lunes, 28 de mayo de 2018

Lorenzo Azcona (Galileo Galilei, Madrid. 2018-05-21) [Concierto]


Fecha: 21 de mayo de 2018
Lugar: Sala Galileo Galilei (Madrid).
Grupo:
Lorenzo Azcona
Lorenzo Azcona (saxo tenor, saxo soprano, y clarinete bajo); Rubén Rebolleda (teclados); Jonatan Temprano (batería); Peter Oteo (bajo eléctrico); Sebastián Rubio (percusión); Antonio Toledo (guitarra acústica)


A pesar de que era lunes y el tiempo era desapacible en Madrid, la Sala Galileo Galilei tuvo una aceptable entrada para disfrutar del concierto del saxofonista Lorenzo Azcona, que presentaba su tercer disco en solitario Soplo de Vida.


  Desde una perspectiva actual, la música de Lorenzo Azcona bebe de fuentes como el funk, el soul, el jazz, el smooth jazz y la música caribeña, pasada por su particular crisol, en el que tiene un gran papel el grupo que le acompaña, muy compacto y compenetrado.

Fue un concierto con ciertos aires de retorno al pasado, a los 70 y 80, en los que brillaban grupos como Spyro Gyra, Weather Report y Brecker Brothers, entre otros.

  
En total 11 piezas, entre ellas todas las de Soplo de Vida, en las que Azcona hizo un buen repaso de géneros, siempre bajo la batuta del saxofonista y compositor de los temas, bien al soprano o al tenor, ejerciendo de guía al resto de sus acompañantes.

  
Mucho funky con grandes fraseos de Lorenzo Azcona, ritmos potentes y buenas aportaciones de Rubén Rebolleda a los teclados y Peter Oteo en el bajo eléctrico. Bien resaltado todo con la batería de Jonatan Temprano y las percusiones de Sebastián Rubio.

  
Así, se fueron sucediendo temas como “El Influjo del 31”, el trío de Lorenzo Azcona al saxo tenor, Peter Oteo en el bajo eléctrico y Rubén Rebolleda a los teclados sellan un buen tema acentuado por un recitativo.


Una de las piezas más destacadas, “D’Abuty”, presenta una melodía pausada a ritmo de calypso, pieza que contrasta con una versión del famoso tema de Sting “Englishman in New York”, que suena muy agradable. Otro de los temas incluidos en el nuevo álbum, es “Tiempo Sanador”, donde Azcona recurre al clarinete bajo y la guitarra de Antonio Toledo, en una pieza llena de colorido y alegría .Al igual que “Recreo” que vuelve a desarrollarse en ritmo funky, con el buen acompañamiento de Antonio Toledo.

  
Tras un tema homenaje al gran Michael Brecker, seguro que uno los saxofonistas favoritos de Lorenzo Azcona, el concierto tuvo su broche final con “En el lago”, una emblemática pieza del legendario grupo Triana, interpretada al soprano y con el que Azcona demostró su categoría de improvisador.

En estos tiempos que corren, de absoluto sometimiento a la dictadura de los grandes emporios mediáticos de la música, es un soplo de aire fresco que haya músicos como Lorenzo Azcona, capaces de ser fieles a algo tan importante como hacer buena música sin complejos.
Texto: Carlos Lara, 2018
Fotogafías: Enrique Farelo, 2018

viernes, 18 de mayo de 2018

JUAN CAMACHO QUINTET-Ternario – La poética de la resistencia (2005) [CD]



La verdad es que editar una obra de jazz en España es toda una proeza, pero si además de esto, te encuentras con que la master se pierde por no se sabe bien qué; tenemos el vivo ejemplo de alguien que no quiere ser ni héroe ni mártir de la música, pero que se encuentra con una situación altamente dolorosa que casi le obliga a ello.


Juan Camacho, es el músico y, – Ternario, La poética de la resistencia – su obra. No cabe la menor duda que lo de la poética y sobre todo la resistencia le van al pelo de lo que digo.

Un romántico, ¡si señor! Auténtico como pocos, y como el mismo confiesa su parto más doloroso, también su disco más maduro y completo. Ternario-por su tercer trabajo, y por el dominio del tres por cuatro mayoritario de los temas.

Y entre estos destaca “Lucy, Australopithecus Afarensis”, dedicado al homínido descubierto por los antropólogos Leakey, y cuyo nombre fue en honor a la canción de los Beatles. Intensidad, dramatismo y jazz-rock dominan el tema con excelentes solos de guitarra y piano sobre todos los demás, sin olvidar los teclados y, el tenor en los adornos y acompañamientos.

“La memoria de la hojas de la calle 80”, es un tema duplicado para enriquecer la obra, la versión acústica cierra el disco con serena belleza a solo de guitarra española; y el tercer corte del mismo título con todos los integrantes, comienza con una introducción de Teo Gómez delicioso al oído, que da paso a la guitarra de Camacho y, el bajo eléctrico de J. Vicente con líneas melódicas del saxo de J.R. Callejas llenas de gusto y elegancia.

Si, Juan es músico y líder, pero no por ello oscurece a sus músicos, muy al contrario gusta de su participación en el proyecto.

Cómo ser humano, que lo es, hace y deja hacer, es comprometido con todo lo social, de ahí, nace “El himno de la resistencia”, estupendo tema melódico-armónico en el que destacan los diálogos de guitarra y saxo.

“Luchadores de Yenin”, de sentimiento profundo y melancólico en el comienzo, y swing más adelante, brillando con luz propia Teo Gómez en el piano, para regresar al final, al principio, pero con el apoyo del arco de J.V.Muñoz en el contrabajo.

No puedo pasar por alto, “Toño se va en un barco”, tema que supone un homenaje al fallecido pintor Juan Antonio Roda-autor de la portada-y, con el cual convivió Camacho gran parte de su vida.

No mucho más por mi parte, pero no quiero dejar pasar por alto el grado de compromiso demostrado por todos los integrantes de este quinteto, por su convicción en lo que hacen y, en definitiva por el amor que demuestran en cada composición, y es más, en cada nota.

Es el triunfo del placer de lo auténtico por encima del dolor y el sacrificio.
© Enrique Farelo, 2005

Músicos: Teo Gómez (piano), José Vicente Muñoz (contrabajo y bajo eléctrico), Juan Ramón Callejas (saxo tenor), Renato Di Prinzio (batería) y Juan Camacho (guitarras eléctrica y española)

Composiciones: "Las razones de los artesanos" (6:10), "Toño se va en un barco" (7:57), "La memoria de las hojas de la calle 80" (7:00), "El himno de la resistencia" (4:50), "Luchadores de Yenín" (7:48), "La guaracha de los artesanos" (5:28), "Lucy, Australophitecus Afarensis" (8:26) y "La memoria de las hojas de la calle 80" (versión guit. española) (4:16)

Todas las composiciones de Juan Camacho.
Satchmo Jazz records 2005





martes, 1 de mayo de 2018

Ingrid Laubrock´s Anti-House 4 (Festival Internacional de Jazz de Madrid, Bogui Jazz, Madrid. 2016-11-10) [Concierto]


Jazz con sabor a club. Festival de Jazz de Madrid 2016

Fecha: Jueves, 10 de noviembre de 2016
Lugar: Bogui Jazz (Madrid).
Grupo:
Ingrid Laubrock´s Anti-House 4
Ingrid Laubrock: saxo tenor y saxo soprano
Kris Davis: piano
Mary Halvorson: guitarra
Tom Rainey: batería.

                              Ingrid-Laubrock-Anti-house-4

El grupo Anti-House de la saxofonista Ingrid Laubrock es el más representativo del vanguardismo jazzístico de Nueva York. Un proyecto creado hace unos cuantos años y en constante ebullición creativa, que avanza como un torbellino y cuya música va directa al cerebro más que al corazón. El último trabajo del grupo, Roulette Of the Cradle, supone todo un manifiesto de por dónde transitan las propuestas más modernas y exploratorias del jazz a estas alturas del siglo XXI.

                                                Ingrid Laubrock

Originalmente incorporando también al contrabajista John Hebert, las tres componentes del grupo, Laubrock, Davis, Halvorson, más el batería Tom Rainey constituyen una mezcla explosiva de creatividades interpretando las composiciones de Laubrock.

                                            Mary Halvorson

Un concierto lleno de matices que se van superponiendo como en un caleidoscopio. Su desarrollo y evolución pasa por las diferentes atonalidades e irregularidades dirigidas por Ingrid Laubrock al saxo soprano o al tenor, con fraseos improvisados a través de muchas texturas que nos introducen en abismos de notas complejas.

                                                    kris-Davis

Kris Davis al piano remarca los espacios con su habitual estilo percusivo y Mary Halvorson incorpora y realiza efectos con el pedal. El soprano está siempre muy fino y la guitarra se encarga de los matices y los detalles.

Mary Halvorson es una guitarrista atípica empeñada en extraer los sonidos más originales, provocando para ello distorsiones y resonancias con la ayuda de samplers. El batería, Tom Rainey, es de los que empujan con mucha claridad y en todo momento sostiene y equilibra al cuarteto.

                                                     Tom-Rainey

Los tremendos solos de Laubrock y los de la pianista crean también atmósferas sonoras muy sugerentes. Da la sensación de que el cuarteto se dedica a realizar propuestas de sonidos y bocetos acústicos, que van componiendo un collage integral. Es un tipo de jazz que se apoya mucho en los sonidos improvisados, pero efectivos y acordes con una lógica musical impactante Ingrid Laubrock es una saxofonista asombrosa que, además de hacer un emocionante jazz de vanguardia, lo transmite con intensidad e inteligencia. Sin duda alguna, este Anti-House es de lo mejores proyectos de free-jazz que han pasado últimamente por Madrid.

Texto: © Carlos Lara, 2016
Fotografías: © Enrique Farelo, 2016

Markus Stockhausen & Florian Weber “Inside Out” (Festival Internacional de Jazz de Madrid, Auditorio Conde Duque, Madrid. 2016-11-9) [Concierto]


Festival Internacional de Jazz de Madrid

Fecha: Miércoles, 9 de noviembre de 2016
Lugar: Auditorio del Centro Cultural Conde Duque (Madrid).
Formación:
Markus Stockhausen & Florian Weber “Inside Out”
Markus Stockhausen: trompeta y fliscorno.
Florian Weber: piano.

                              Florian-Weber-Markus-Stockhausen

Markus Stockhausen y Florian Weber llevan seis años colaborando en diferentes proyectos y en este año han editado por primera vez a dúo un disco titulado Alba en el sello alemán ECM. Sus primeros trabajos juntos iban por la electrónica, en un ámbito que se denominó “sonidos abiertos”. Sin duda alguna la música que proponen el trompetista y el pianista, ambos germanos, le va como anillo al dedo a las características que históricamente profesa la marca de Manfred Eicher: espacios sonoros ocupados por el jazz, la música clásica, la ambientación y el minimalismo.

                                       Markus-Stockhausen
  
En su concierto, no excluyeron ninguno de estos aspectos, ciñéndose a un repertorio que combina la improvisación y las composiciones de ambos: por momentos nos encontrábamos en uno de estos ámbitos, como nos trasladaban al otro. De manera magistral fueron desgranaron media docena de piezas contenidas en su último trabajo, la mayoría de las cuales requieren una atención cuasi religiosa. El lirismo que transmite la trompeta con sordina o el fiscorno, con su inmediata réplica al piano, es admirable. El dúo juega constantemente con los silencios y las cadencias lentas, para adentrarse a continuación por laberintos intensos. Si Weber cuenta con un marcado carácter más proclive a la improvisación, los metales de Stockhausen alcanzan altas cotas melódicas, pasando de un registro mediotonal a otros de mayor altura. El toque de Weber y las posibilidades de modular el piano son increíbles. El arco dramático y la paleta de colores que manejan nos ofrecieron joyas melódicas de una sensibilidad suprema como “Befreiung”, optimistas como “Better World” o reflexivas como “Emilio”, que Weber dedica a su hijo.

                                                                Florian-Weber

                                                Markus-Stockhausen

Un dúo de dos grandes músicos germanos, un pianista y un trompetista, siempre son garantía suficiente de gran calidad y disfrute. Es evidente que practican diferentes lenguajes, pero ambos conectan en el proceso creativo y convergen en una música realmente bella con mayúsculas. 

                                                        Florian-Weber

Texto: © Carlos Lara, 2016
Fotografías: © Enrique Farelo, 2016

Rudresh Mahanthappa´s Bird Calls (Festival Internacional de Jazz de Madrid, Auditorio Conde Duque, Madrid. 2016-11-17) [Concierto]


Festival Internacional de Jazz de Madrid

Fecha: Jueves, 17 de noviembre de 2016
Lugar: Auditorio del Centro Cultural Conde Duque (Madrid).
Formación:
Rudresh Mahanthappa´s Bird Calls
Rudresh Mahanthappa: saxo alto.
Adam O’Farrill: trompeta.
Joshua White: piano.
Francois Moutin: contrabajo.
Rudy Royston: batería.

 
                                    Rudresh Mahanthappa´s Bird Calls

El aclamado saxofonista Rudresh Mahanthappa pasó por el Festival de Jazz de Madrid y su actuación no fue de las que dejan indiferente al personal. Al mando de un quinteto formado por muy buenos y contrastados músicos, pese a su juventud, presentó los temas que componen su último disco –Bird Calls– , una colección de piezas inspiradas en composiciones del músico de Kansas City, que la revista Downbeat consideró como mejor disco del año 2015.

                                         Rudresh Mahanthappa

Que la sombra de Charlie Parker sigue siendo muy alargada se demuestra en conciertos como el protagonizado por este quinteto, en el que las enérgicas aportaciones del saxo y la trompeta se convierten en su seña de identidad, tal y como ya sucediera en las bandas de Parker y Gillespie.

                                                    Joshua-White

En su puesta al día del característico estilo parkeriano, el músico de origen hindú puso en marcha un bop avanzado, lleno de fraseos muy atinados, con una espléndido respaldo de la sección rítmica, en especial el contrabajista Francois Moutin, un todo terreno que es capaz de echar el resto en su empeño por elevar la intensidad del grupo.

                                                     Adam-Ofarrill

En línea con el repertorio que conforma el disco, se sucedieron las piezas “Bird Calls #1”, “Bird Calls #2”, “Bird Calls #3” y “Bird Calls #5”, que funcionan a modo de interludios que dan paso a los diferentes temas, con los que, en formación más reducida, saxo, trompeta y batería, el quinteto se mostró sumamente compacto y arrollador en la mayoría de los temas. Mahanthappa sigue el esquema de Charlie Parker en “On the DL” cogido de “Donna Lee,” piezas como “Dexterity” se convierten en “Both Hands” y las líneas melódicas de “Now’s the Time” se incorporan a “Maybe Later”.

                                       Francois-Moutin

                                                           Rudy-Royston

Rudresh Mahanthappa se mostró sobresaliente en cada uno de los registros que acometió y en los famosos riff de Parker aportó su punto de originalidad. En sus fraseos que emulan al maestro no pudo tampoco evitar remitirse a las esencias de su país de origen. Este gentleman del saxofón acompaña técnica y sensibilidad casi sin inmutarse. Por su parte, el trompetista de 20 años Adam O’Farrill, hijo de Arturo O’Farrill, domina la técnica del bop a las mil maravillas; el pianista Joshua White, aunque realizó un único solo, mostró su gran sabiduría en acompañamiento rítmico en todo el recital; y el veterano contrabajista francés François Moutin, fue arrollador en el solo que realizó para el tema “Talin is Thinking” y el baterista Rudy Royston, brillante en la pieza “Sure, Why Not?”, constituyeron un perfecto acompañamiento para este gran saxofonista a quien ya hemos tenido la ocasión de disfrutar con otros proyectos, especialmente con el pianista Vijay Iyer. Tal como un rey Midas, todo lo que toca Rudresh Mahanthappa lo convierte en oro y como muestra valga el botón de su brillante trayectoria y su impecable discografía.

Texto: © Carlos Lara, 2016
Fotografías: © Enrique Farelo, 2016

Giulia Valle Trío (Festival Internacional de Jazz de Madrid, Auditorio Conde Duque, Madrid. 2016-11-26) [Concierto]


Festival Internacional de Jazz de Madrid

Fecha: sábado, 26 de noviembre de 2016
Lugar: Auditorio del Centro Cultural Conde Duque (Madrid).
Formación:
Giulia Valle Trío
Marco Mezquida: piano
Giulia Valle: contrabajo
David Xirgu: batería.

                                                    Giulia Valle Trio

Giulia Valle es una contrabajista con un bagaje, tanto a nivel instrumental como compositivo, muy importante. Al frente de sus grupos -en quinteto u octeto-, sus actuaciones y sus discos nos muestran una persona con las ideas muy claras, con inquietudes, dispuesta a explorar y siempre con renovadas propuestas. Y siendo fiel a esta trayectoria, Giulia Valle ha formado un trío muy interesante y digno de tener en cuenta. De entrada, se ha rodeado de dos de los mejores rítmicos del país, Marco Mezquida y David Xirgu. Juntos se han estrenado con una grabación realizada en directo en San Francisco, después de haberse rodado nada menos que en el Blue Note de Nueva York y en importantes clubes canadienses. Casi nada para estos músicos que han visto así reconocida su calidad en dos países donde el jazz forma parte de sus señas de identidad.

                                          Giulia Valle

El trabajo que realiza esta “cataliana” (como ella misma se define, ya que nació en Italia y llegó con cinco años a Barcelona), es encomiable. Su modo de entender el jazz como catalizador para que fluyan los sentimientos y las emociones lo pudimos percibir de primera mano en el Auditorio del Centro Cultural Conde Duque. En contraste con los grupos más numerosos, el acústico del Giulia Valle Trío posibilita una mejor intercomunicación entre los músicos y los libera en cierta forma para gozar de una mayor libertad creativa, presente a lo largo del concierto.

                                               Marco-Mezquida

El recital pivotó en su totalidad sobre los ocho temas que componen Live in San Francisco. Abriendo con “Opening”, una pieza de corte melódico en la que el contrabajo marca mucho la ruta a seguir, mientras, por su lado, el piano y la batería también van intensificando sus sonidos. Marco Mezquida apuesta por esa rapidez en los fraseos que le caracteriza. El tema va adquiriendo cada vez más fuerza y se introduce por unos cauces sumamente modernos. David Xirgu, en la batería, sabe estar a la altura, no se muestra nada estridente y no abusa de la contundencia. En la siguiente, “Reguetown”, entramos en ritmos más emocionantes con el contrabajo marcando diversos riffs, que acompañan a la perfección los otros dos componentes. Se mezclan los sonidos de ciertos aires caribeños, para lo cual el pianista y el batería aguantan hasta el final el endiablado ritmo que les marca el contrabajo. “Llueve” se inicia muy suave, más lírica e introspectiva, y destaca por un solo improvisado de contrabajo brillante.

                                          David-Xirgu

En “Break a Loop 2.0” se produce un giro mucho más rítmico al concierto. Para “Capitan Courage” (dedicada al hijo de unos amigos de Giulia) el ritmo pausado del trío, enlaza de pronto con un marcado cambio de intensidad en un break del contrabajo hacia trayectos más asonantes y con improvisaciones más complejas. Marco Mezquida demuestra aquí que es un pianista que atesora mucha clase, con un estilo definido que, unido, a la experiencia de David Xirgu, configuran una rítmica muy potente.

Ya en la recta final del concierto, el trío acomete “Chacarera Búlgara”, que comienza con unos ritmos festivos y el trío sonando muy compacto. Hay como una decantación a sonidos muy mediterráneos, con cambios de registros originales. La aportación compositiva de Marco Mezquida se nota en “Joya”, una pieza baladística con una bonita melodía en honor de su hijo, donde muestra sus grandes dotes para el blues. La última pieza, “Lucy-Lú” desprende un cierto aroma groove y marchoso, abierto a unas mayores labores de improvisación.

                                           Giulia Valle

Intensa, impredecible y cautivadora, los calificativos son pocos para definir la música que ofrece este extraordinario trío, al frente del cual está una gran contrabajista.

Texto: © Carlos Lara, 2016
Fotografías: © Enrique Farelo, 2016

Dhafer Youssef 4Tet (Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez – Sala Guirau, Madrid.) [Concierto]


Fecha: 12 de noviembre de 2016
Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa (Madrid)
Grupo:
Dhafer Youssef 4Tet
Dhafer Youssef (Laúd y voz)
Ben Williams (Contrabajo)
Justin Faulkner (Batería)
Aaron Parks (Piano)

                                          Dhafer Youssef 4Tet

Comentario: Dhafer Youssef se presentó en Madrid dentro del marco del festival de jazz 2016 con el firme propósito de agradar al numeroso público de llenaba la sala Guirau del Centro Cultural de la Villa, Fernán Gómez.

Dhafer Youssef es uno de los tres grandes intérpretes del laúd árabe (oud) junto al también tunecino Anouar Brahem y al libanés Rabih Abou-Khalil, y su presencia en Madrid se vio reforzada con la presentación de su último trabajo de estudio: Diwan of Beauty and Odd (Okeh Records, 2016). Con respecto al disco el trompetista Ambrose Akinmusire y el batería Mark Guiliana no se presentaron, uno por ausencia y el otro por sustitución por el también baterista Justin Faulkner.

                                            Justin Faulkner 

Desde el primer momento vimos un público entregado y entusiasmado con la música de Dhafer Youssef y éste ejerció de maestro sufí a través de su voz, rezumando un discurso recitativo y espiritual de gran fuerza y cuyos ecos dolientes convirtieron la sala en un lugar sagrado, cuya magia solo fue rota por la entrada en escena del resto de instrumentistas que componían el cuarteto.

Los delicados diálogos de Aaron Parks y el laúd de Dhafer Youssef insinuaban aires flamencos y brisas mediterráneas y en “17th Flyways” la combinación se acentúa en forma de afinación inteligente donde aparentemente piano y laúd suenan como un único instrumento solo detectado por una escucha atenta en su justa división.

                                           Aaron Parks 

 El cuarteto en ausencia de Dhafer Youssef adquiere características propias del hard bop, sonido swinguante que sirve de excusa para que Aaron Parks desarrolle su máxima fluidez acompañado por el golpeo seco y duro hasta la extenuación del batería Justin Faulkner y con el apoyo del bajista Ben Williams siempre presto a servir de nexo de unión entre ambos.

La verdad es que Justin Faulkner se significó como un espectáculo en sí mismo por su contundencia y precisión que le convierten en un batería de mucho fuste capaz de hacer saltar por los aires pequeños fragmentos de sus baquetas en el interminable golpeo de parches y platillos.

                                                Ben Williams 

Aaron Parks, por el contrario es la poesía, el lirismo, la calma y la reflexión, no en vano posee un registro a su nombre en el sello alemán ECM Records, Arborescence (2013) a piano solo. Ben Williams se mostró como un disciplinado y convincente bajista siempre atento a las necesidades del grupo.

De Dhafer Youssef podemos contar sus innumerables problemas de afinación de un difícil de afinar oud y de un sonido no del todo convincente con respecto al cuarteto: quizás no se escuchó con la claridad suficiente y no tuvo el protagonismo que debió tener.

                                             Dhafer Youssef 

Lo cierto es que el cómputo total del concierto me deja un poso un tanto contradictorio. Quizás esperaba más a tenor de lo visto y disfrutado en anteriores ocasiones. Si por un lado podemos señalar la espiritualidad en forma de cantos inspirados en la tradición sufí, la mezcla lírica y la intensidad, (casi de rock) con el jazz y la World Music de la música tradicional de Túnez y los sonidos mediterráneos, por otro pienso que sobró cierto protagonismo mediático y casi mesiánico por parte de Dhafer Youssef que en ocasiones, especialmente en los últimos compases del concierto y en los bis, invitó a todos los asistentes a participar de una fiesta más propia de una sala de fiestas que de un concierto serio. Todos en pie dispuestos a seguir el ritmo con las palmas y quién sabe si a danzar una música más bien afín al Son cubano, tan impropia de lo que en principio entendíamos que se iba a escuchar. Este es mi sentir, aunque soy consciente de lo impopular de esta opinión, pues a la vista estuvo lo gozoso y placentero que supuso todas estas manifestaciones entre el entregado aficionado.

En definitiva “demasiado ruido y pocas nueces”.

Texto: ©, Enrique Farelo 2016
Fotografías: © Sergio Cabanillas, 2016

Michal Wróblewski Trio (Festival Internacional de Jazz de Madrid, Auditorio Conde Duque, Madrid. 2016-11-18) [Concierto]


Festival Internacional de Jazz de Madrid

Fecha: viernes, 18 de noviembre de 2016
Lugar: Auditorio del Centro Cultural Conde Duque (Madrid).
Formación:
Michal Wróblewski Trio
Michał Wróblewski: piano
Michał Kapczuk: Contrabajo
Sebastian Kuchczyoski: Batería.

                                      Michal-Wroblewski

Su último trabajo data del año 2014 y lleva por título City Album; igualmente ha grabado con su cuarteto con una orquesta sinfónica en un disco cuyo título es Jazz y Orquesta, además de formar parte del grupo del trompetista americano Terence Blanchard y de ser uno de los pianistas emergentes y de mayor futuro en Polonia.

                                        Michal-Wroblewski-trío

El poder de juzgar lo que no se conoce de antemano es prejuzgar y es en el error que no quisiera incurrir: el hablar de un pianista emergente (pero desconocido para mí) como es el caso que nos ocupa, no es la mejor medicina para abordar lo que pude presenciar en vivo. Es posible que Michal Wróblewski Trio suene en disco distinto a como lo hizo en Madrid, pero lo cierto es que a mí me sonó muy americano y muy swingueante y menos delicado según referencias cogidas de aquí y allá. Piezas como “Chopin Street” (Frédéric Chopin) perteneciente a su álbum City Album sí que conservan y ofrecen esa parte pianística fina y “femenina”, al estilo del maestro Bill Evans. Por contra composiciones como “Joyride” ha sonado a una forma de ver el jazz más bien virado hacia su cuna, al blues y al hard bop de los años 60 y 70 y lo han hecho con un frenesí muy notable, algo que volvió a suceder en “Warsaw Blues” donde la melodía y la armonía se fundieron en una pasión sin freno y donde Michał Wróblewski casi hizo saltar las teclas por los aires. No menos energética y swingueante fue “Subway” que poseída por un ritmo frenético y una velocidad superlativa encandiló al numeroso público que aplaudió y vitoreó sin desmayo.

                                             Michal-Wroblewski

Sinceramente pienso que esta manera de tocar se debió fundamentalmente a la presencia, y muy acusada, del brillante batería Sebastian Kuchczyoski, el cual tuvo por norma recorrer con inusitada velocidad todos los parches y platillos golpeándolos sin piedad con soltura y maestría con el firme propósito de mantener acaloradas conversaciones con el piano de Michał Wróblewski ante la mirada atenta y ensambladora de un imprescindible Michał Kapczuk al contrabajo.

                                          Michal-Kapczuk

Michal Wróblewski y su trío se entregaron sin reservas haciendo de su música un arte reconocible y sincero donde tienen cabida el swing y el feeling por encima de la reflexión y el intelecto pero sin carecer de la masa gris necesaria ni olvidar el componente poético.

                                  Sebastian-Kuchczyoski

Ah por cierto, no quisiera dejarme en el tintero una curiosa coincidencia que la vida nos regala. Michal Wróblewski, el pianista que nos ocupa, tiene su homónimo en la República Checa y es saxofonista y clarinetista. Dos Michal Wróblewski que se dedican al jazz y de diferente nacionalidad pero igual nombre. ¿Quién da más?

Texto y Fotografías: © Enrique Farelo, 2016