El Escriba del Jazz por Enrique Farelo: mayo 2024

viernes, 17 de mayo de 2024

Mark Wingfield: The Gathering (MoonJune Records, 2024)

La posibilidad de que Terje Rypdal pusiera una “Pica en Flandes” allá por los años 70 del pasado siglo se ve como una realidad consolidada en el siglo XXI. Una forma y un sonido diferentes nacieron a su abrigo y hoy día guitarristas como Mark Wingfield son un referente basamentado en aquel sonido; un sonido que va más allá del rock progresivo tal y como lo entendemos y que fusiona elementos tan dispares como el dark ambient, el jazz-rock o el rock progresivo ecléctico.

La manera de tocar de Mark Wingfield supone un avance creativo de dicho rock progresivo que transforma el estilo en un nuevo amanecer estético que aúna a guitarristas como el noruego Terje Rypdal, Allan Holdsworth o Pat Metheny en “The Listening Trees” e incluso Robert Fripp.

The Gathering supone un ejercicio de volubilidad sonora, casi lagrimosa, donde Mark Wingfield reblandece su guitarreo atmosférico, a veces lejano y en otras cercano, pero siempre intenso, tensión que se masca y palpa en la batería de Asaf Sirkis o en los bajos de Tony Levin o Percy Jones, según el caso, e incluso en las oscuras atmósferas sintetizadas de Gary Husband.

Un álbum sólido y sin picos de sierra que se mantiene a caballo entre lo estático y lo vertiginoso y cuya coherencia sonora y estructural funde la tranquilidad y el sosiego con pasajes de mayor energía desde la partitura o la improvisación.

Brillante y dramático, comprometido, futurista en el presente y emotivo, The Gathering escribe una poética página tan bella y luminosa como espontánea y atrayente hasta a la adicción.

The Gathering es un viaje psíquico abierto e inhóspito, una odisea sonora atemporal y multiespacial donde perderse y encontrarse forma parte del laberintico camino a recorrer.

Mark Wingfield: The Gathering con Gary Husband, Asaf Sirkis, Tony Levin, Percy Jones

Mark Wingfield (guitarra eléctrica y soundscapes), Gary Husband (sintetizador, piano y batería en “The Corkscrew Tower”, “Pursued In The Snow”, “The Lost Room”), Asaf Sirkis (batería), Tony Levin (contrabajo eléctrico en “The Corkscrew Tower”, “Apparition In The Vaults”, “Purdue In The Snow”, “The Lost Room”, “The Listening Trees” y “Journey Home”) y Percy Jones (guitarra bajo sin trastes en “Stormlight”, “A Fleeting Glance”, “Together We Rise” y “Cinnamon Bird”).

“The Corkscrew Tower”, “Stormlight”, “Apparition In The Vaults”, “A Fleeting Glance”, “Pursued In The Snow”, “The Lost Room”, “The Listening Trees”, “Journey Home”, “Together We Rise” y “Cinnamon Bird”

Temas compuestos por Mark Wingfield.

Grabado en La Casa Murada, Jesús Rovira (España).

Publicado por MoonJune Records en 2024.

lunes, 6 de mayo de 2024

Biréli Lagrène Trio (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, Teatro Pavón, Madrid. 2023-10-30)

Fecha: Lunes, 30 de octubre de 2023

Lugar: Teatro Pavón (Madrid)

Formación:

Biréli Lagrène: guitarra eléctrica.

William Brunard: contrabajo.

Raphaël Pannier: batería.

Después de 50 años unido a las guitarras, ahora tiene 57, Biréli Lagrène sigue siendo un mago de la improvisación que continúa provocando sensaciones positivas en sus conciertos. Con un estilo único, su sonido es inconfundible, ya sea cuando utiliza la guitarra acústica o la eléctrica. No existen retos difíciles para este artista nacido en Soufflenheim (Francia), que a los 14 años se ganó fama mundial en el Festival de Jazz de Montreux de 1981 con una actuación legendaria. Fue el gran Django Reinhardt quien envenenó a este prodigio y le inoculó los sonidos de la guitarra. Por eso se convirtió en el más fiel seguidor del jazz manouche, aunque tampoco ha dejado de lado a los más clásicos guitarristas que fueron puliendo su estilo en sus inclinaciones posteriores. Hasta el punto que, a lo largo de su carrera, ha interpretado con aires más swing en la línea de Joe Pass, Wes Montgomery o George Benson, sin olvidar otras influencias de líneas más duras como Jaco Pastorius, Stanley Clarke, Jimi Hendrix o Jean-Luc Ponty en terrenos del jazz rock. Ha grabado más de 40 discos, y se dice pronto.

Lagrène es un músico que domina todas las facetas del jazz y en esta ocasión dejaba de lado su trío de “gipsy”, en el que suele acompañarse por otro guitarrista y un violinista o saxofonista, para ofrecer un concierto al más puro estilo clásico, con el contrabajista William Brunard y el batería Raphaël Pannier. En la decena de temas que interpretó, el trío ofreció un denominador común resumido en un swing muy relajado por momentos y por otros más feroz, dando rienda suelta a discursos más “boppers”. Para el guitarrista galo, que echó mano de varios standards, no hay tema que se le resista, porque tan solo se aproxima a ellos de refilón. El resto es una demostración de improvisaciones llenas de colorido con pinceladas más o menos líricas.

Desde el legendario “Somewhere over the rainbow” hasta el “Isn,t she lovely” de Stevie Wonder, pasando por “Salt Peanuts”, un clásico del be bop de Dizzy Gillespie, cualquier tema es una excusa para demostrar que de sus manos salen sonidos que avanzan siempre con alegría. En su cabeza están contenidos todos los recursos posibles para tocar una guitarra. No hay secretos y es capaz de alcanzar metas que solo los grandes creadores pueden conseguir.

Biréli juega con los sonidos, las armonías y frases, se ramifica constantemente, sin traicionar nunca su tempo interior. Es un alquimista que es capaz de mezclar distintas culturas, ya sean gitana, francesa o neoyorkina. Juntó a una sección rítmica muy solvente, que supo dar la medida apropiada, con un Raphaël Pannier que brilló en sus solos y acentos rítmicos. William Brunard al contrabajo perfiló las interpretaciones de Biréli con firmeza. La guitarra de Biréli se recrea en sus discursos solitarios con una serenidad que invita a la máxima atención.

Biréli Lagrène es un músico inigualable que lleva el jazz en las venas y pone en práctica mediante su grandísima técnica y el despliegue de su profunda inspiración. No merece más calificativos que genial.

Texto: © Carlos Lara, 2023

Fotografías: © Enrique Farelo, 2023

Juan Saiz Cuarteto (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, Centro Centro, Madrid. 2023-11-02)

Fecha: Jueves, 2 de noviembre de 2023

Lugar: Centro Centro (Madrid)

Formación:

Juan Saiz: saxo tenor, saxo soprano y flauta

Marco Mezquida: piano

Eric Surmenian: contrabajo

Genís Bagés: batería y percusiones

Con la presentación en Madrid de los temas de su quinto disco, Pindio II, Juan Saiz ha subido un peldaño más en su trayectoria musical. Sus composiciones son imprevisibles desde el principio hasta el final. Un caleidoscopio sonoro cuyos ángulos encajan en base al free, la música improvisada o incluso la de vanguardia. Tal y como ya escribí en su momento, la sintonía entre estos músicos inquietos, arriesgados y sumamente creativos es perfecta en el proyecto. Su presentación en directo corrobora y amplía mis apreciaciones.

El saxofonista, flautista y compositor santanderino estuvo acompañado por Marco Mezquida al piano, Eric Surmenian al contrabajo y Genís Bagés a la batería y percusiones, que dieron comienzo al concierto con el tema “Index librorum prohibitorum”, una pieza que irradia toda la fuerza que el grupo es capaz interpretar desde que comienza con diversos desarrollos y se va introduciendo por vericuetos cada vez más complejos y de los que el cuarteto sale airoso con brillantez.

En “El Impostor”, comienza el trío con fuerza e interviene Juan Saiz con el saxo soprano en una línea ascendente llena de fortaleza. El cuarteto se muestra a fondo con apoyos de todos los músicos. Los fraseos de Juan son consistentes y llenos de connotaciones de libre improvisación. Marco Mezquida recoge el guante en una aportación percusiva que va acelerando para crear una atmósfera hipnotizadora de pleno confort sonoro. Con apoyo del resto del grupo, la pieza adquiere un colorido especial muy sugerente y termina con una libre improvisación del saxofonista a dúo con el pianista.

“Pindio” es una muestra clara de los sonidos libres que muestra este grupo. Con la dirección del saxo tenor, el resto de músicos se encamina hacia una explosión sonora en la que podemos intuir por momentos. Se roza tangencialmente la música clásica de vanguardia con un sonido de flauta inquietante y a la vez sugerente. El tema consta de un gran solo de flauta y un no menos gran solo de Marco Mezquida. Una composición sumamente brillante, original e innovadora.

En “Aurora”, el cuarteto guarda una intimidad casi de grupo de cámara con una preciosa balada entre la flauta y el piano. A continuación la sección rítmica va enriqueciendo el tema por un camino lírico muy bien desarrollado, con un resultado final que encandila.

En “Prelude to Eber” y “Eber”, se fusionan el free jazz y la libre improvisación con sonidos de compositores vanguardistas del siglo XX. El soprano avanza junto con el resto de instrumentos como si fueran pinceles que van creando un cuadro irreconocible, pero lleno de posibles interpretaciones. Con el saxo tenor, Juan Saiz se introduce por unos laberintos sonoros que por momentos recuerdan al mismo Peter Brötzman. El tema adquiere una fuerza contagiosa en todo momento.

“Bellaskos” se inicia con una larga improvisación de Marco Mezquida al piano con mucha carga de profundidad y diferentes enfoques sonoros. El desarrollo del tema pasa por distintos registros y la precisión y complementariedad entre los músicos se expresan muy creativamente. El brillante final de Juan Saiz con el saxo tenor puso final a un tema en el que la liturgia sonora del grupo se cumplió otra vez. “El grito” supuso un buen broche final con toda su fuerza de combinaciones entre el saxo tenor y el contrabajo, junto con los múltiples recursos de la batería y el virtuosismo indomable del piano. Una pieza en la que el saxofonista vuelca su expresividad sonora en un grito sugerente.

Escuchar la música del cuarteto de Juan Saiz plantea cuestiones, provoca debate y genera ideas. Todo ello no sería posible si no fuera un grupo tan sólido y contrastado que deja su sello de calidad en cada uno de los temas que interpreta.

Texto: © Carlos Lara, 2023

Fotografías: © Enrique Farelo, 2023

James Carter Organ Trio (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, Madrid. 2023-11-16)

Fecha: jueves 16 de noviembre de 2023. Hora: 19:00

Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa (Madrid)

Componentes:

James Carter: saxos alto, soprano y tenor

Gerard Gibbs: órgano Hammond B-3

Alex White: batería

A modo de tributo a Django Reinhardt, James Carter, puso sobre el “tapete” las composiciones que iban a formar parte del concierto y que formaron parte de su directo Live From Newport Jazz del año 2019 y con idéntica formación.

De esta manera el multisaxofonista de Detroit presentó sus credenciales en Madrid con su fraseo enérgico, que desde los primeros compases le acompañó hasta el final de la actuación.

Cierto y verdad es que sonaron piezas del su último trabajo hasta la fecha, en ese nombrado homenaje a Django Reinhardt, como “Le Manoir De Mes Reves”, “Melodie Au Crepuscule” o “Pour Que Ma Vie Demeure”, pero no menos cierto es que si las composiciones hubieran sido propias, James Carter habría sonado exactamente igual, su discurso abrasivo, su torrente enérgico y su aglutinar todas las características propias del jazz americano son intrínsecamente inevitables como músico y como saxofonista.

El groove y el jazz-funk, el swing, el feeling y sus numerosos crescendos e in crescendos le transformaron en ocasiones en un furioso elefante, donde cualquier saxo se erigía en trompa o en una locomotora exprés, fábrica de mil notas, al compás de su contorneo incesante e incansable.

James Carter es un espectáculo, no duda y ofrece lo mejor de sí sin desmayo, ya sea a trío, cuando se enfrenta a dúo con Alex White o con Gerard Gibbs o monologando, pero en todas sale victorioso emergiendo como un tótem poderoso que deja espacio para el lucimiento en los solos de sus acólitos; solos muy aplaudidos y reconocidos en tiempo y forma, tanto para la modulación y el groove de Gerard Gibbs al órgano Hammond B-3, como al baquetear incesante, pero preciso del hard boper Alex White.

Un goce muy saludable para todos los amantes del buen y autentico jazz, al que solo habría que ponerle un pero a pesar de tanta generosidad, James Carter se despidió sin más y sin el al menos, “obligado” regalo de un tema extra.

Texto: / Fotografías: © Enrique Farelo, 2023

Rabih Abou-Khalil Trio (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, Sala Guirau, Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, Madrid. 2023-11-22)

Fecha: 22 de noviembre de 2023

Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa (Madrid)

Grupo:

Rabih Abou-Khalil: oud

Mateusz Smoczynski: violín

Jarrod Cagwin: batería y frame drum

Seguro que no hay fecha más apropiada para celebrar un concierto, sea del estilo que sea, pero hoy es el 22 de noviembre día en el que se celebra Santa Cecilia, Patrona de la Música y de los Músicos desde que el papa Gregorio XIII en el año 1584 la canonizara.

Dejando las celebraciones y la historia al margen, el concierto de éste 22 de noviembre es el de Rabih Abou-Khalil y su trío.

El beirutí es considerado uno de los máximos representantes del laúd árabe junto al tunecino Anouar Brahem y una de las luminarias del etno-jazz fusionando la música árabe tradicional con el jazz, el rock y la música clásica y forjando un estilo ecléctico y global que ha sido etiquetado como world music con el transcurrir del tiempo.

Con más de una veintena de discos, la mayoría de ellos editados bajo el palio del sello alemán Enja Records y, donde Rabih Abou-Khalil nunca ha abandonado su carácter creativo, comprometido, innovador y tradicional en sus composiciones es lo que le ha llevado a ser precedido de una fama mundial bien merecida.

Acompañado por el violinista de jazz polaco Mateusz Smoczynski (ganador del premio Grammy como miembro del Turtle Island Quartet) y por Jarrod Cagwin como su percusionista de cabecera y miembro de sus diferentes proyectos, acompañante desde The Cactus of Knowledge del año 2001 hasta su último trabajo The Flood and The Fate of The Fish de 2019.

De Mateusz Smoczynski podemos destacar su virtuosismo y su naturalidad y un músico a vigilar, quizás podamos estar ante el relevo generacional de los violinistas de jazz europeos en los próximos años.

Jarrod Cagwin nunca defrauda y su forma de encarar encaja como un guante en el estilo de Rabih Abou-Khalil, su contundencia y su suavidad modula a bordo de sus baquetas blandas como si duras fueran, recorriendo una infinidad de platillos y tambores sin descanso y con exactitud; tanto como al frame drum.

En cuanto a la actuación en sí, el trío hizo disfrutar al aficionado de lo lindo, no solo con su música, sino con su humor fino e irónico a la hora de presentar sus composiciones, entre las que pudimos degustar “Fish And Chips And Mushy Peas” (Hungry People 2012) dedicada en palabras de Rabih Abou-Khalil a la comida finesa y, donde musicalmente saboreamos las aceleraciones y la contundencia, además de las especias étnicas. En la sentida “Dreams Of A Dying City”, dirigida a todos los niños que sufren el azote de las guerras, fue caracterizada por un feelling envuelto de ingenua ternura infantil y libertad sin artificios.

La retirada del grupo al dar por finalizado el concierto enarboló al público que exigió una pieza más con generosidad y alboroto, lo que provocó la vuelta de Rabih Abou-Khalil y los suyos para ofrecernos una composición dedicada Vlad el Empalador o Vlad Drácula e inspirada en la visita de “El Castillo de Drácula” en Transilvania.

Un hermoso colofón repleto de swing, velocidad endiablada y disonante en las cuerdas de un violín delirante, una percusión contundente y enérgica y un laúd árabe de dedos danzarines sobre camino de cuerdas dobles de a 6… y un adiós envuelto en aplausos…

Texto: / Fotografías: © Enrique Farelo, 2023

domingo, 5 de mayo de 2024

PAKT: No Steps Left To Trace (MoonJune Records, 2024)

PAKT (Percy, Alex, Kenny, Tim) es un laboratorio formado por cuatro marcianos visionarios cuya música va dirigida a extraterrestres residentes en la Tierra.

Una propuesta intensa pero calmada a través de la improvisación o la composición en tiempo real, hecha por un cuarteto de alquimistas que beben de las fuentes del pasado y se impulsan al futuro sin rubor alguno.

Una propuesta que aboga por el viaje musical iniciático, la química texturizada de pasajes y paisajes lisérgicos, atmósferas etéreas y oscuras; tan impredecible como coherente, viaje sin rumbo redirigido a lugares recónditos e inhóspitos que camina sobre el alambre de la experimentación, el Krautrock la psicodelia y el ambient oscuro o el jazz rock progresivo.

PAKT rompe el molde, crea formas libres y se olvida de la ortodoxia, abriéndose a caminos inexplorados, transgresores y convincentes, buscando un sonido novedoso que se proyecta al infinito.

No Steps Left To Trace lo forman 11 piezas divididas en dos discos mayoritariamente de largo recorrido que necesita de forma imperiosa una escucha tan atenta como relajada en tu sillón favorito. Abre tú mente y sin plantearte qué viaje vas a emprender, hacia dónde vas a ir y a dónde vas a llegar, simplemente déjate llevar.

PAKT pone la música, la imaginación la pones tú.

PAKT: No Steps Left To Trace

Tim Motzer (guitarra eléctrica y electrónica), Kenny Grohowski (batería), Percy Jones (bajo eléctrico) y Alex Skolnick (guitarras).

Disco Uno:

“No Steps Left To Trace, Part 1”, “No Steps Left To Trace, Part 2”, “On The Other Side, Part 1”, “Wormhole”, “On The Other Side, Part 2” y “Spontaneous Combustion”.

Disco Dos: “The Ghost Mills”, “NYC III”, “NYC IV”, “NYC V” y “Solar Myth”.

Temas compuestos e improvisados por Jones, Skolnick, Grohowski, Motzer.

Disco Uno: Grabado en NRS Recording Studio, Catskill Village, NY, el 17 de diciembre de 2021.

Disco Dos: “The Ghost Mills” fue grabada en vivo por Steven Suppartis en el Tralf Mussic Hall, Buffalo, NY, el 15 de diciembre de 2021. “NYC III”, “NYC IV”, “NYC V” se grabaron en vivo en NuBlu, Nueva York, el 18 de febrero de 2023.

“Solar Myth” se grabó en vivo en Solar Myth, Filadelfia, PA, el 19 de febrero de 2023.

Publicado por MoonJune Records en 2024.

Stick Men (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, Sala Villanos, Madrid. 2023-11-05

Fecha: domingo 5 de noviembre de 2023. Hora: 21:00

Lugar: Sala Villanos (Madrid).

Componentes:

Tony Levin: Chapman Stick y Voz

Markus Reuter: Touch Guitars® AU8, Soundscapes, Teclados

Pat Mastelotto: Batería y Percusión electrónica y acústica.

Stick Men publicó en el año 2022 un EP titulado Tentacles para Moonjune Records, casi a la par que Umeda, (Live in Osaka 2022) donde se incluían piezas como “Tentacles”, “Ringtone” o “Danger In The Workplace” pertenecientes a dicho EP.

La presentación en Madrid del power trio de vanguardia Stick Men, no iba a suponer ninguna sorpresa, con nada que ocultar, lo suyo fue mostrar las dotes de las cuales se sirven, desde una energía luminiscente a etéreas improvisaciones, ritmos obsesivos y neuróticos, pasajes delirantes, lisérgicos y fantasmagóricos o tensiones flamígeras que no parecen tener descanso.

Rindieron pleitesía al Rey Carmesí con piezas inolvidables y emblemas del rock progresivo más recalcitrante como, “Red”, “Larks Tongues In Aspic, Part 2” o “The Sheltering Sky” (Discipline 1981) que implementaron con otras propias como, la ácida, corrosiva y obsesiva “Tentacles”, la espacial y oscura “Prog Noir” al inicio, que densas atmosferas abrocharon; la disonante y “frippertronics”, “Danger In The Workplace” fundida con la percusiva, repetitiva, épica y de oscuras atmosferas vocales, “Swimming In Tea” que rememoraron al compositor húngaro György Ligeti y que posiblemente supusiera el momento de mayor impacto del concierto.

Actuación más que notable y a buen seguro inolvidable para todos los entusiasmados aficionados al rock progresivo y especialmente a King Crimson que llenaron sala Villanos con la convicción de que Stick Men es el Prince Crimson del siglo XXI.

Texto: / Fotografías: © Enrique Farelo

Ralph Towner “At First Light” (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, CentroCentro, Madrid. 2023-11-10)

Fecha: viernes 10 de noviembre de 2023. Hora: 19:00

Lugar: CentroCentro: sala Caja de Música (Madrid)

Componentes:

Ralph Towner: Guitarra clásica

Ralph Towner es una institución y una leyenda del jazz y de la música.

Nacido musicalmente al abrigo del Paul Winter Consort (Road 1970 e Icarus 1972) junto a los que posteriormente formarían el icónico grupo de world jazz, Oregon: Glenn Moore, Colin Walcott y Paul McCandless.

Con más de 20 trabajos a su nombre y otro buen número de colaboraciones con otros músicos o con Oregon (formando parte del catálogo de uno los sellos discográficos de mayor influencia como ECM Records), el octogenario guitarrista presentó su última creación a guitarra sola, At First Light (ECM Records 2023) dentro del marco del 10º Festival Internacional de JazzMadrid 2023.

El recogimiento lírico e intimista de Ralph Towner, a caballo entre la música clásica europea y el jazz (el que fuera en origen pianista y aún lo es), apoyándose en la técnica clásica de la interpretación en todas y cada una de las piezas, valiéndose de un instrumento clásico como la guitarra sola, y olvidándose en esta ocasión, de otras guitarras como la guitarra acústica de doce cuerdas y de la utilización de la púa.

La grabación de At First Light fue un reto y una meta cumplida y registrada, y lo que se registra es eterno.

Como reto, este concierto. Una guitarra junto al músico, un músico frente al público que desnuda su alma y su mente despierta, las manos cansadas, el caminar como el largo camino de la vida, una noche que no da para más por lo mucho ofrecido. Intérprete doliente y toda la esencia regalada desde el amanecer de su carrera se resumen en un exigente concierto a guitarra sola.