike Rodriguez en “Gumba Blue” a rompedora trompeta abierta.

“Walking By Flashlight”, a modo de bis, fue un regalo de ternura impresionista y descriptiva, profunda e ingenua que salía sin pausa de la boca del saxo barítono de Scott Robinson para deleite y disfrute de quienes degustaron el último capítulo de este libro que es la música de Maria Schneider.

Más que un deseo, una realidad, a buen seguro que este no será su “Ultimo jazz en Madrid” de Maria Schneider.

Texto y Fotografías: © Enrique Farelo, 2015

Rita Marcotulli European Leaders (Festival Internacional de Jazz de Madrid, Centro Cultural Conde Duque, Madrid. 2015-11-23) CONCIERTO


Festival Internacional de Jazz de Madrid

Fecha: lunes 23 de Noviembre de 2015.
Lugar: Auditorio del Centro Cultural Conde Duque (Madrid).
Grupo: Rita Marcotulli European Leaders Tour 2015
Rita Marcotulli: piano y teclados, líder
Klaus Hovmann: contrabajo
Marilyn Mazur: batería, percusiones y voz
Andy Sheppard: saxos tenor y soprano
Nguyen Le: guitarra eléctrica.

                                           Rita Marcotulli-European Leaders

La pianista italiana Rita Marcotulli tiene un vasto bagaje artístico que viene refrendado por el hecho de haber trabajado al lado de artistas como Peter Erskine, Chet Baker, Steve Grossman, Joe Henderson, Enrico Rava, Aldo Romano, Joe Lovano, Charlie Mariano, Tony Oxley, Michel Portal, Richard Galliano o Kenny Wheeler entre otros, lo que le da unas posibilidades enormes a la hora de componer e interpretar su música.

Artista ecléctica forma European Leaders con el objetivo de dar rienda suelta a sus conocimientos y para ello se rodea de músicos de diversa procedencia y estilo.

                                                 Rita Marcotulli

Así, Klaus Hovmann, es un contrabajista danés de reconocido prestigio; Nguyen Le es un guitarrista franco-vietnamita que se aproxima al jazz-rock de los setenta introduciendo sonidos del lejano oriente; Andy Sheppard es un saxofonista británico de reconocida solvencia y habitual en ECM Records, al igual que la percusionista norteamericana Marilyn Mazur que fue colaboradora de Miles Davis o Jan Garbarek.

De esta guisa se presentaron en el festival de jazz de Madrid 2015, con la sana intención de bordear la world music y la fusión en general, valiéndose de la personalísima guitarra de Nguyen Le que la transforma en no sabría definir qué instrumento étnico asiático, o la propia Rita Marcotulli con los teclados o el piano preparado transformándolo en un sitar. La voz y las percusiones de Marilyn Mazur rememoran a los Weather Report y, Klaus Hovmann y sobre todo Andy Sheppard al sonido cool y europeo del sello de Manfred Eicher.

                                                Marilyn Mazur

No en vano composiciones como “Simple” (Marilyn Mazur) me pone sobre la pista de la música hindú practicada por Charlie Mariano en su obra Bangalore de 1998 y en su maravilloso trabajo al lado del grupo alemán Embryo, We Keep On de 1972.

                                                 Andy Sheppard

En “Le Mains D’alice” de Andy Sheppard, la atmosférica, espacial, asiática y lisérgica guitarra de Nguyen Le nos invita a la meditación y el viaje astral con el acompañamiento de la voz clara y cristalina del saxo soprano de Andy Sheppard que llega a recordar al grupo Gong y su disco Shamal (1975).

                                                           Nguyen Le

Enérgicos y magníficos otra vez Andy Sheppard y Nguyen Le en su interactuación con el acompañamiento de las percusiones flotantes de Marilyn Mazur en “Bee” (Nguyen Le) con lo que aparentemente finalizó el concierto y la retirada del grupo a bastidores.

                          Marilyn Mazur-Andy Sheppard-Klaus Hovmann

Pero la insistencia del público obligó a los protagonistas a tocar una nueva pieza: “Hen Ho” de Nguyen Le, en la cual, el sonido avant-garde, las disonancias y concordancias del piano de Rita Marcotulli, el bajo de Klaus Hovmann, la batería de Marilyn Mazur con la guitarra de Nguyen Le y el saxo soprano de Andy Sheppard obligó a los asistentes a ponerse en pié para aplaudir y ovacionar a los European Leaders en su despedida.
  
Texto y Fotografías: © Enrique Farelo, 2015