sábado, 30 de junio de 2018

Mark Wingfield: Proof of Light (Moonjune Records 2015) [CD]

Mark Wingfield es sin duda uno de los guitarristas de mayor calado de los últimos años a nivel mundial. Su manera moderna y sonido personalísimo de tocar la guitarra sintetizada le convierte en un referente del jazz-rock progresivo abrazando a otros grandes como Pat Metheny, Allan Holdsworth o John Abercrombie.


Su sonido languideciente, quejumbroso, espiritual, ambient y personal encuentra sus principales influencias en los nombrados Pat Metheny, Allan Holdsworth o John Abercrombie e incluso en el cósmico Terje Rypdal o en el flipante y lisérgico Steve Hillage del grupo Gong.

Mark Wingfield explora espacios abiertos desolados e inhóspitos ya sea dialogando o monologando sirviéndose de elementos poético-espacio-temporales que trasmutan su música en una montaña rusa con vertiginosas subidas y bajadas.

“Mars Saffron” es pusilánime, lloricona y un tanto delirante marcando el sentir del trío.

Composiciones como “Voltaic” se convierten en el paradigma de Proof of Light donde su estructura etérea, profunda y reverberante es apoyado por una lujuriosa sección rítmica de líneas complejas explosivas y ambiciosas que nos lleva a buscar en nuestra memoria pasajes del Odyssey de Terje Rypdal.

Sonido ECM en “Summer Night’s Story”, “Proof of Light” o en “The Way to Etretat”, (Pat Metheny- Offramp) en “Restless Mountains” la guitarra sintetizada parece vestirse ocasionalmente de ciertos ropajes hindúes chispeantes que encuentran su mejor aliado en los redobles de la batería de Asaf Sirkis. “A Conversation We Had” es tan dialogante como insinúa con Wingfield, Sirkis y Stavi interactuando con preciso y amable control. “A Thousand Faces” es la más breve e introspectiva de todas destacando Yaron Stavi. “Koromo’s Tale” aporta cierto misterio, juego de atmósferas y silencios para que Yaron Stavi haga cantar a su contrabajo con el desafiante Asaf Sirkis y el reberverante Mark Wingfield.

© Enrique Farelo, 2017

Mark Wingfield: Proof of Light

Mark Wingfield (guitarra eléctrica y sintetizada), Asaf Sirkis (batería) y Yaron Stavi (contrabajo)

“Mars Saffron”, “Restless Mountains”, “The Way to Etretat”, “A Conversation We Had”, “A Thousand Faces”, “Voltaic”, “Summer Night’s Story”, “Koromo’s Tale” y “Proof of Light”.
Todas las composiciones de Mark Wingfield.

Grabado el 20 y 21 de mayo de 2014 por Ru Cook en Lost Boys Studio, Cranfield, (Inglaterra). Publicado en 2015 por Moonjune Records.

simakDialog – Demi Masa (Moonjune Records, 2009)

Que no existen las fronteras en el mundo de la música no es ninguna novedad, pero en esta ocasión Leonardo Pavkovic (productor y dueño de los designios de Moonjune Records) ha tenido que viajar a la lejana Indonesia para toparse con un grupo denominado simakDialog que lidera con acierto el teclista Riza Arshad. La propuesta de simakDialog es realmente interesante. Los cambios constantes de ritmo le confieren un colorido cálido y especial que funde con naturalidad pinceladas étnicas con jazz-rock. Por momentos recuerda a grupos ingleses como National Health o Hatfield And The North. Los solos de piano eléctrico o guitarra se alimentan de un fondo de percusiones suaves, cálidas e hipnóticas realmente creativas, sugerentes y paisajísticas que convencen a los oídos más exigentes.


Demi Masa está divido en cinco partes, la primera de ellas está formada por las composiciones “Salilana Pertama (Forever, Part 1)” y “Salilana Kedua (Forever, Part 2)”; la segunda por “Tak Jauh Pertama (Not So Far, Part 1)” y “Tak Jauh Kedua (Not So Far, Part 2)”; la tercera por “Tak Jauh Kedua (Northern People – Voices)”, “Trah Lor–Rupa (Northern People-Faces)” y “Trah Lor–Tapak (Northern People – Prints)” y la cuarta y la quinta por “Karuhun (To Elders)” y “Disapih (Separate Away)”. En “Salilana Pertama”, el Fender Rhodes de Riza Arshad cobra casi todo el protagonismo canterbury al que la guitarra disonante y atmosférica de Tohpati releva para adentrarnos en un fundido de percusiones y voces étnicas con “Salilana Kedua”. La interacción entre pianista y guitarrista, a la que se suma el complemento de las cálidas e intensas percusiones de Endang Ramdan y Erlan Suwardana, caracterizan “Tak Jauh Pertama”. Armonías de tintes más amables y accesibles aparecen en “Tak Jauh Kedua”.

La tercera pieza está subdividida a su vez en tres a modo de suite. En “Trah Lor–Laras”, el dialogo entre el piano de Riza Arshad y la guitarra acústica de Tohpati le da un aire de frescura y autenticidad. Es en la pieza “Trah Lor–Rupa” donde nuevamente el piano de Riza Arshad y las percusiones de Endang Ramdan y Erlan Suwardana aportan un carácter de world music que desemboca en “Trah Lor–Tapak”. Final ambient y misterioso, donde Mian Tiara pone el colorido étnico de su voz sutil. “Karuhun” es una excelente muestra de lo que los indonesios son capaces de hacer. Pieza acústica entre el piano de Riza Arshad, la guitarra de Tohpati y las percusiones de Endang Ramdan y Erlan Suwardana. Jazz de intensas reminiscencias latinas y compacto entendimiento entre las partes. El álbum se cierra con “Disapih”, composición que hace honor a un destacado trabajo digno del mejor jazz-rock y fusión étnica. Vuelve a destacar Riza Arshad y su cadente y cromático Fender Rhodes frente a la guitarra eléctrica discrepante y rebelde de Tohpati y las omnipresentes y minimalistas percusiones.

© Enrique Farelo, 2010

Composiciones: 1 “Salilana Pertama (Forever, Part 1)”, 2 “Salilana Kedua (Forever, Part 2)”, 3 “Tak Jauh Pertama (Not So Far, Part 1)”, 4 “Tak Jauh Kedua (Not So Far, Part 2)”, 5 “Trah Lor–Laras (Northern People-Voices)”, 6 “Trah Lor–Rupa (Northern People-Faces)”, 7 “Trah Lor–Tapak (Northern People-Prints)”, 8 “Karuhun (To Elders)”, 9 “Disapih (Separate Away)”.

Músicos: Riza Arshad (Fender Rhodes, piano acústico Yamaha, sintetizador analógico Oberheim OBX), Tohpati (guitarra eléctrica y acústica), Adhithya Pratama (guitarra bajo), Endang Ramdan (percusión Sundanese kendang, pandereta, palmas, juguetes vocales), Erlan Suwardana (percusión Sundanese kendang, pandereta, palmas, juguetes y voces), Emy Tata (percusión Sundanese kendang, pandereta, palmas, juguetes y voces en 2), Mian Tiara (voces en 7), Dave Lumenta (soundscapes en 8).

MJR032 Moonjune Records 2009

DouBt – Never Pet A Burning Dog (Moonjune Records, 2010)

Resulta sorprendente denominar a un grupo DouBt (“duda”) cuando las ideas son tan claras, si acaso el título surrealista del disco puede sorprender y parecer difícil de entender pero, como digo, el resto es de lo más definido.


El grupo está formado por Alex Maguire (Hatfield And The North), Michael Deville (The Wrong Object) y el batería Tony Bianco, que ha tocado y grabado con Dave Liebman, Evan Parker, Elton Dean o los miembros de Mujician Paul Dunmall, Paul Rutherford, Keith Tippett o Paul Rogers. El trío se completa con colaboración del bajista y vocalista de Caravan y Camel, Richard Sinclair.

La primera toma de contacto se produce con el fundido de las dos composiciones que abren Never Pet A Burning Dog; es decir: “Corale Di San Luca” y “Laughter”. Richard Sinclair nos trae recuerdos Canterbury de los ecos vocales de Robert Wyatt y su bajo sirve de introducción tanto al Fender Rhodes en fuzz de Alex Maguire como a la guitarra eléctrica de Michael Deville con la batería de Tony Bianco inundándolo todo de energía arrolladora y produciendo una tormenta sónica perfecta. La composición de Terje Rypdal “Over Birkerot” lanza niveles corrosivos a través de la guitarra del belga Michael Deville, muy distintos de los ecos atmosféricos y espaciales del noruego. La guitarra y el Fender Rhodes arrasan todo a su paso sin miramientos pero con inteligencia y control, los diálogos entre ambos y el apoyo de Tony Bianco hacen del trío un todo compacto y granítico en un ejercicio de jazz-rock progresivo y abrasivo que corroe el cerebro.

“Sea” es un mar embravecido que recuerda al comienzo al Terje Rypdal de Odyssey para más tarde poner en práctica toda su furia en una sucesión de Fender Rhodes y guitarra eléctrica tan inquietantes como ácidos. En “Passing Cloud” a la voz de Richard Sinclair le arropan el Mellotron y el Fender Rhodes de Alex Maguire y la batería de Tony Bianco en otra bella demostración Canterbury. “Cosmic Surgery” es otro tema imaginativo, creativo y sobre todo progresivo donde vuelven a destacar Michael Deville y Alex Maguire con un Mellotron a lo King Crimson. ¡Buenísimo! “Aeon”, amalgama compleja y granítica, otra demostración palpable del gran teclista que es Alex Maguire, y con el apoyo de Tony Bianco que personifica su batería en las aspas de un helicóptero mientras Michael Deville dispara su guitarra al espacio infinito.

El disco se completa con “Beppe’s Shelter”, donde el sintetizador-flauta de Alex Maguire pone un poco de agua fresca entre tanto fuego, aunque no consigue apagar el volcán. Burning intelligence, Burning intelligence, Burning intelligence…
   
© Enrique Farelo, 2010

Composiciones: “Corale Di San Luca”, “Laughter”, “Over Birkerot”, “Sea”, “Passing Cloud”, “Cosmic Surgery”, “Aeon”, “Beppe’s Shelter”

Músicos: Alex Maguire (Fender Rhodes, Mellotron, órgano Hammond y sintetizador); Michael Deville (guitarra eléctrica y Roland GR-9); Tony Bianco (batería) y Richard Sinclair (voz en 1 y 5 y bajo eléctrico en 1 y 2)

MJR032 Moonjune Records 2010

Dusan Jevtovic: Am I Walking Wrong? (Moonjune Records, 2013)


Comentario: Tercer trabajo discográfico del guitarrista serbio Dusan Jevtovic. Atrás quedaron D.X. Project (Dusan Jevtovic y Xavier Reija) y su disco 2sides del año 2005 del desaparecido sello catalán Satchmo. Y su primer disco en solitario On the Edge (L’indi music 2008). Ahora vuelve con la fuerza que le caracteriza con un disco con el que debuta internacionalmente para el afamado y prestigioso sello americano Moonjune Records.

Para Am I walking Wrong? sigue contando con el concurso del bajista Bernat Hernández (miembro del Xavi Reija Electric Quintet) e incorpora al experimentado batería serbio Marko Djordjevic.

Power Trio de altos vuelos, sonidos directos, crudos y explosivos. Jazz-rock progresivo ácido, corrosivo, sólido y granítico. Con diez composiciones de las cuales ocho son en vivo sin overdubs. (Técnica usada en estudios de grabación a para grabar nuevos sonidos de instrumentos a un tema conteniendo información previamente grabada).

Estructuras ambiciosas, complejas, disonantes e incandescentes. Sonidos cercanos al Robert Fripp de King Crimson, este trío tiene química suficiente para enganchar a cualquier aficionado que se precie.

Am I walking Wrong? engancha y fascina a cada escucha. Te haces adicto a esa guitarra desde “You Can’t Sing, You Can’t Dance” hasta la original y crimsoniana “If You See Me Again” que cierra el disco.

Poderosa, agresiva y sin concesiones “Am I Walking Wrong?”, la disonante “Drummer’s Dance” recuerda a Allan Holdsworth y Bernat Hernández acude al rescate con una intervención tan breve como efectiva y Marko Djordjevic no escatima esfuerzos a golpe de redoble. ¡Excelente!

“One on One” es Rhythm & Blues para hacer volar la imaginación; “Bluesracho” es el “blues del otro lado”. “In the Last Moment II”, es espídica, atmosférica y cambiante. “Embracing Simplicity” es neurótica, “Third Life” son ecos armónicos, experimentación y espacios oscuros.

Con la onomatopéyica “Tra-Ta-Ta-Ta-Ta” vuelven las influencias crimsonianas (Thrak).

Am I walking Wrong? ¡Va directo a tu cerebro!

© Enrique Farelo, 2013

Dusan Jevtovic: Am I Walking Wrong?

Composiciones: “You Can’t Sing, You Can’t Dance”, “Am I Walking Wrong?”, “Drummer’s Dance”, “One on One”, “In the Last Moment II”, “Embracing Simplicity”, “Third Life”, “Tra-Ta-Ta-Ta-Ta”, “Bluesracho”, “If You See Me Again”
Todas las composiciones de Dusan Jevtovic

Músicos: Dusan Jevtovic (guitarra eléctrica y acústica), Bernat Hernández (fretless bajo) y Marko Djordjevic (batería)

Grabado en el estudio La casa Muradas en Banyeres del Penedés, Cataluña, España en el año 2012. Aranys del Mar en Barcelona (España) los temas “Third Life” y “If You See Me Again” en el año 2012. Publicado por Moonjune Records en 2013

Machine Mass: Inti (Moonjune Records, 2014)

Hablando de nombres, hablamos de Inti que da título al último trabajo de Machine Mass. Inti es la deidad del sol para los antiguos Incas y Machine Mass lo forman Michel Delville  y Tony Bianco, los mismos nombres que apadrinan  y forman douBt junto al teclista Alex Maguire. Machine Mass ha pasado de ser un trío en su primer disco As Real As Thinking con la inclusión del joven saxofonista Jordi Grognard a ser un dúo pero con la participación del veterano y virtuoso Dave Liebman a los saxos.


Machine Mass y douBt se reinventan a sí mismo para abrir nuevas ventanas creativas al jazz-rock progresivo.

“Inti” abre Inti y lo hace para mostrar bien a las claras y sin tapujos las intenciones de Machine Mass de principio a fin. Pinceladas de jazz-rock, cool, ambient, free-jazz y virtuosismo para conformar el tipo de jazz progresivo del sXXI.

“Centipede” entre el free-jazz y el cool, entre el jazz-rock y el hard-bop. A ritmo de swing se suceden los sonidos de la guitarra ácida de Michel Delville, el “sucio” saxo tenor de Dave Liebman y el acompañamiento de Tony Bianco a lo John Christensen.

En “Lloyd” rememoramos a los legendarios Weather Report de los primeros años de atmósferas sincopadas y cool.

Una única composición no escrita por el grupo: “In a Silent Way” (Joe Zawinul) para Miles Davis y su obra precedente a Bitches Brew, In a Silent Way.

La versión es tratada de manera diferente al original. La música indú con sonido del sitar (Loops) invita a un viaje iniciático y lisérgico muy propio de la psicodelia.

En la obsesiva “A Sight” encontramos cierta afinidad con bandas como Isotope o Mahavishnu Orchestra.

En “Utoma” el ritmo funk de Tony Bianco se conjuga con el sonido etéreo y ambient frente a la fuerza y libertad del saxo tenor de Dave Liebman.

El corte “The Secret Place” es el otro punto discordante del álbum al incluir a la vocalista Saba Tewelde. Una vez más el sonido de los Loops sirven para que un vibráfono acompañe a la cálida, melodiosa y reflexiva voz de Saba Tewelde.

“Elisabeth” supone el más largo desarrollo del disco donde Tony Bianco luce sus mejores galas rítmicas para dar paso a Michel Delville y su guitarreo corrosivo que se complementa con el soprano de Dave Liebman. Un tema de intensidad superlativa y “corto” por la imaginación que ponen en escena estos tres monstruos del jazz progresivo y free-jazz ácido.

El broche final lo pone “Voice” para lucimiento interactivo de la guitarra de Michel Delville, (que por momentos recuerda a Terje Rypdal) la batería de Tony Bianco y el soprano de Dave Liebman en una demostración más de su poderío electrizante y jazz rockero de altos vuelos.

© Enrique Farelo, 2014

Machine Mass: Inti

Composiciones: “Inti”, “Centipede”, “Lloyd”, “In a Silent Way”, “A Sight”, “Utoma”, “The Secret Place”, “Elisabeth”, “Voice”.
Todas las composiciones de Dave Liebman, Michel Delville y Tony Bianco, excepto “In a Silent Way” de Joe Zawinul.

Músicos: Dave Liebman (Saxo tenor, Soprano y Wooden flauta), Michel Delville (Guitarra eléctrica, Roland GR09 y Electrónica) y Tony Bianco (Batería, Percusión y Loops) y Saba Tewelde (vocales en 7)

Grabado en el estudio Red Rock, Saylorsburg, PA (USA), 10 de octubre de 2012. Moonjune Records, 2014

Dewa Budjana: Surya Namaskar (Moonjune Records, 2014)

El saludo al Sol (sūria namaskār) es una de las secuencias de posturasdel hatha yoga y es el título del nuevo trabajo del guitarrista indonesio Dewa Budjana. Para la ocasión ha reclutado a músicos de reconocida valía en el mundo del jazz-rock entre los que encontramos al prestigioso bajista Jimmi Jonson colaborador entre otros de Allan Holdsworth; Vinnie Colaiuta de Herbie Hancock, o Jeff Beck, además de Gary Husband de John McLaughlin, y también Allan Holdsworth.


La composición que abre el álbum, “Fifty”, es de inequívoco sonido Mahavishnu Orchestra de John McLauglin y el riff de guitarra a lo Allan Holdsworth se complementa con el destacado solo de Gary Husband al sintetizador.

A la obsesiva “Duaji & Guruji” (buen solo de bajo de Jimmi Jonson) le sigue el estilo ácido y corrosivo de Allan Holdsworth en “Capistrano Road” (no en vano está dedicado al guitarrista inglés) y en “Lamboya”.

La combinación de instrumentos como el tarawangsa (violín indonesio) le da un marcado carácter étnico que se funde con el jazz-rock en “Kalingga” al que contribuye Mang Ayi en los vocales.

Paleta de estilos, colores vitalistas y energía controlada fundamentanSurya Namaskar, especialmente comedida en “Campuhan Hill” donde Dewa Budjana se vale de la guitarra acústica.

El tema que da título al disco, “Surya Namaskar”, cuenta con la participación del guitarrista Michael Landau y la interactuación con Dewa Budjana se hace serena y equilibrada, menos enérgica, más poética y baladística. Clímax de rhythm and blues.

Con “Dalem Waturenggong” se cierra el repertorio y lo hace de una manera algo más rock que los precedentes.

Dewa Budjana dedica esta obra a su mentor y amigo Peter Erskine.

© Enrique Farelo, 2014

Dewa Budjana: Surya Namaskar

Composiciones: “Fifty”, “Duaji & Guruji”, “Capistrano Road”, “Lamboya”, “Kalingga”, “Campuhan Hill”, “Surya Namaskar”, “Dalem Waturenggong”.
Todas las composiciones de Dewa Budjana.

Músicos: Dewa Budjana (guitarra eléctrica y acústica) Jimmi Jonson (bajo eléctrico) Vinnie Colaiuta (batería) y la colaboración de Gary Husband (sintetizador en 1), Michael Landau (guitarra eléctrica en 7), Mang Ayi (vocales en 5), Kang Pupung / Tarawangsa (violín en 5) y Kangiya / Kacapi (harpa en 5)

Grabado en el estudio Henson (Los Ángeles el 27 de enero de 2013), Temple Island (Jakarta, Indonesia) y Stagg Street estudio (Los Ángeles el 25 de octubre de 2013). Publicado por Moonjune Records 2014

The Sours: The Sours (Moonjune Records, 2014)

Álbum de debut del dúo formado por Sara Schrift y Sasha Markovic (Yagul y Sashasonia)con la colaboración de la pianista Kana Kamitsubo.


El disco del mismo título que el grupo, está compuesto por un buen puñado de piezas acústicas cortas tan sugestivas como bellas. La obra en sí parte del folk más contemporáneo y la cálida voz de Sara Schrift nos recuerda a Joni Michell o Amy Winehouse. Sasha Markovic resulta ser un guitarrista elegante, fino y de depurada técnica. De su guitarra acústica salen sonidos sencillos a la par que hermosos complementados por una grabación acorde con la música.

© Enrique Farelo, 2014

The Sours: The Sours

Composiciones: “Everwas”, “Second Stop”, “Gnt”, “Seawitch”, “Three Chandeliers”, “Angie”, “Survivalist”, “R for Regret”, “Kubrick”, “Wish” y “Egret”.
Composiciones del 1 al 6 de Sara Schrift y Sasha Markovic. Sara Schrift, 7, 9 y 11. Tema 10 Sara Schrift y Kana Kamitsubo.

Músicos: Sarah Schrift (vocales y guitarra acústica en 7 y 9), Sasha Markovic (guitarras) y la colaboración de Kana Kamitsubo (piano en 3 y 10)

Grabado en el estudio Z de Brooklyn, New York

Moonjune Records 2013

XADU: Xavi Reija / Dusan Jevtovic: Random Abstract (Moonjune Records, 2015; CD)

“Tanto monta, monta tanto”, face to face o un tuya mía es éste Random Abstract que firman al alimón Xavi Reija y Dusan Jevtovic. Ambos forman, obviamente, el dúo denominado XADU: Xavi y Dusan.


Sin duda un matrimonio bien avenido y duradero en el tiempo. Desde el lejano D. X. Proyect y su disco 2 Sides (SJR 2005), (en el cual contaron con diversas colaboraciones) pusieron la primera piedra que ha fundamentado diversos proyectos, entre los que encontramos Resolution de Xavi Reija en Moonjune records o Dream Land (2006) y Ritual (2008) del Xavi Reija Electric Quintet.

En este mano a mano encontramos “Secrets” composición con la que se abre la puerta de Random Abstract. Desde la serenidad en los primeros compases y el juego de notas de la guitarra de Dusan Jevtovic, Xavi Reija alcanza el clímax creciendo hasta la cadencia final que nos devuelve al principio.

Se muestra intenso, disonante, corrosivo y progresivo krautrock con tintes de psicodelia en “Random Abstract”.

Busca sonidos inexplorados, más allá del Canterbury (con reminiscencias a la primera etapa de Camel) en “Decaying Sky” con la guitarra de Dusan Jevtovic desdoblándose minimalista en segundo plano (casi como un teclado) y punteando en el primero con el apoyo sin desmayo de Xavi Reija.

Fácilmente digerible al comienzo, más complejo en la segunda mitad “New Pop”, recordando estructuralmente al sonido de Frank Zappa.

El hard-rock progresivo oscuro y misterioso en “Something In Between”; impactante, lisérgico y experimental en “Deep Ocean” de los primigenios Pink Floyd; atmosférico y ambient en “Place With A View”; metal progresivo de ritmos sincopados y una vez más experimental en “Workplace” y esa misma experimentación con un toque de rhythm & blues velado en “No Hope” con la que termina el álbum.

Una vez desgranada la obra todo lector puede llegar fácilmente a la conclusión de que Xavi Reija y Dusan Jevtovic son músicos comprometidos que hacen música compleja y creativa, donde prima la satisfacción por encima de los postulados comerciales.

Sin duda les importa más decir cosas nuevas que morir en el intento vano de no decir nada a fuerza de decir lo que ya está dicho.

¡Excelente!

© Enrique Farelo, 2015

XADU: Xavi Reija / Dusan Jevtovic: Random Abstract

Xavi Reija (Batería) y Dusan Jevtovic (Guitarras)

1 “Secrets” (6:38), 2 “Random Abstract” (6:02), 3 “Decaying Sky” (7:58), 4 “New Pop” (7:10), 5 “Something In Between” (7:51), 6 “Deep Ocean” (6:53), 7 “Place With A View” (4:56), 9 “Workplace” (4:06), 9 “No Hope” (4:44)
Temas 1, 2, 3 y 6 compuestos por Xavi Reija y 4, 5, 7 y 9 por Dusan Jevtovic, el 8 de Xavi Reija y Dusan Jevtovic

Grabado en los estudios de La Casa Murada el 6 de mayo de 2014. Publicado en 2015 por Moonjune Records

Carlos López: Letters From København (Jazz Activism Records, 2015; CD)

Letters From København es un trabajo diseñado para trío con piano. El baterista coruñés Carlos López compone la totalidad de los temas a excepción de “26-2”, de John Coltrane. En tres composiciones participa el saxo alto polaco Maciej Kadziela. Además cuenta con la participación de dos pianistas (Lucas Leidinger  y Xan Campos), y tres bajistas (Camiel Jansen, Tomo Jacobson, y Joel Illerhag) que se van alternando a lo largo de la obra.


En cuanto a las composiciones que forman el álbum, “Lake” es el encargado de abrir la primera de las páginas. Tema tan pausado como intenso. Descriptivo y de estructura europea y no carente de swing y buen gusto. “Turán” es una composición bien estructurada donde Maciej Kadziela convierte el trío en cuarteto y el piano de Xan Campos cobra protagonismo a trío bajo los auspicios de los intensos redobles de la batería de Carlos López. “Holmen Crows Bipolarity” es una pieza creativa, imaginativa y poética tan elegante como vanguardista y exquisita fragilidad de insinuaciones free. “26-2” es la única composición que no lleva la autoría de Carlos López. Caracterizado por un sonido hard-bop sincopado para lucimiento de todos los miembros que participan en el tema: al margen de Carlos López, intervienen Xan Campos al piano y Joel Illerhag al bajo. “Looking For a Room” es un claro ejercicio vanguardista y avant-garde de pinceladas disonantes con cambios de ritmo constantes que rozan la perfección en los diferentes relevos de Tomo Jacobson, Maciej Kadziela, Xan Campos y Carlos López. “Biking Again” destaca por el brillante y contundente solo de Joel Illerhag que da paso al siguiente corte: “A Night In Chrostiania”. Xan Campos posa sus manos con decisión sobre un “teclado roto” que avanza sin desfallecer hasta un “valle” en el que reposar y dar paso al languideciente, llorón y swingueante saxo alto de Maciej Kadziela para terminar dialogando a 4. El final bucólico a modo de broche que cierra la caja de música de fina orfebrería lo pone “So From Anywhere”.

© Enrique Farelo, 2015

Carlos López: Letters From København

Maciej Kadziela: Saxo alto en “Turán”, “Looking For a Room” y “A Night In Chrostiania”; Lucas Leidinger: piano en “Holmen Crows Bipolarity” y “Biking Again”; Xan Campos: piano y rhodes en el resto de temas; Tomo Jacobson: contrabajo en “Holmen Crows Bipolarity” y “Looking For a Room”; Joel Illerhag: contrabajo en “26-2” y “Biking Again”; Camiel Jansen: contrabajo en el resto de temas; Carlos López: batería.

“Lake”, “Turán”, “Holmen Crows Bipolarity”, “26-2”, “Looking For a Room”, “Biking Again”, “A Night In Chrostiania” y “So From Anywhere”
Todas las composiciones de Carlos López excepto “26-2” de John Coltrane.

Grabado en los Studios RMC de Copenhagen. Publicado en 2015 por Jazz Activism Records.

Ángel Ontalva: Tierra Quemada (OctoberXart Records, 2015; CD)

Ángel Ontalva lidera el grupo progresivo, RIO, avant-rock y jazz-rock, October Equus desde aproximadamente el año 2006 con cinco trabajos publicados: October Equus, Charybdis, Saturnal, Permafrost e Isla Purgatorio. Al margen de este proyecto su carrera en solitario comprende Land of Rain and Steel, Mundo Flotante y algunas colaboraciones con el percusionista Vasco Trilla como En directo en el Festival L.E.M. o Aceite de perro, e incluso con el saxofonista Alfonso Muñoz como Éxtasis y Tormento de Camilla Sodoma entre otros. Amanda Pazos Cosse, Vasco Trilla, Víctor Rodríguez, y por supuesto, Ángel Ontalva son o han sido miembros de October Equus. Ahora forman parte del proyecto Tierra Quemada que firma el propio Ángel Ontalva.


¿Dónde empiezan y dónde acaban Ángel Ontalva u October Equus? ¿Es el uno prolongación del otro o son el mismo ente? En realidad son cuestiones que no parecen tener demasiado interés, sobre todo porque lo que importa es la obra en sí, y con ella vamos.

En Tierra Quemada la esencia es profunda y el oído tiene que estar atento. La concentración tiene que ser máxima si quieres alcanzar su secreto. Con cada escucha se revaloriza de personalidad en busca de un mensaje oculto y enigmático.

Obra compleja e instrumentalmente matizada con instrumentos que entran y salen de escena, que se entremezclan de forma poco conocida produciendo rock progresivo de altura condimentado de sutiles pinceladas étnicas que se aproximan al mundo árabe. (“Tarlaya Ektim Sogan” y “Tierra Quemada”). Especialmente original en “No return” donde la guitarra hurdy gurdy (zanfona) de Marc Egea se une matrimonialmente con la melódica de Víctor Rodríguez. En “Ugetsu” echa la mirada atrás en busca del setentero King Crimson más apacible y sereno. Pieza de largo tempo que combina la paleta de colores con soltura, precisión y maestría o en la brillante “El Telele” donde un mellotron (Víctor Rodríguez) oscurecido en un segundo plano, arropa al resto de la estructura instrumental. “Comanche” es una ventana abierta al rock naif, tan complejo que sorprende por su amalgama instrumental aportando riqueza a una conversación de mil lenguas. Pieza breve y título largo, lejana en el tiempo y cercana al sonido de Henry Cow es “Bicycles were quite popular in the Forbidden City”. El broche final con el toque fino y delicado de “Cobra Trap”, lugar donde las voces instrumentales encajan como piezas de un puzle, donde ninguna destaca pero todas son básicas; donde Víctor Rodríguez nos regala un sonido de sintetizador a la manera de Vangelis, donde Marc Egea pone una pincelada antigua con su guitarra hurdy gurdy, (zanfona, organistrum, symphonia o vielle à roue) Ángel Ontalva abraza a un tranquilo Robert Fripp.

© Enrique Farelo, 2015

Ángel Ontalva: Tierra Quemada

Músicos: Ángel Ontalva: guitarra y bajo eléctrico; Amanda Pazos Cosse: bajo eléctrico; Víctor Rodríguez: teclados y melódica; Pablo Hernández: saxos alto y soprano; Luiz Rocha: clarinete; Marc Egea: hurdy gurdy y duduk; Pablo Ortega: violonchelo; Vasco Trilla: Batería y percusión.

Composiciones: “Tarlaya Ektim Sogan”, “No return”, “Tierra Quemada”, “Ugetsu”, “El Telele”, “Comanche”, “Bicycles were quite popular in the Forbidden City” y “Cobra Trap”
Todas las composiciones de Ángel Ontalva.

Grabado en el 2014/2015. Publicado en 2015 por OctoberXart Records.

SimakDialog: Live at Orion 2015 (Moonjune Records, 2015; 2CD)

El reputado grupo indonesio SimakDialog publica este álbum doble grabado en directo en los estudios Orión en Baltimore tras su gira por Estados Unidos.


Live at Orion 2015 es un obra dominada por el control y el equilibrio de los ritmos étnicos e hipnóticos de las percusiones de Erlan Suwardana, Endang Ramdan y Cucu Kurnia, y que sirven de textura colorista para los solos de Riza Arshad que empatiza e interactúa con Tohpati. La línea continuista de todo el disco recuerda estructuralmente a la música de Santana donde las percusiones no son otra cosa que el sustento rítmico para que Riza Arshad y Tohpati brillen con luz propia.

Los largos solos de Tohpati recuerdan al guitarrista británico A. Holdsworth e incluso al sonido atmosférico y lisérgico de David Torn. El piano eléctrico Fender Rhodes de Riza Arshad nos acerca al rock progresivo Canterbury y psicodélico de la década de los sesenta del pasado siglo.

Composiciones de desarrollos extensos, ácidos y corrosivos que de alguna manera pueden recordar a diversos grupos del Krautrock, entre ellos a Embryo, por su creatividad vanguardista, sus ambientes oscuros y étnicos.

En “One Has To Be”, Riza Arshad simpatiza con el sonido de Chick Corea y Return to Forever implementado por la guitarra de Tohpati que suena espacial e infinita.

El excelente comienzo del segundo disco con “This Spirit” nos lleva a pensar en propuestas de mayor riesgo y compromiso creativo, entre Soft Machine, Isotope y Return to Forever. “Kemarau” es una pieza oscura, repetitiva y tan progresiva como para arrimarse a propuestas como Nucleus o Soft Machine y terminar con un sonido propio de su país de origen.

La composición “5,6” incluye al guitarrista uruguayo Beledo. (Miembro del grupo The Avengers junto a Adam Holzman, Lincoln Goines y Kim Plainfield). La participación de Beledo imprime carácter a la formación y sus interactuaciones con Tohpati son especialmente enriquecedoras e impactantes a los que se suma Riza Arshad al Fender Rhodes y las percusiones de Erlan Suwardana y Endang Ramdan.

© Enrique Farelo, 2016

SimakDialog: Live at Orion 2015

Músicos: Riza Arshad (Fender Rhodes piano eléctrico), Tohpati (guitarra eléctrica), Rudy Zulkarnaen (guitarra bajo), Erlan Suwardana y Endang Ramdan (percusión Sundanese kendang), Cucu Kurnia (batería y percusiones). Beledo (guitarra eléctrica en “5,6”).

CD1: “Throwing Words”, “Stepping In”, (The 6th Story) “For Once And Never”, (The 6th Story) “One Has To Be” (Patahan) y “Lain Parantina” (The 6th Story)
CD2: “This Spirit”, “Kemarau”, (Patahan)  “Disapih” (Demi Masa) y “5,6” (The 6th Story)
Todas las composiciones de Riza Arshad.

Grabado en directo en los estudios The Orion, USA Baltimore el 7 de septiembre de 2013. Moonjune Records, 2015.

Vasil Hadzimanov Band feat. David Binney: Alive 2016 (Moonjune Records, 2016; CD)

Vasil Hadzimanov es una nueva apuesta de riesgo y compromiso del sello de Leonardo Pavkovic. El teclista y compositor serbio nos ofrece una suerte de composiciones que van desde la fusión, el jazz, el rock progresivo o la música étnica. El haber sido grabado en directo le da un valor añadido por su frescura y autenticidad. Este Alive es su primer disco para Moonjune Records pero es el sexto en su carrera desde el lejano año 2001 con su álbum 11 Razloga Za… (OverJazz Records) al que siguió Kafanki (2003. OverJazz Records), 3 (Sega mu e majkata) (2007. OverJazz Records), Života Mi (2009. OverJazz Records), Can You Dig It? (2013. OverJazz Records).


La inclusión del prestigioso saxo alto norteamericano David Binney le da un toque de distinción y riqueza de matices al sonido de la banda, algo que se muestra en el corte, “Nocturnal Joy”, que sirve de pretexto para demostrar sus cualidades de improvisador a capella  a modo de fuga. Es en “Zulu” donde la influencia rítmica de la Mahavishnu Orchestra aderezada de pinceladas étnicas se ofrece de una manera más definida, y donde David Binney, vuelve a brillar con luz propia en un nuevo solo, complementado por el piano eléctrico de Vasil Hadzimanov que recuerda a Chick Corea. En “Dolazim” el grupo abraza con fuerza los primeros discos de Weather Report o incluso al Miles Davis de Bitches Brew en un ejercicio de jazz progresivo de altura que se funde a ritmo lento con “Odlazim” y donde Vasil Hadzimanov se transforma en el Joe Zawinul del Black Market.

Sin dejar de lado a Weather Report el sonido se hace más funk para mezclarse con el jazz-rock o la música étnica en “Tovirafro”. La poesía nostálgica y evocadora viene de la mano de la balada “Razbolje Se Simsir List” donde la apacible conversación entre el piano acústico de Vasil Hadzimanov y el saxo alto de David Binney alcanza uno de los momentos más intensos y turbadores de todo el disco.  En “Uaiya” David Binney vuela alto en una nueva demostración de técnica y virtuosismo que da paso al bajo de Miroslav Tovirac con el acompañamiento de Bojan Ivkovic en las percusiones.

“Otkrice Snova” echa el cierre recordando al primigenio Santana, al Weather Report de Night Passage o al Chick Corea de Return To Forever. Sonido de teclados eléctricos y fender rhodes de Vasil Hadzimanov y percusiones de Bojan Ivkovic que combinan con el saxo de David Binney.

© Enrique Farelo, 2016

Vasil Hadzimanov: Alive 2016

Músicos: Vasil Hadzimanov (piano y teclados), David Binney (saxo alto), Branko Trijic (guitarra eléctrica), Miroslav Tovirac (guitarra baja), Bojan Ivkovic (percusión y vocales) y Pedja Milutinovic (batería)

“Nocturnal Joy” (Vasil Hadzimanov), “Zulu” (V.H. Band), “Odlazim” (V.H. Band y David Binney), “Dolazim” (Branko Trijic), “Tovirafro” (Miroslav Tovirac), “Razbolje Se Simsir List”, (Z. Djezic) “Uaiya” (Vasil Hadzimanov) y “Otkrice Snova” (V.H. Band).

Grabado en directo en gira por Serbia en Octubre y noviembre de 2014. Moonjune Records, 2016.



Alfonso Calvo Septeto: Sea ahead (FreeCode Jazz Records, 2016; CD)

Seis composiciones propias componen este Sea ahead de Alfonso Calvo a septeto, segundo trabajo como líder después del álbum homónimo de No Name Quartet, editado en 2014 y coliderado junto al baterista Miguel Queixas.


El disco fue grabado a finales del pasado año 2015 en los estudios Mans de A Coruña durante los días 29 y 30 de diciembre.

El contrabajista Alfonso Calvo en este Sea ahead cuenta con buen puñado de excelentes instrumentistas entre los que encontramos a los saxofonistas Pablo Castaño y Xosé Lois Miguélez; el trompetista Rubén Salvador; el trombonista Bruno Valle; el pianista Iago Mouriño y la baterista Naima Acuña además de contar con la colaboración especial del vibrafonista Ton Risco.

Músicos como Iago Mouriño y Pablo Castaño ya acompañaron a Alfonso Calvo en su disco de 2014 No Name Quartet.

La obra muestra desde los primeros compases elegancia y elaboración a la par que cuidados arreglos. La belleza del sonido metálico del vibráfono de Ton Risco sirve de introducción a una suerte de sonidos entrelazados de las cañas y los metales bien temperado por un piano que acompaña desde el fondo en “Sea ahead”.

El contrabajista de Santiago es protagonista directo de la introducción en “En dous pasos” para dar paso a enconados arreglos orquestales propios del bebop, algo que volvemos a disfrutar en “6 AM” donde se suceden los solos de Xosé Lois Miguélez en el saxo tenor y Ton Risco en el vibráfono.

En “The stolen key” destacan los acertados juegos de la trompeta, trombón y saxos. Solos de flauta de Xosé Lois Miguélez o del trombón de Bruno Valle son enriquecidos por el contrabajo de Alfonso Calvo y el piano de Iago Mouriño.

“Anna May” recuerda a las grandes orquestas de los años 40 del pasado siglo. Swing sin desperdicio y amable donde se van alternando los solos de Pablo Castaño en el saxo alto, Rubén Salvador en la trompeta e intercalado con precisos arreglos.

Con “Come spring” se cierra este menú de ricos y aderezados platos sonoros, donde vuelve a destacar el trombón de varas de Bruno Valle, el piano de Iago Mouriño y una vez más los exquisitos arreglos.

Concluyendo un disco donde su líder ejerce su presencia desde las sombras, dirigiendo, arreglando y componiendo con un gusto exquisito no sobrando ni faltando nada.

© Enrique Farelo, 2016

Alfonso Calvo Septeto: Sea ahead (FreeCode Jazz Records 2016 CD y ed. digital)

Alfonso Calvo Septeto: Pablo Castaño (saxos alto y soprano), Xosé Miguélez (saxo tenor y flauta), Rubén Salvador (trompeta, fliscorno), Bruno Valle (trombón), Iago Mouriño (piano), Alfonso Calvo (contrabajo), Naíma Acuña (batería). Músico invitado: Ton Risco (vibráfono)

“Sea Ahead”, “En dous pasos”, “6 AM”, “The Stolen Key”, “Anna May”, “Come Spring”
Todos los temas compuestos y arreglados por Alfonso Calvo.

Grabado en Mans Estudios (A Coruña) el 29 y 30 de diciembre de 2015. Publicado en 2016 por Free Code Jazzrecords.

Telmo Fernández Organ Trio: The Soul Jazz Beat Vol. 2 (Sweet Records, 2016) [CD]

La estética de los años 60 y 70 del pasado siglo se muestra sin tapujos en el diseño de la carátula del disco que corre a cargo de Rafa Pasadas y Rocío Alen, que además se complementa con una impresión de la galleta del cd que imita los surcos de un vinilo.


Telmo Fernández Organ Trio mantiene la misma formación a excepción hecha del batería Caspar St. Charles que entra en lugar de José Luis Gómez.

Este vol. 2 sigue la misma línea argumental que el vol. 1, donde el soul, el jazz y el groove lo invaden todo con facilidad y soltura extrema, y donde el poco tiempo transcurrido entre uno y otro, hacen que si su aparición hubiera sido al unísono y en un único volumen doble para nadie hubiese supuesto una sorpresa; en ambos encontramos el sello inconfundible de lo auténtico y del convencimiento pleno en lo que se hace y donde es difícil encontrar altibajos. Rayando a gran altura y suponiendo, en consecuencia, un placer para los oídos inquietos de todos aquellos amantes al trío con órgano Hammond B3 y no en un teclado que hace las veces.

Telmo Fernández y su trio ponen el alma y su máximo grado de intensidad en The Soul Jazz Beat Vol. 2 en composiciones como “Chicken Fingers”,”Pot Pie”,”3 pesos” o “Vagabond Blues” donde incluso hay espacio para acordarse de Stevie Wonder en “Uptight”.

The Soul Jazz Beat Vol. 2 es un homenaje a la música negra hecha por músicos blancos sin que se aprecie la diferencia. Se digiere con facilidad haciéndose corta su audición por ameno y brillante, y tan auténtico que crea adicción.

© Enrique Farelo, 2016

Telmo Fernández Organ Trio: The Soul Jazz Beat Vol. 2

Composiciones: “I Can’t Get Satisfied” (Jack McDuff), “Chicken Fingers” (Telmo Fernández), “Onsaya Joy” (R. “Groove” Holmes), “The Free Slave” (R. Brooks), “Son of Ice Bag” (H. Masakela), “Pot Pie” (Telmo Fernández), “3 Pesos” (Phil Wilkinson), “The Scorpion” (Leon Spencer), “Uptigh” (S. Wonder) y “Vagabond Blues” (Phil Wilkinson)

Músicos: Phil Wilkinson (órgano Hammond B3), Telmo Fernández (guitarra eléctrica) y Caspar St. Charles (batería)

Grabado en el estudio El Patio, Barcelona (España) el 12 de diciembre de 2015. Sweet Records 2016

Gio Yáñez: Zink Tank (Freecode Jazz Records, 2016) [CD]

Zink Tank es el último trabajo de Gio Yáñez y en él, parece plantear dos discos en formato EP, que comprenderían las composiciones “Bergdunum”, “Philologic” y “Our Beloved Whatever” desde una perspectiva del hard bop, y un segundo formado por “Zink Tank” “Waltz of the Resilient”, y “D´s Mile Within” que se inclinaría hacia un sonido de mayor compromiso vanguardista y progresivo; de hecho Zink Tank viene a significar entre otras acepciones laboratorio de ideas y esto es precisamente lo que aquí se desarrolla.


El disco comienza a andar con “Bergdunum”, una pieza de marcado estilo hard bop, paradigma de esta forma de hacer jazz, y que se desarrolla a base de solos que van desde el saxo alto de José Soares, la guitarra de Gio Yáñez, el piano de Wilson Correia, el contrabajo de Filipe Louro y que finaliza con la batería de Miguel Sampaio. La rotunda y convincente sección rítmica apoya con descaro a Wilson Correia, Gio Yáñez y José Soares en sus respectivas aportaciones en “Philologic”. Para terminar esta primera parte no podía faltar la ya clásica balada donde van apareciendo en escena la exquisitez de la guitarra de Gio Yáñez, el piano nocturno y delicado de Wilson Correia junto al saxo de José Soares, la sutileza de las escobillas de la batería de Miguel Sampaio y el omnipresente bajo de Filipe Louro en “Our Beloved Whatever”.

El “segundo de estos EPs” comienza con “Zink Tank”, pieza que da título al disco y que gira su mirada hacia un sonido vanguardista y moderno donde destaca Gio Yáñez y su guitarra cool apoyado por las atmosféricas interacciones entre Wilson Correia y José Soares.

Gio Yáñez dedica “Waltz of the Resilient” a su padre y a todos aquellos que no trabajan en lo que les hubiera gustado pero que saben ser felices a pesar de todo. Destaca sobre todo la guitarra quejumbrosa y distorsionada de Gio Yáñez frente al saxo alto de José Soares que se viste de saxo soprano.

El punto y aparte que no final, lo pone la composición más creativa e imaginativa del disco: “D´s Mile Within”, caracteriza por una suerte de aceleraciones y deceleraciones que buscan el silencio buscando iniciar el vuelo con firmeza e insinuaciones progresivas.

© Enrique Farelo, 2016

Gio Yáñez: Zink Tank

Composiciones: “Bergdunum”, “Philologic”, “Our Beloved Whatever”, “Zink Tank”, “Waltz of the Resilient”, y “D´s Mile Within”.
Música compuesta y arreglada por Gio Yáñez

Músicos: Gio Yáñez (guitarra eléctrica), José Soares (saxo alto), Filipe Louro (contrabajo), Wilson Correia (piano) y Miguel Sampaio (batería)

Grabado en Rafael Silva at Adega Studios in Porto (Portugal) el 19 de septiembre de 2015. Freecode Jazz Records en Mayo 2016.

Nicolas Meier: Infinity (Favored Nations Records, 2016) [CD]

Composiciones como “Riversides”, “Tales” o “Serene” formaron parte de su anterior trabajo Chasing Tales (MGP Records 2015) grabado al alimón entre el propio Nicolas Meier y el también guitarrista Pete Oxley.


De Nicolas Meier se pueden decir muchas cosas ya que él no es un músico al uso, es más bien una suerte infinita de combinaciones musicales basadas en el mundo global del cual forma y formamos parte. Nacido en Suiza reside en la actualidad en Londres habiendo vivido en Turquía y España, lo que hace que abrace multitud de influencias que van desde el jazz y el flamenco a la música del Medio Oriente pasando por la latina, el jazz-rock o los sonidos étnicos de fusión.

El haber podido estudiar en Berklee College of Music (Boston) le facultó para tomar contacto directo con el jazz más clásico, aunque su primer trabajo fue una versión de Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi en una más que original versión con orquesta y guitarras.

Después de esta introducción podemos entrar a analizar éste su último trabajo, el cual cuenta con dos respetadísimos músicos como son el bajista de Yellowjackets, Jimmy Haslip o el batería Vinnie Colaiuta, que entre otros ha formado parte del grupo de Frank Zappa.

Once composiciones propias completan esta granado y ecléctico álbum, que comienza con “The Eye of Horus” destacando la guitarra acústica de Nicolas Meier y obteniendo de ella sonidos entremezclados que abarcan el laúd y la guitarra flamenca. Richard Jones implementa el tema con un solo de violín eléctrico que nos acerca a Jean Luc Ponty.

“Still Beautiful” se muestra pausada, equilibrada y fresca como el cauce de un manantial donde destacan el solo de Jimmy Haslip y la líquida guitarra acústica de cuerdas de nylon de Nicolas Meier. En “Riversides” encontramos influencias de la música turca e hindú de reminiscencias al Shakti de John McLaughlin.

Con “Yemin” llegamos a uno de los puntos álgidos del disco, su profunda belleza y su acercamiento al flamenco místico y arábigo de la mano del fraseo de Nicolas Meier tiene su apoyo incuestionable en el violín de Sally Jo.

“Legend” está dedicado a Jeff Beck siendo una pieza intensa y de sonido mediterráneo por la interactuación entre Nicolas Meier y Richard Jones que de lejos recuerda a Iceberg o a la Mahavishnu Orchestra. “Tales” es otro bello ejercicio de sonido cristalino donde vuelven a destacar Nicolas Meier y Jimmy Haslip. El corte número siete, “Rose On Water”, es tan sugerente como el título. Suena bucólico y descriptivo donde el violín de Lizzie Ball no se olvida de la música clásica de cámara a modo de fuga, casi en el centro de la obra.

“Flying Spirits” se divide entre la world music y el jazz-rock de la Mahavishnu Orchestra o Brand X. Una vez más el brillante violín de Richard Jones vuela alto entre los precisos redobles de los tambores de Vinnie Colaiuta, el intimista bajo de Jimmy Haslip y la delicadeza y virtuosísimo de Nicolas Meier.

“Serene” es una balada de sonido atmosférico y profundo lirismo que va directo al corazón.

“Kismet” es un guiño a la música turca y a su aroma sensual, donde apenas se perciben aires aflamencados y la guitarra se viste laúd.

“JB Top” lacra la obra y lo hace con mano firme y rompedora y la contundencia necesaria como para salirse del guión marcado hasta el momento, no en vano, la composición está dedicada al guitarrista del grupo ZZ Top, Billy Gibbons. Para ello se sirve del concurso del también guitarrista Gregor Carle y, practicar con descaro y sin tapujos, rhythm & blues a “dúo” sin olvidar la imprescindible sección rítmica de formada por Vinnie Colaiuta y Jimmy Haslip.

© Enrique Farelo, 2016

Nicolas Meier: Infinity

Músicos: Nicolas Meier (guitarras acústicas, eléctricas y sintetizadas), Vinnie Colaiuta (batería) y Jimmy Haslip (bajo eléctrico) con la colaboración de Richard Jones (violín en “The Eye of Horus”, “Still Beautiful”, “Legend” (para Jeff Beck), “Flying Spirits” y “Kismet”), Lizzie Ball (violín en “Rose On Water”),  Sally Jo (violín en “Riversides” y “Yemin”) y Gregor Carle (guitarra en “JB Top” dedicada Billy Gibbons)

Composiciones: “The Eye of Horus”, “Still Beautiful”, “Riversides”, “Yemin”, “Legend” (for Jeff Beck), “Tales”, “Rose On Water”, “Flying Spirits”, “Serene”, “Kismet” y “JB Top” (para Billy Gibbons)
Todas las composiciones de Nicolas Meier.

Grabado el 26 y 27 de septiembre de 2015 en Megatrax estudio de Los Ángeles (USA)



Dwiki Dharmawan: Pasar Klewer (Moonjune records, 2016. 2CD) [CD]

Pasar Klewer es el segundo trabajo del pianista y compositor indonesio Dwiki Dharmawan para moonjune records y pasa por ser una de sus obras más importantes por originalidad y creatividad, donde es difícil encontrar una definición que encaje a la perfección con lo que se ofrece en el mismo. De Dwiki Dharmawan se puede decir muchas cosas, quizás la que mejor le define sea que se parece a sí mismo y a nadie más. De Pasar Klewer, solo alabanzas es lo mejor que se me ocurre.

La mayoría de las 11 composiciones corren a cargo del propio Dwiki Dharmawan o de arreglos tradicionales que se implementa con una doble versión (una vocal con Boris Savoldelli y otra instrumental) del tema de Robert Wyatt, “Forest”.

El primero de los discos se abre con el tema que da título al álbum, “Pasar Klewer”, el cual nos ofrece un comienzo espectacular pleno de energía inteligente, donde la guitarra eléctrica de Mark Wingfield nos deja sin aliento en comunión perfecta con Dwiki Dharmawan y su piano de rotundo y diáfano sonido que hace saltar las teclas por los aires y que se complementa de forma soberbia con Yaron Stavi, Asaf Sirkis y Aris Daryono.

No se queda atrás “Spirit of Peace”; el muy destacado solo de clarinete de Gilad Atzmon nos lleva tan lejos como seamos de capaces de imaginar, complementándose con la elegante guitarra glissentar del suizo Nicolas Meier y el no menos luminoso piano de Dwiki Dharmawan al que se le suma Aris Daryono con su técnica de percusiones vocales. (Konnakol)

Los muy originales cambios de ritmo frente al saxo soprano de Gilad Atzmon nos adentra en un mundo de fantasía colorista extrema que hacía tiempo no escuchaba en “Tjampuhan”. Composición superlativa y lección magistral de pasión y orgía sonora en un dar y tomar de virtuosismo sin freno.

La versión vocal de “Forest” compuesta por Robert Wyatt, perteneciente a su trabajo Cuckooland del año 2003, cuenta con la participación de Boris Savoldelli y su voz dramática y grave que parece narrar oscuros secretos inconfesables al que Mark Wingfield pone el contrapunto guitarrístico creando atmósferas delirantes y fantasmales.

Cierra este primer acto “London in June”, ¿os suena? Una pieza compuesta al alimón entre Dharmawan, Stavi, Sirkis y donde la particular voz de Boris Savoldelli parece conducirnos a

Norma Winstone y a Robert Wyatt en un ejercicio de sonido Canterbury que lo inunda todo de un hálito fantasmal donde entran y salen voces e instrumentos.

Comenzaremos el segundo de los CD casi como la habíamos terminado, para que no sirva de nexo de unión con el penúltimo corte del primero, es decir con “Forest”, pero esta vez en versión instrumental.

En esta versión “B” de la composición de Robert Wyatt la “voz cantante” la lleva la doliente, distorsionada e irreverente guitarra de Mark Wingfield, mostrando una vez más su capacidad de guitarrista superior por su inventiva y versatilidad. Sin duda uno de los grandes del instrumento en la actualidad.

Sin embargo, el verdadero principio de este segundo disco se construye con el extraño y tradicional “Lir Ilir”. Dominado por las folclóricas voces de Peni Candrarini y secundado por el disonante violín de Aris Daryono, al que sucede el piano convertido en arpa ocasional de Dwiki Dharmawan y que termina en un trío swingueante al que se le suma el virtuosismo de escalas mil de la guitarra glissentar de Nicolas Meier.

“Bubuyu Bulan” muestra sus dotes más emotivas y virtuosas en una balada de corte elegante donde convergen el doliente clarinete de Gilad Atzmon y el majestuoso piano de Dwiki Dharmawan para regocijo del corazón y la mente de quien escucha.

Una vez más el incontestable Gilad Atzmon, esta vez al saxo soprano, hace las delicias en la jocosa “Frog Dance” en complicidad con el piano de Dwiki Dharmawan en una pieza a la que a buen seguro daría su aprobación el mismo Chick Corea.

En “Life It Self” nos volvemos a encontrar con la guitarra de Mark Wingfield en una composición del batería Asaf Sirkis. Mark Wingfield, suena al Pat Metheny de Offramp, convirtiendo su guitarreo en un vertiginoso tren nocturno en el parece viajar con su sumo gusto el piano de Dwiki Dharmawan y en el Yaron Stavi y Asaf Sirkis son parte fundamental.

La serena, apacible, melódica y comedida “Purnama” ofrece a un Dwiki Dharmawan entre Keith Jarrett o Lyle Mays, fino a Nicolas Meier y Yaron Stavi como Mark Egan en una pieza del gusto del American Garage de Pat Metheny.

© Enrique Farelo, 2016

Dwiki Dharmawan: Pasar Klewer

Músicos: Dwiki Dharmawan (piano acústico), Yaron Stavi (guitarra bajo), Asaf Sirkis (batería y percusiones), Mark Wingfield (guitarra eléctrica en temas 1 y 4 disco 1; temas 4 y disco 2), Nicolas Meier (guitarra glissentar en 2 y 5 disco 1; en 1 en disco 2 y guitarra acústica en 3 y 5, disco 2), Gilad Atzmon (clarinete en 2 disco 1 y 2 disco 2, saxo soprano en 3 disco 1 y en 3 disco 2), Boris Savoldelli (vocales en 4 y 5 disco 1), Aris Daryono (vocales, percusión gamelán, percusión kendang, violín rebab 3-strings en 1, 2 y 3 disco 1 y 1 disco 2), Peni Candrarini (vocales en 1 disco 2), Gamelan Jess Jegog (orquesta gamelán en 3 disco 1) y Balinese Frogs: coros en 3 disco 2)

Composiciones:
Disco 1:
“Pasar Klewer” (Dharmawan); “Spirit of Peace” (Dharmawan); “Tjampuhan” (Dharmawan, I Nyoman Windha); “Forest” (Robert Wyatt) y “London in June” (Dharmawan, Stavi, Sirkis)
Disco 2:
“Lir Ilir” (traidicional; arr.: Dharmawan); “Bubuyu Bulan” (Benny Corda; arr.: Dharmawan); “Frog Dance” (Dharmawan); “Life It Self” (Sirkis); “Purnama” (Dharamwan) y “Forest” (Robert Wyatt)

Grabado en el estudio EastCote de Phil Bagenal (Londres) el 9, 10 de junio de 2016. Boris Savoldelli partes vocales grabadas en el estudio BSS en Pisogne (Italia) el 30 de agosto de 2015. Coros femeninos de la orquesta gamelán grabados en Jakarta en mayo de 2015. Balinese frogs grabados en directo en Ubud (Bali) en agosto de 2015.

Perico Sambeat: Plays Zappa (Nuba records 2016) [CD]


No hay duda alguna. Embarcarse en una odisea como es el universo sonoro de uno de los genios del Siglo XX como es Frank Zappa, no es cosa baladí precisamente, ya que requiere de un esfuerzo y un conocimiento unidos a un sentimiento de admiración muy arraigado.

Perico Sambeat lo ha hecho y se ha sabido rodear de músicos muy afines a la causa.

La música de Zappa fue, es y será un referente al que se han arrimado todo tipo de músicos de rock, jazz o incluso de los denominados cultos, léase Pierre Boulez.

Aquí Perico Sambeat ha elegido un ramillete de composiciones muy destacadas de la carrera del descubridor del compositor del siglo XVIII, Francesco Zappa.

Quiero empezar el análisis del disco con el quinto corte, el cual es un medley entre “Imaginary Diseases” y “Tink Walks Amok”, el primero es una pieza de la cual no existe versión en estudio y la segunda pertenece al disco The Man From Utopia. Esta doble pieza exige un mayor esfuerzo y aporte a cargo de Perico Sambeat para enlazar ambas con la naturalidad necesaria. Brillantes arreglos orquestales y excelentes en los relevos de los solos con efectos que se acercan al funk.

“Zomby Woof” guarda el aroma y la esencia de estilo del original si bien éste vira hacia el funk o el soul con un sonido muy de los setenta.

“It Must Be a Camel” es otro ejercicio orquestal de arreglos precisos y sin perder de vista el espíritu de Zappa destacando los solos de Perico Sambeat e Iván Cebrián que se muestra menos corrosivo que el propio Zappa.

“Don´t You Ever Wash That Thing?” es swingueante y casi salsero al comienzo para ir transformándose en un arreglo de fusión donde destacan Perico Sambeat, la guitarra languideciente de Iván Cebrián con Miquel Asensio “Rochet” llenándolo todo con sus redobles sobre los tambores.

En “For Calvin” el humor (siempre tan presente en la música de Zappa) lo encarna el monologante trombón de Toni Belenguer aunque la composición se retuerce en busca del avant-garde y el free-jazz más complejo y creativo.

Uno cierra los ojos y cree estar ante la versión original de “Inca Roads”. Preciso Iván Cebrián en la guitarra ante las acometidas de la flauta, la trompeta con sordina y los metalófonos con un final de vértigo del saxo alto con wah wah de Perico Sambeat que sustituye al no menos vertiginoso solo de George Duke a los teclados en le versión original.

“I Promise not to Come in Your Mouth”, incluido en Zappa in New York, es elegante y turbadora destacando Voro García con solo convincente magníficamente implementado por Santi Navalón en el sintetizador y Perico Sambeat en el saxo alto.

“A Pound for a Brown” donde la música parece hablar a través de los instrumentos, manteniendo diálogos y monólogos tan inteligentes como para dar paso a solos no menos inteligentes de saxos,(Perico Sambeat y Javier Vercher) y teclados (Santi Navalón) con Julio Fuster marcando el ritmo con el bajo eléctrico.

“The Eric Dolphy Memorial Barbecue” pertenece originariamente al disco Weasels Ripped My Flesh, sin embargo, como el propio Perico Sambeat señala la versión es la que está incluida en el disco The Best Band You Never Herd in Your Life. La pieza en sí, es un amasijo de sonidos complejos que conforman un solo de todos a una donde entran y salen instrumentos sin desmayo muy en la línea del mejor avant-garde y el free-jazz tal y como sucediera en “For Calvin”.

El broche final lo pone un tema emblemático donde los haya: “Peaches en Regalia” incluido en su excepcional Hot Rats de 1969 en una versión más que digna que aporta frescura y convincentes arreglos.

Decía Frank Zappa que: “El cerebro es como un paracaídas, solo funciona si se abre” y aquí se abre, ya lo creo.

© Enrique Farelo, 2017

Marcelo Escrich Silent Trio: Charlie Haden songbook (Errabaljazz, 2016) [CD]


Quizás haya sido largo el camino a recorrer, pero ha merecido la pena. Tantos años de jazz en España encuentran así acomodo y su premio en músicos como el trío de Marcelo Escrich en un sentido homenaje al gran bajista Charlie Haden y su música.

Una obra de corte moderno, internacional y sensible que permite ser degustada con sumo gusto; piezas como caprichos, entre los que encontramos las exquisitas y breves: “Salmo Nº1 para Ch. Haden”, “Salmo Nº2 para Ch. Haden” y “Salmo Nº3 para recordar a Mauro Urriza” todas compuestas por Marcelo Escrich en un ejercicio de jazz de cámara tan cool como elegante.

Tan bella como el sonido del silencio hecho poesía es “Out of Focus”. Cuanta paz rezuma la cálida y magistral voz de Terela Gradín acunada entre las voces de la guitarra acústica de Luis Giménez y el bajo de Marcelo Escrich en “First Song”.

Con “Nice Eyes” comienza un viaje sonoro que acaricia instrumentos y oídos por igual y que no pierde comba en “There in a Dream”, tocado con guante de seda fina donde llegan efluvios de Ben Webster a través de Mikel Andueza. Sencilla y ambient con Luis Giménez en la guitarra eléctrica.

No se pierde un ápice de sensibilidad en “Our Spanish Love Song”, pieza, sin duda, escrita como banda sonora de una película imaginaria. Con tan poco no se puede decir más: “In the Moment”. Nostálgica y evocadora de pensamientos vividos con los años que te regala cada día la vida.

El medley llega de la mano de la profunda y suave “Here’s Looking at You/ Always Say Goodbye” y de la dialogante y swingueante “Blues in Motion/ Bay City/ Blues for Pat” que destila be-bop de alto standing para recordar a Paul Motian y Pat Metheny respectivamente, dos músicos que acompañaron a Charlie Haden en no pocos pasajes de su vida.

Diferente y distinguida es “Waltz for Ruth”, con la participación del acordeonista Javier López Jaso que le da un cierto aire tanguero que “rompe” el devenir de la obra para enriquecerla elevando el nivel aún más, si cabe.

Con “Nightfall” termina (lo que no debió terminar nunca) para sumirnos en un sueño placentero y apacible bajo las estrellas.

© Enrique Farelo, 2017

Marcelo Escrich Silent Trio: Charlie Haden Songbook

Luis Giménez (guitarras), Alberto Arteta (Saxos Tenor y Soprano), Marcelo Escrich (Arreglos y Contrabajo), con Mikel Andueza (saxo alto en 2), Terela Gradín (voz en 4) y Javier López Jaso (acordeón en 11)

1 “Nice Eyes”, 2 “There in a Dream”, 3 “Taney County”, 4 “First Song”, 5 “Our Spanish Love Song”, 6 “Salmo Nº1 para Ch. Haden”, 7 “In the Moment”, 8 “Here’s Looking at You/ Always Say Goodbye”, 9 “ Blues in Motion/ Bay City/ Blues for Pat”, 10 “Salmo Nº2 para Ch. Haden”, 11 “Waltz for Ruth”, 12 “Out of Focus”, 13 “Salmo Nº3 para recordar a Mauro Urriza”, 14 “Nightfall”
Todas las composiciones de Charlie Haden excepto 6, 10 y 13, de Marcelo Escrich

Grabado en Estudios Tío Pete, Bilbao, por Irkus Uranga, los días 8 y 9 de abril de 2016. Publicado en 2016 por Errabal Jazz.