Reuter Motzer Grohowski: Shapeshifters (MoonJune Records 2020)

Cuatro piezas componen Shapeshifters desde el prisma de un rock progresivo sustentado por la improvisación colorista y textualizada que no duda en recorrer paisajes sonoros inquietantes, desolados, misteriosos y densamente amenazantes desde la inicial y extensa “Dark Sparks”, aquí, Markus Reuter no pierde de vista su afinidad guitarrística con Robert Fripp, con el acompañamiento de la aterradora guitarra bajo de Tim Motzer y los sutiles redobles de tambores y platillos de Kenny Grohowsky en busca de un final tan caótico como oscuro.

Línea continuista para “Transmutation”, donde se mezclan sonidos extraños, lamentos, aullidos, ecos de oscuridad y ambientes de otra dimensión. Descripción de mundos incognitos que guardan secretos inimaginables y delirantes, de atmósferas góticas de densidad máxima y distorsionada.

Como voces muertas en el espacio, como reverberaciones cósmicas, como la calma tensa que precede al desastre, como el silencio que augura un mal futuro inmediato, como un enigma sin solución, como esquizofrenia carmesí es “Cyphers”.

El sello, la lacra y el punto de cierre lo pone la “breve”, “Burn to Aether”, que se desarrolla como un cruce de líneas, como estelas artificiales que pintan de blanco gaseoso el cielo azul, que de forma brusca se transforma en rojo cobrizo hasta la extenuación.

© Enrique Farelo, 2021

 Reuter Motzer Grohowski: Shapeshifters (MoonJune Records, 2020)

Músicos: Markus Reuter (Touch Guitars® AU8, electrónica), Tim Motzer (guitarra eléctrica, bajo y electrónica) y Kenny Grohowsky (batería)

Composiciones: “Dark Sparks”, “Transmutation”, “Cyphers” y “Burn to Aether”.

Temas compuestos por Markus Reuter, Motzer y Grohowski.

Grabado en directo el 18 de agosto de 2019 en el Kevin Quinn at the ShapeShifter Lab, Brooklyn, NY.

Jorge Pardo: Querido Chick. Homenaje a Chick Corea (JazzMadrid21)

JazzMadrid21

Fecha: Sábado, 27 de noviembre de 2021

Lugar: Teatro Pavón (Madrid)

Grupo:

Querido Chick. Homenaje a Chick Corea

Jorge Pardo: flauta

Niño Josele: guitarra española

Carles Benavent: bajo eléctrico

Ton Risco: vibráfono

Rubem Dantas: cajón y kalimba

Tino di Geraldo: batería

Invitado:

Pedro Ruy-Blas: voz

Este año, que ya enfila su recta final, nos trajo en el mes de febrero la mala noticia de la muerte de Chick Corea, uno de los mayores talentos que ha dado la historia del jazz. Un músico que se valoraba con reverencia y admiración desde un país llamado España, en el que en los años 60 y 70 era casi imposible encontrar sus discos. Desde que Corea empezó su idilio con el flamenco, no dejó de interesarse por la música de este país. Aunque sus orígenes eran italianos, como religioso que era, pensaba que su alma tenía ascendencia española. A la manera de la reminiscencia platónica, ese espíritu español le proporcionaba todo su amor hacia el flamenco. Eso y su gran admiración por Paco de Lucía, el Maestro Rodrigo y los sonidos latinos terminarían por convencerle. De 1976 data su disco My Spanish Heart, primera incursión de Corea en el flamenco. Después llegaría Touchstone en 1982, con un importante protagonismo de Paco de Lucía. Su última creación fue la formación en 2019 de The Spanish Heart Band, donde participaron Jorge Pardo y Niño Josele.

Músicos de la talla de Jorge Pardo, Carles Benavent, Rubem Dantas y el mencionado Niño Josele tuvieron el privilegio de compartir estudio y escenario con Chick Corea. A mediados de los 70 el grupo Return to Forever actuó en el teatro Monumental de Madrid. Por aquel entonces, el grupo Dolores, en el que estaban Jorge Pardo y Pedro Ruy-Blas, tocó en una jam sesion con Corea en el Club Balboa Jazz, y desde entonces el flechazo de Corea con el flamenco le duró toda su vida.

 
Desde el 2004 al 2006, Pardo, Benavent y Dantas, fueron invitados a participar en una gira mundial con el músico nacido en Massachusetts en 1941. Durante todos esos años se fueron acumulando anécdotas, experiencias y complicidades entre estos músicos y Chick Corea.

De las palabras que cada uno de los seis músicos fueron pronunciando a propósito de Chick Corea se desprendía mucha admiración, respeto y una devoción sana.

El homenaje Querido Chick fue una auténtica dedicatoria de amor a Chick Corea, donde por supuesto sonaron sus temas más emblemáticos. Para empezar, una versión de “Touchstone”, en la que los músicos mostraron sus credenciales de profesionalidad y experiencia acumulada, con la gran aportación de Ton Risco al vibráfono. Tal vez, un gesto a Chick y su sociedad con el gran vibrafonista Gary Burton.

Jorge Pardo, a la flauta, demostró que está en uno de los mejores momentos de su carrera. El guitarrista Niño Josele en la interpretación a solo de “Mi compadre Antonio”, realizó un tributo antológico de técnica, y honestidad flamenca en las distintas citas de temas de Chick Corea que hizo.

Tantos años afincado en España y siempre se puede aprender de Rubem Dantas. En “Plaza Alta” hizo un gran solo con la kalimba africana, un instrumento que según bromeó podría ser el tatarabuelo del piano.

Con la interpretación de “North Africa”, en la que no participó Niño Josele, todo el grupo desarrolla ritmos envolventes con un gran protagonismo de las percusiones especialmente, el vibráfono, dando paso a Carles Benavent que sigue manteniendo su calidad a raudales. Ya con Niño Josele en el escenario con muchas citas a temas como “La Leyenda del Tiempo” o “Zyryab” de Paco de Lucía, “Yellow Limbus”, el grupo navegó con su música con viento favorable en todo momento.

La introducción del “Concierto de Aranjuez” del maestro Rodrigo, en un estupendo dúo de guitarra y vibráfono y la culminación de toda la banda en “Spain”, con la incorporación sorpresa de Pedro Ruy-Blas, cantante del mítico grupo Dolores, puso el colofón a un merecido homenaje de todos los que queríamos tanto a Chick Corea.

Texto: © Carlos Lara, 2021

Fotografías: © Enrique Farelo, 2021

Antonio Serrano &Ignasi Terraza (Fundación Juan March, Madrid. 2021-11-27. Conciertos en familia. Cole Porter)

Fecha: 27 de noviembre de 2021

Lugar: Fundación Juan March (Madrid)

Componentes:

Ignasi Terraza: piano.

Antonio Serrano: armónica.

Fotografías: © Enrique Farelo, 2021

Daniel García Trío (JazzMadrid21 / Ciclo Villanos del Jazz)

JazzMadrid21 / Ciclo Villanos del Jazz

 Fecha: Viernes, 26 de noviembre de 2021

Lugar: Teatro Pavón (Madrid)

Grupo:

Daniel García Trío

 Daniel García: piano

Reinier Elizarde “El Negrón”: contrabajo

Michael Olivera: batería

Tal y como se explica en la presentación de su nuevo disco, ha pasado una década desde que Daniel García ganó premios como estudiante en Berklee College of Music en Boston, y recibió enseñanza y tutoría de Danilo Pérez. García recuerda al gran pianista panameño animándolo a profundizar en la música de su país de origen: “Debes hacer la música que sientes por dentro. Esto no es solo lo que haces, ¡eres tú!”, le dijo Pérez. Y el consejo se hizo realidad hasta llegar a su reciente publicación de Vía de la Plata, grabado en el prestigioso sello alemán ACT por el trío.

 

Daniel García mencionó en el concierto que fue la más importante calzada construida por los romanos y que atravesaba de sur a norte parte del oeste de lo que en aquel momento era Hispania. Trasladada a la actualidad une las poblaciones de Mérida, desde donde comenzaba y Astorga, pasando por Cáceres y Salamanca. Un camino que se convirtió en el más importante itinerario desde donde se conectaba con otras partes de la península.

Desde este metafórico planteamiento, Daniel García ha establecido su paralelismo con las músicas que le han influido y desde las que ha creado las suyas. Siempre desde el jazz, este músico salmantino apuesta por los sonidos autóctonos, que le han servido de un buen apoyo para conseguir un estilo propio. Los compañeros del trío de García, Reinier Elizarde “El Negrón” (contrabajo) y Michael Olivera (batería), son de Cuba. García los conoció en la escena madrileña, y además son amigos cercanos tanto dentro como fuera del escenario.

 
Muy bien escoltado por El Negrón al contrabajo y la batería de Olivera, Daniel García realizó improvisaciones largas y enérgicos apoyos del contrabajista. Las piezas están llenas de colorido y ambiente festivo. Siempre interpretadas con una gran técnica.

En “Calle Compañía”, una composición de Daniel García comienza el contrabajo, con intervenciones del batería y el piano arranca con fuerza. El tema es un homenaje a su querida Salamanca y a esa calle en la que uno se sumerge en tiempos antiguos.  Al igual que recurre a unos tangos flamencos con ciertos tonos clásicos o echa mano de “La leyenda del tiempo”, un tema que popularizó Camarón de la Isla, para empezar de forma muy melódica rozando la balada y desarrollando enérgicamente la pieza con diferentes improvisaciones. El Negrón culmina su labor en un gran solo de contrabajo muy expresivo. Daniel García juega mucho con los contrastes, unas veces más limpios y otras más oscuros y sabe encajar todo sin problemas.

La pieza “Vía de la Plata” se inicia y desarrolla a medio tempo y va cogiendo fuerza y muestra cambios de registro y distintas tonalidades. Un contraste entre embriagadores ecos tanto de Ravel, como músicas africanas. De nuevo las aportaciones de El Negrón le otorga una gran solidez a la pieza y fuertes contribuciones de Olivera a la batería.

Salamanca estuvo muy presente en el concierto y para ello interpretó un tema basado en ritmos y melodías de la provincia. Con el contrabajo entrando fuerte y haciendo un espectacular solo, mientras que el batería y el pianista se van incorporando con los ritmos propios del folclore charro o una danza campesina.

Daniel García es un músico ecléctico que sabe fusionar sonidos y ritmos diversos. Los temas son ampliamente melódicos y alegres. Trabaja mucho las emociones y las expresa convincentemente a través del piano.

Texto: © Carlos Lara, 2021

Fotografías: © Enrique Farelo, 2021

Ambrose Akinmusire Quartet (JazzMadrid21, Galería fotográfica)

 JazzMadrid21

Fecha: 21 de noviembre de 2021

Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa (Madrid)

Grupo:

Ambrose Akinmusire Quartet

Ambrose Akinmusire: trompeta

Micah Thomas: piano y Fender Rhodes

Harish Raghavan: contrabajo

Kweku Sumbry: batería

Fotografías: © Enrique Farelo, 2021

Julian Lage Trio (JazzMadrid21 / Ciclo Villanos del Jazz)

JazzMadrid21 / Ciclo Villanos del Jazz

Fecha: Viernes, 19 de noviembre de 2021

Lugar: Teatro Pavón (Madrid)

Grupo:

Julian Lage Trio

Julian Lage: guitarra eléctrica

Jorge Roeder: contrabajo

Kenny Wollesen: batería

Este joven guitarrista californiano viene pisando fuerte. Alumno destacado de grandes como Jim Hall, Charles Lloyd o Gary Burton, que le incorporó a su grupo de jóvenes jabatos del jazz. Julian Lage maneja su Gibson de la misma forma que explora el universo del jazz, pero también dejándose seducir por los sonidos rockeros.

Su nuevo disco lanzado hace unos cinco meses, Squint, fue grabado con el contrabajista Jorge Roeder y el batería Dave King, y supone un hito más para su carrera al haberlo grabado con Blue Note. Su rodaje previo fue nada menos que en el Village Vanguard de Nueva York.

Lage brilló en todo el concierto y estuvo muy bien acompañado por el contrabajista peruano Jorge Roeder, varios años juntos. Para la ocasión se presentaba con otro de los grandes baterías del momento, Kenny Wollesen, un auténtico todo terreno. El trío se conoce a la perfección y por eso mostró momentos estelares con buenas composiciones e interpretaciones en las que se cruzaron los sonidos más tradicionales del jazz con otros que se salen del ámbito, pero igualmente atractivos.

Desde piezas de blues o jazz rock, hasta baladas exquisitamente hermosas, en las que sus brillantes solos recuerdan a Jim Hall con arranques intimistas, donde las melodías pueden evolucionar con una libertad que no necesariamente se descontrola.

Lage demostró una gran personalidad como improvisador y compositor, además de una técnica con momentos enérgicos elegantemente tejidos, gestos de contrapunto y asimetrías diversas.

Desde piezas en las que respiran aromas del Mississippi como “Boo’s Blues’, o “Familiar Flower”, un homenaje a Charles Lloyd, con quien ha colaborado en varias ocasiones. Con un gran despliegue, los músicos avanzan a ritmo vertiginoso con una rítmica asimétrica. La gran capacidad de improvisación de Lage quedó acreditada en “Étude”. En el tema “Squint” el guitarrista rinde tributo a uno de sus músicos favoritos, el batería Billy Higgins.

El tiempo en el universo musical de Lage es cada vez más una construcción mutable y ello es, según ha dicho él mismo, reflejo de su creciente asociación con la escuela de improvisación libre de John Zorn. Desde 2018, Lage y Roeder colaboran en el proyecto “New Masada” de Zorn y eso se puede apreciar en los sutiles giros métricos y bruscos armónicos, así como otras técnicas que imponen un tipo de elasticidad improvisada a las interpretaciones del trío.

Texto: © Carlos Lara, 2021

Fotografías: © Enrique Farelo, 2021

Cuarteto Fuerte: Últimeit (Sentencia Records, 2021) [Grabación digital]

 

Segundo trabajo de Cuarteto Fuerte bajo el auspicio de su creador y líder Juan M. Martín, el cual, le ha dotado de alma y carácter a pesar de haber cambiado todos los músicos e incluso los instrumentos respecto de su grabación anterior.

El guitarrista Álvaro Vieito es sustituido por Bernardo Parrilla al saxo alto, a Nacho Megina lo cambia por el también batería Fernando Caro y al clarinetista bajo, Gustavo Domínguez lo reemplaza por Javier Ortí.

Últimeit es un trabajo lleno de fuerza y energía positiva, sólido, maduro e internacional y además grabado en directo.

Nada que envidiar a otros grupos de probada solvencia y cuya coherencia y frescura alcanza niveles sonoridad superior.

Piezas breves e intensas, piezas ricas en matices y texturas, cambios imaginativos que no permiten la relajación sin perder de vista cierta ironía humorística como en “Borbones bolivarianos” o swingueantes y siempre potentes y discursivos en “Excrecencia de la evidencia”.

En “Malpartido otra vez”, entretenida y democrática conversación a cuatro.

Sonidos lastimeros y discurso a cuatro en “Sedimentos de pena”. ¡Cómo no podía ser de otra manera!

Mucho más festivo y de amigable diálogo es “Cornucopia”; en contraposición a “Castle Bravo” donde todo se torna gris y melancólico.

Cuarteto Fuerte abraza con fuerza inusitada todo lo que tenga que ver con el free-jazz, R.I.O., jazz-hardcore o el avant garde y además no quito ni una coma de lo expresado en su primer trabajo de título homónimo en cuanto a influencias del cuarteto se refiere.

Sí, ahí están los canadienses Miriodor, Henry Cow o John Zorn y por supuesto Ornette Coleman y por si fuera poco (al igual que en el primero de sus trabajos) Ennio Morricone con “Il Giardino Delle Delizie” una pieza a ritmo de marcha que parece detenerse para reflexionar antes de concluir el disco.

Cuarteto Fuerte posee una virtud muy especial que es la hablar a través de sus instrumentos por lo que cada nueva entrega se convierte en un relato donde cada solista tiene algo que contar.

 

© Enrique Farelo, 2021

Cuarteto Fuerte: Últimeit (Sentencia Records, 2021)

Músicos: Bernardo Parrilla (saxo alto), Fernando Caro (batería), Javier Ortí (saxo tenor) y Juan M. Martín (bajo)

Composiciones: “Excrecencia de la evidencia”, “Borbones bolivarianos”, “Malpartido otra vez”, “Sedimentos de pena”, “Cornucopia”, “Castle Bravo” y “Il Giardino Delle Delizie”.

Todas las temas compuestos y producidos por Juan M. Martín excepto “Il Giardino Delle Delizie” compuesto por Ennio Morricone.

Grabado en directo en Assejazz en el 2021(Asociación Sevillana de Jazz).

Kenny Garrett Quintet (JazzMadrid21)

 JazzMadrid21 / Ciclo Villanos del Jazz

Fecha: Jueves, 18 de noviembre de 2021

Lugar: Teatro Pavón (Madrid)

Grupo:

Kenny Garrett Quintet

Kenny Garrett: saxo alto y teclados

Vernell Brown: piano

Corcoran Holt: contrabajo

Marcus Baylor: batería

Rudy Bird: congas y percusiones

 

Kenny Garrett es un saxofonista y compositor muy laureado, reconocido y premiado, no solo en su país, sino en todo el mundo. Allá por donde va, la arma y enciende las sonrisas de los que asisten a sus conciertos. Autor de una veintena de discos como líder, desde el primero, Introducing Kenny Garrett de 1984, hasta el último, Sounds of the ancestors de este mismo año, median 37 años de carrera en la que ha habido una evolución con diferentes resultados para todos los gustos. Como se trata de apreciaciones subjetivas, el que suscribe considera entre sus mejores trabajos: Trilogy (1995) y Pursuance: The Music of John Contrane (1996). Dos auténticas obras maestras.

Su paso por la banda eléctrica de Miles Davis, donde también estaba Marcus Miller, le marcó para siempre, configurando un estilo que después ha plasmado de una forma u otra en sus trabajos. Nombres como Chick Corea, John McLaughlin, Pharoah Sanders o Herbie Hanckock, también están ligados a su trayectoria.

 

En el concierto dio buena muestra de cómo se pueden tocar diferentes palos, sea en el blues pasando por el soul, el góspel, el funk, el rap y sobre todo muchos ritmos africanos, que los músicos negros llaman los sonidos de los ancestros y una vuelta a las raíces.

Es evidente que el quinteto hizo un repaso a los temas contenidos en Sounds from the Ancestors explorando una variedad de estilos musicales de África y la diáspora africana, adornado todo con fuertes descargas en las que el batería Marcus Baylor, ataviado con un gorro a lo Max Roach, fue el protagonista mayor. Entre él y Garrett se echaron a la espalda el concierto. El saxofonista de Michigan es muy dado a la grandilocuencia. Siguiendo la estela de leyendas como Charlie Parker, John Coltrane o Pharoah Sanders, ha conseguido un estilo propio en el que alcanza la excelencia técnica, pero en la que quizá ande un poco sobrepasado en sus arrolladoras embestidas.

 Los fraseos largos sobre descargas rítmicas de batería, percusión y piano acaparan la mayoría de las piezas. Un camino emprendido desde hace mucho por este saxofonista. Entre tanto colorido rítmico, también se pudieron vislumbrar pistas del gran improvisador que es Garrett. Como poseído por el espíritu de Charlie Parker realizó una pieza a trío con el batería, Marcus Baylor y el contrabajista, Corcoran Holt, absolutamente magistral. Su sucesión de notas a solo fueron para quitar el hipo.

  

Entre temas más o menos dulcificados y de corte tribal, con apoyo de las congas de Rudy Bird, y los fraseos percusivos de Vernell Brown al piano, transcurrió la hora y media de concierto. Hasta que llegó el fin de fiesta con los asistentes entusiasmados aplaudiendo y bailando en sus asientos. Es una apuesta segura para mayorías. Haciendo de la tradición virtud moderna, Kenny Garrett no defrauda en los lugares que pisa. Todavía es joven y le quedan muchos escenarios en los que descargar su jazz vibrante y arrollador.

Texto: © Carlos Lara, 2021

Fotografías: © Enrique Farelo, 2021

Eivind Aarset Quartet (JazzMadrid21)

 JazzMadrid21

 Fecha: Sábado, 13 de noviembre de 2021

Lugar: Centro Cultural Fernán Gómez (Madrid)

Grupo:

Eivind Aarset Quartet

Eivind Aarset: guitarra y samples

Audun Erlien: guitarra-bajo, sintetizador

Erland Dahlen: batería, percusiones, vibráfono, campanas

Wetle Holte: batería, little steel-guitar y percusiones

El guitarrista noruego Eivind Aarset es uno de los principales innovadores de la música europea. Lleva más de dos décadas reimaginando la guitarra y creando propuestas alternativas, bien como acompañante o como líder de sus propios proyectos. Después de una temporada en ECM, Aarset ha regresado al sello noruego Jazzland Recordings.

Con esta carta de presentación, bien avalada además con sus nueve discos como líder y más de un centenar de colaboraciones en diferentes combinaciones de grupos, se presentó en cuarteto en Madrid, con Wetle Holte y Erland Dahlenb a la batería, y Audun Erlien en la guitarra-bajo. Todo complementado con la ayuda de samples, sintetizadores e instrumentos de percusión varios.

 

El resultado es una combinación de armonías clásicas y maestría musical que fusiona sonidos como el jazz, clásica, electrónica, noire, ambient e incluso rock progresivo británico y alemán. Músicas del siglo pasado, que empezaron a tomar forma a finales de los 90 y que están marcando el primer cuarto del siglo XXI. En Eivind Aarset se encuentran huellas sonoras de pioneros de ideas afines como Jon Hassell, Nils Petter Molvaer, David Torn o Bill Laswell. Pero si hay alguien de quien seguro ha seguido el rastro en algún momento es de su paisano Terje Rypdal, adalid de las músicas electroacústicas nórdicas.

 Sobre una base rítmica de samples, las baterías, bajo y guitarra van organizando sus combinaciones sonoras hasta llegar a puntos álgidos contundentes. Entremedias, Wetle Holte percute un steel guitar pequeño. Samples percusivos que pueden recordar a Tangerine Dream también se entremeten. El guitarrista realiza varias improvisaciones con sintetizadores, tras lo cual el cuarteto se lanza al unísono en un auténtico carrusel de sonidos potentes.

 

Audun Erlien es un bajista que también hace las veces de guitarrista, con muchos cambios de registro, incluso cuando el tema se vuelve un poco más melódico y simétrico. Destacan los solos potentes y otros más concisos de Eivind, en donde aparecen influencias del rock progresivo e incluso del krautrock. Los baterías mantienen un auténtico duelo de redobles y derroches de energía. Los sonidos de guitarra son doblados en circuitos retornantes y repetitivos. Aarset hace una especie de post-rock en su máxima expresión con la guitarra sintetizada suave e hipnótica a modo de baladas cósmicas.

El cuarteto consigue una conjunción equilibrada de texturas, capas sonoras y armonías en un trabajo colaborativo perfecto dirigido por Aarset, que demostró que sigue con ideas muy frescas y lleno de creatividad. En algunos pasajes el concierto se vuelve un poco espeso, pero siempre tienen a mano recursos para volver a emocionar al personal.

De Eivind Aarset se pueden decir todo tipo de parabienes, tanto como compositor como músico que se muestra sumamente ecléctico en sus propuestas. Wetle Holte y Erland Dahlenb manejan con mucha soltura la batería y otras percusiones, y se convierten en muy protagonistas. Audun Erlien en la guitarra-bajo influye constantemente en el resultado final de este cuarteto que, por fortuna, podemos ver en estas latitudes gracias a programadores de festivales de jazz que se arriesgan por esta clase de músicas. Aunque ya sabemos solo tocan tangencialmente el jazz.

 

Texto: © Carlos Lara, 2021

Fotografías: © Enrique Farelo, 2021