sábado, 30 de septiembre de 2017

Igor Tavan Collective: Suite Frenética (Karonte, 2016) [Grabación]

El baterista brasileño afincado en Valencia, Igor Tavan crea su Collective con la intención de ser una marca y no un grupo que propicia los encuentros entre grandes figuras del jazz de distintas procedencias internacionales en combinación con músicos valencianos o de otras comunidades.

Cédric Hanriot y Darryl Hall, uno francés y el otro estadounidense (aunque residente en Francia) se funden con músicos de Valencia y con Ernesto Aurignac de Málaga para la grabación de éste primer trabajo del Collective que lidera Igor Tavan.

Tanto Cédric Hanriot y Darryl Hall han tocado al lado de músicos de primer nivel internacional entre los que encontramos a Danilo Pérez, Dianne Reeves, Robert Glasper, Didier Lokwood o Uri Cane entre otros.

El gusto por el surrealismo se plasma en la portada de Suite Frenética valiéndose del pintor italiano del S.XVI Giuseppe Arcimboldo y que recuerda a Carmen Miranda icono del país originario de Igor Tavan. Portada que sin duda podría editarse en vinilo para regocijo de aficionados a la pintura y el jazz.

Ocho composiciones forman el programa, si bien podríamos considerar nueve ya que el último corte (“We See”) tiene oculto la tradicional “La cucaracha”.

Sin duda si hay algo que caracteriza a ésta Suite Frenética es el dinamismo y el swing aplicado a las ganas de vivir y de ser vivido por el colectivo de Igor Tavan. Su música fluye con soltura y sin descanso sucediéndose los solos con la naturalidad y frescura que le permite la brillante técnica que atesoran cada uno de los miembros del combo.

¡Qué goce con el Fender Rhodes de Cédric Hanriot en “The Vaginator” y en “Yo’ People my People” y con la guitarra eléctrica de Iván Cebrián en la primera de ellas!

Los precisos arreglos ensamblan a la perfección en una maquinaria ya de por sí bien lubricada y que muestra sus mejores galas en “Souly”; pieza funk muy bien orquestada por el trombón de Tony Belenger con destacadas intervenciones de Ernesto Aurignac y Cédric Hanriot.

La composición “Break of Day” se pausa a la mitad para divertimento y lucimiento de Darryl Hall con un solo de bajo que vuelve a dar impulso hasta el final.

“Suite Frenética” es un homenaje a la samba y a la fiesta de la tierra que es originario Igor Tavan donde regresan Cédric Hanriot y su rhodes y el saxo soprano de Víctor Jiménez.

“Crepuscule” es por convicción una de las mejores piezas del álbum con un preciso, sutil y elegante Igor Tavan en los platos y el omnipresente Rhodes de Cédric Hanriot.

“Orgiavant” es misteriosa al comienzo, languideciente después con el saxo alto de Ernesto Aurignac y conciliador con el trombón de Toni Belenguer a la conclusión.

Solo sin acompañamiento para lucimiento personal de Darryl Hall como broche final con “We See”… y para terminar con la sorpresa de la oculta “La cucaracha”.

© Enrique Farelo, 2017
  
Igor Tavan Collective: Suite Frenética (Karonte, 2016) [Grabación]

Músicos: Ernesto Aurignac (saxo alto), Toni Belenguer (trombón), Darryl Hall (contrabajo), Cédric Hanriot (piano, Fender Rhodes), Víctor Jiménez (Saxo soprano en “The Vaginator” y “Suite Frenética”), Iván Cebrián (guitarra en “The Vaginator” y “Suite Frenética”), Manuel Hamerlinck (guitarra acústica en “Suite Frenética”) e Igor Tavan (batería)

Composiciones: “The Vaginator” (Tony Belenger), “Yo’ People my People” (Darryl Hall), “Souly”(Cedric Hanriot), “Break of Day” (Darryl Hall), “Suite Frenética”(Igor Tavan), “Crepuscule” (Cedric Hanriot), “Orgiavant” (Tony Belenger) y “We See” (Thelonius Monk)/ “La cucaracha” (tradicional)


Grabado en el 2016 en live session. Publicado por Karonte

viernes, 8 de septiembre de 2017

Machine Mass: Plays Hendrix (moonjune records 2017) [Grabación]


Tercer trabajo del grupo para el sello Moonjune Records desde el año 2011 en el que grabaron  As Real As Thinking y que dio paso a Inti en el 2014.

Plays Hendrix incluye un teclista como Antoine Guenet frente al saxofonista, clarinetista Jordi Grognard Bansuri de As Real As Thinking y el gran Dave Liebman de Inti.

Antoine Guenet es miembro de The Wrong Object o de Univers Zero en su obra Phosphorescent Dreams de 2014 o de los belgas SH.TG.N en su álbum de homónimo de debut SH.TG.N (2012).

Algunos pueden considerar una osadía interpretar la música de Jimi Hendrix bajo el prisma que te ofrece la libertad de tres músicos creativos en clave de jazz progresivo que retuercen y “componen” de otra manera cada una de las piezas elegidas, pero cuando hablamos de Machine Mass esto se minimizada engrandeciendo su personal punto de vista.

El tercer trabajo de Machine Mass es una nueva afirmación del poderío imaginativo para llevar más allá su propuesta como grupo y como instrumentistas que construye y deconstruye cada composición original para hacerla suya.

Nueve temas grabados en directo y sin artificialidades, ni overdubs, sin red y con toda la autenticidad de la que hacen gala este trío que cuenta con dos terceras partes de otro de los grupos fuertes de moonjune records como es Doubt.

El álbum muestras sus cartas desde el inicio con una propuesta compacta, coherente que no permite la distracción hasta la finalización de una obra tan desafiante como vanguardista que basa su sonido en la lejana década de los 60 del pasado siglo valiéndose de características propias de la psicodelia ácida y corrosiva personalizadas en Michel Delville y Antoine Guenet con el aporte inteligente, sutil y contundente, según el caso, de Tony Bianco en los tambores.

Esta “caja de Pandora” que es Plays Hendrix se abre con “Third Stone From The Sun” una pieza equilibrada que arrima su ascua al jazz-rock sin remilgos ni ocultaciones, con descaro y maestría creando adicción desde el inicio a la conclusión.

Una obra sin altibajos creativos que nos hace perder la cabeza por momentos como en “Spanish Castle Magic” con la lisérgica y progresiva combinación de guitarra y teclados de Michel Delville y Antoine Guenet o que te deja sin aire y quemándote el cerebro en “Fire” o en “Voodoo Chile”.

En “Burning Of The Midnight Lamp” destaca Antoine Guenet con un piano solemne que da paso a un órgano distorsionado que lo acapara todo hasta el final. “You Got Me Floatin’” es abrasiva hasta límites insospechados e infernales. Es un vuelo por un incandescente río de lava tan intenso y distorsionado que no parece tener final buscando lo eterno y encontrando el equilibrio de lo inteligente y lo enérgico.

Plays Hendrix no agota las posibilidades de la música de Jimi Hendrix. Por el contrario abre multitud de puertas. ¡Encuentra la tuya!

© Enrique Farelo, 2017

Machine Mass: Plays Hendrix (moonjune records 2017)

Michel Delville (guitarra eléctrica, Roland GR09, loops, stylophone, electrónica, samples), Tony Bianco (bacteria y percusión) y Antoine Guenet (teclados, sintetizador, piano acústico)

1 “Third Stone From The Sun”, 2 “Purple Haze”, 3 “Little Wing”, 4 “Spanish Castle Magic”, 5 “Fire”, 6 “Voodoo Chile”,7 “Burning Of The Midnight Lamp”, 8 “You Got Me Floatin’”, 9 “The Wind Cries Mary”.
Todas las composiciones de Jimi Hendrix.


Grabado en directo en el estudio 5 Liége (Bélgica) el 18 de marzo de 2016. Publicado en 2017 por Moonjune Records.

sábado, 2 de septiembre de 2017

Marcos Pin: Broken Artist (Freecode Jazz Records, 2016) [CD]

La carátula de Broken Artist (imita a los singles de vinilo en una carpeta de cartón en 17×17 cm en una edición limitada a 150 ejemplares), parece reivindicar la posición actual del artista en la sociedad y más concretamente del músico de jazz en el mundo y en España, algo que viene a coincidir con un pensamiento propio que señala la existencia de la ingente cantidad de excelentes músicos que ofrecen su música a un escenario vacío de oídos.

Es indudable que Marcos Pin hace la música que quiere por encima de presiones mediáticas que parecen marcar el camino a seguir; para ello se vale de un quinteto de músicos muy enteros y preparados que viajan a ese pasado donde el hard bop brillaba con luz propia, y lo hacen con frescura, imaginación e inteligencia disfrutando y haciendo participes de su gozo a todos aquellos que quieran prestase a su encanto.

Seis composiciones completan Broken Artist, de las cuales cinco son propias de Marcos Pin y una ajena, “Carmen’s Cal” de Malcolm Stilton. Todas ellas caracterizadas por el buen gusto, la calidad indudable y la comunión con que se ensamblan a la perfección todos los componentes.

Destacar una composición sobre otra se me antoja complicado. El álbum se abre con “Blind Hope”, pieza dinámica y swingueante que se adaptaría a la perfección para un arreglo de big band y donde se suceden los solos de Pablo Castanho, Marcos Pin, Yago Vázquez y Alfonso Calvo en una clara demostración del hard bop más recalcitrante.

Continuamos con “Lullaby For My Two Boys”, una preciosa baladita exquisita y breve como un suave beso.

 “I Love You Too” sigue el camino abierto por “Blind hope” y destaca por ser una pieza de solida conjunción entre todos los componentes, especialmente entre Pablo Castanho, Yago Vázquez y Marcos Pin, aderezada por una fina capa de swing.

En “Castanho’s Reed” los solos son brillantes y convincentes y ligeramente virados al blues.

En “Carmen’s Call” podemos hablar de intensidad y energía con un Pablo Castanho quejumbroso y enrabietado con Yago Vázquez superlativo al piano y Marcos Pin conciliador, discursivo y dialogante.

“Vulpecula” echa el cierre de manera pausada y comedida economizando las intervenciones que se suceden con precisión matemática y que hacen referencia a la constelación del mismo nombre y cuyas estrellas bien pudieran ser los miembros del quinteto.

Broken Artist es como los buenos vinos siempre nos dejan impregnados de su aroma y sabor instalados en nuestra memoria.

© Enrique Farelo, 2016

Marcos Pin: Broken Artist

Composiciones: “Blind Hope”, “Lullaby For My Two Boys”, “I Love You Too”, “Castanho’s Reed” “Carmen’s Cal”, y “Vulpecula”.
Música compuesta y arreglada por Marcos Pin, excepto “Carmen’s Cal” de Malcolm Stilton

Músicos: Marcos Pin (guitarra eléctrica), Yago Vázquez (piano), Pablo Castanho (saxo alto y soprano), Alfonso Calvo (contrabajo) y Andrés Rivas (batería)


Grabado el 21 de agosto de 2014 por Tomás Angeitos en el estudio de A Ponte (Santiago de Compostela).Freecode Jazz Records en Mayo 2016.

viernes, 1 de septiembre de 2017

Dusan Jevtovic: No Answer (MoonJune Records, 2017)

Dusan Jevtovic: No Answer (MoonJune Records, 2017)
Podemos considerar No Answer como el tercer trabajo de Dusan Jevtovic junto con On The Edge (2009, L’Indi, España) y Am I Walking Wrong (MoonJune, 2013), si bien Live es un disco editado en formato digital y grabado en el 24 de abril y el 4 julio de 2014 entre Serbia y Barcelona.
Para la ocasión se rodea del serbio y compatriota Vasil Hadzimanov y del israleí Asaf Sirkis contando todos ellos con una dilatada carrera a sus espaldas después de haber tocado junto a músicos del calibre de Antonio Sánchez, David Binney, Xavi Reija, Tony Levin, Mark Egan, kenny Wheeler, Gary Husband, Soft Machine Legacy etc…
Con cierto aire de misterio recordando a Pete La Roca en su álbum Turkish Women at the Bath de 1967 y más concretamente a su composición “Bliss” comienza su andadura No Answer a través de “Al Aire – Soko Bira” corte minimalista protagonizado por el piano acústico de Vasil Hadzimanov y secundado por Dusan Jevtovic y Asaf Sirkis.
Puro ejercicio de jazz-rock progresivo en “Frusci”(¿dedicado a John Frusciante de Red Hot Chili Peppers?) que comienza como acaba; pieza con alternancias entre la guitarra eléctrica de Dusan Jevtovic y el Fender Rhodes en fuzz de Vasil Hadzimanov que en ciertos momentos recuerda al grupo inglés de los años 70 Isotope o a la Mahavishnu Orchestra.
En “Yo Sin Mi” y en “Prayer”, Dusan Jevtovic se acerca a un sonido más poético en conexión con el sello ECM Records, su guitarra se asemeja a John Abercrombie y el piano de Vasil Hadzimanov y la batería de Asaf Sirkis bien pudieran ser John Taylor y Jon Christensen respectivamente.
“No Answer” muestra sus mejores galas de intensidad flamígera, sonido distorsionado y alargado de la guitarra de Dusan Jevtovic para que el piano acústico de Vasil Hadzimanov atempere con un sonido de menor intensidad y equilibrio.
En cortes como “A Ver” no se aleja demasiado de la Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin y su obra The Inner Mounting Flame de 1971; “Lifetime” no deja de ser un guiño a otra de las bandas míticas del jazz-rock como la Tony Williams Lifetime del propio Tony Williams, John McLaughlin y Larry Young.
En “El Oro” Dusan Jevtovic toma las riendas al inicio con unos punteos claros y elegantes y unas armonías que se irán repitiendo a lo largo de todo el tema para que Vasil Hadzimanov se luzca en el relevo con el piano y libere toda su intensidad en un solo de Asaf Sirkis pleno de rotundidad y técnica. ¿Billy Cobham?
“The Place with a View” pone el broche final y lo hace con un sonido hermanado y estructurado en un línea armónica similar a la ofrecida en “Frusci” con melódicos punteos que se repiten al principio y al final de ambos.
No Answer en resumidas se me antoja como un álbum altamente recomendable a los incondicionales o no, del jazz-rock progresivo.

© Enrique Farelo, 2017

Dusan Jevtovic: No Answer

Dusan Jevtovic (guitarra eléctrica), Vasil Hadzimanov (piano acústico, Fender Rhodes y Mini Moog) y Asaf Sirkis (batería)
1 “Al Aire – Soko Bira”, 2 “Frusci”, 3 “Yo Sin Mi”, 4 “No Answer”, 5 “A Ver”, 6 “Prayer”, 7 “Lifetime”, 8 “El Oro”, 9 “The Place with a View”
Todas las composiciones y arreglos de Dusan Jevtovic.
Grabado en directo en el estudio Jesús Rovira, en La Casa Murada de Banyeres del Penedés, España el 22 y 23 Febrero de 2016. Publicado en 2017 por MoonJune Records.

martes, 1 de agosto de 2017

Dusan Jevtovic: avanzando bien hacia el lado oscuro de la improvisación, por Enrique Farelo, Carlos Lara y Sergio Cabanillas

El serbio afincado en Barcelona Dusan Jevtovic es uno de los guitarristas más innovadores del momento, formando parte de una generación de músicos para quienes el rock y el jazz forman parte de un crisol en el que confluyen varias fuerzas creativas. Su propuesta musical ha merecido la confianza de uno de los sellos más prestigiosos de los últimos tiempos, Moonjune Records, que dirige Leonardo Pavkovic. Su último trabajo como líder hasta la fecha es Am I walking Wrong? (2013), donde Jevtovic muestra una gran motivación hacia la creatividad, el compromiso y la complejidad.

Desde 2005 colabora con el batería catalán Xavi Reija, primero en el DX Project (2Sides) y a partir de ahí con otros interesantes proyectos como el Xavi Reija Quintet, que editó Dreamland en 2006 y Rithual en 2008. El último proyecto en el que ha colaborado con Xavi Reija es Resolution (2014), también para el sello Moonjune.

Sobre su trayectoria profesional y sus inquietudes sobre el momento que atraviesan las músicas creativas en las que se desenvuelve, habla en la siguiente entrevista.

                                   Dusan Jevtovic © Endika Ussia

Tomajazz: Hay una clara evolución desde una fusión eléctrica de los trabajos anteriores hacia la improvisación más abierta y la exploración del sonido y las texturas. ¿Qué factores han influido para esa transición?

Dusan Jevtovic: En mi caso, ha sido un proceso largo de investigación, estudio y al final la búsqueda, que es lo que a mí realmente me gusta e inspira. Una de las cosas principales es el sonido. Pedales y loops han cambiado mucho mi manera de pensar en la música y la composición.

Tomajazz: Se aprecian paralelismos entre Am I Walking Wrong? y el nuevo trabajo a trío de Xavi Reija Resolution ¿Has sido tú quien los ha atraído al “lado oscuro” de la improvisación y los ha animado a explorarlo?

Dusan Jevtovic: Creo que ambos discos por un lado tienen su propia vida y estética, pero también suenan algo parecido, más que nada por el sonido de la guitarra. También puedo decir que, en un año, que es la diferencia de tiempo entre una y otra grabación, hemos evolucionado mucho. El sonido es aún más fresco y más oscuro, si lo vemos así.

Tomajazz: Tanto Am I Walking Wrong? como Resolution ¿Son los discos más comprometidos y complejos que has grabado hasta la fecha?

Dusan Jevtovic: Sin ninguna duda. Creo que por fin hemos llegado a tener nuestra propia voz, estar muy cómodos con todo lo que hacemos y felices de poder compartir nuestra música en todo el mundo.

Tomajazz: Tanto tú como Xavi Reija habéis sido los primeros músicos de España en grabar con el sello Moonjune Records de Leonardo Pavkovic y ambos sois miembros de proyectos afines. ¿Qué importancia concedéis a este hecho?

Dusan Jevtovic: Los últimos tiempos han hecho que la manera de editar o sacar un disco cambie mucho. Creo que los músicos sabíamos muy bien qué aspectos en la industria musical ya no funcionaban, pero el problema surgió porque no teníamos tan claro qué hacer. En esto sí que nos ayudó Leonardo con su sello Moonjune.

   
                         2Sides DX Project Stachmo Records, 2006
                          Dusan Jevtovic On The Edge L'Indi Records, 2009
                                                                   
                Dusan Jevtovic Am I Walking Wrong? Moonjune Records, 2013

Tomajazz: ¿Cómo conocisteis a Leonardo “Moonjune” Pavkovic y cómo ha sido vuestra relación con él?

Dusan Jevtovic: A Leonardo lo conocí a través de internet. Creo que él leyó una entrevista de Enrique Farelo con Xavi Reija y allí es donde empezó a investigar sobre mí. Durante muchísimos años estuvimos en contacto compartiendo ideas y nuestra pasión por la música. Al finalizar la grabación de Am I Walking Wrong? surgió la idea de sacarlo con su discográfica.

Tomajazz: Ambos conocéis la experiencia de la autoedición. ¿Qué os aporta trabajar con un sello como Moonjune? ¿Ventajas e inconvenientes?

Dusan Jevtovic: Para mí es una experiencia única. El trabajo que está haciendo Leonardo es impresionante. Incluso ahora, ocho meses después de que saliera el disco, siguen las reseñas, las entrevistas, radios, etc. Leonardo no para y es un privilegio estar en su plantilla. Creo que, por desgracia, en España no tenemos a nadie con tanta energía y conocimiento sobre management o promoción de grupos o músicos de jazz, blues o fusión.

Tomajazz: ¿Creéis que hay un público en España para este tipo de música?

Dusan Jevtovic: Público hay en todos los sitios del mundo, pero muy poco. De Leonardo aprendí que es importante llegar a todos aquellos a quienes les gustaría conocer tu música. Al final todo suma, y se puede llegar a un número mayor de personas que moviéndose a nivel local.

Tomajazz: ¿Qué repercusión está teniendo el disco dentro y fuera de nuestras fronteras a nivel de crítica?

Dusan Jevtovic: En mi caso estamos muy contentos. Más de cien reseñas, radios, etc. Las críticas han salido en todas las revistas o paginas web o blogs del mundo progresivo en todo el mundo. Creo que he tenido sólo una reseña menos favorable sobre el disco, pero tampoco es negativa. Sin duda, hemos superado todas nuestras expectativas.

Tomajazz: ¿Qué respuesta tienen ambos proyectos entre los programadores?

Dusan Jevtovic: De momento tengo un manager de fuera, y hemos empezado a mover el proyecto ya que la promoción, es decir, la primera fase, se está acabando. A finales de verano ya empezaremos a tocar, de momento fuera de España. Intento no buscar donde no hay posibilidades, o al menos donde las cosas no fluyen. Se están haciendo contactos en todo el mundo tanto con mi management o con Leonardo, que siempre está con nosotros.

                                 Dusan Jevtovic © Andrea Nieto

Tomajazz: “Los músicos tienen que cobrar menos por sus actuaciones”. Estas declaraciones están atribuidas al ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert. ¿Qué opináis de semejante perla?

Dusan Jevtovic: En todos los países y todos los gobiernos del mundo muchas veces hay personas que no dominan mucho su trabajo. Gente que probablemente no vive en este planeta, pero de los que podemos depender mucho. No sé qué decir sobre esto, aunque en su momento lo leí.

Tomajazz: Es una apreciación, pero ¿has tenido mayor libertad, tanto en tiempo como en sonidos, en el disco con Xavi que en Am I Walking Wrong??

Dusan Jevtovic: Como decía antes, no es que haya tenido mayor libertad en una grabación que en la otra, simplemente he aprendido o, al menos, me he dejado llevar mucho más en la grabación de Xavi, que se hizo un año después de grabar mi disco.

Tomajazz: Utilizas muchos efectos, incluidos loops y el fuzz. ¿Por qué éste último y no otro tipo de distorsiones?

Dusan Jevtovic: Sí, el fuzz es un sonido que me inspira muchísimo. Desde que lo descubrí, no hago nada que no sea con el fuzz. Tengo una buena colección de pedales de fuzz y para mí es un sonido natural que sale de mi cuerpo. Aunque suena a fusión, yo soy muy fan del jazz y la escena underground de Nueva York. No escucho a los guitarristas de fusión de moda.

Tomajazz: ¿Para cuándo un disco de blues?

Dusan Jevtovic: Este año tocamos algunos temas para el programa de TV3 Cava de Blues y creo que han quedado bien. A ver cuándo entramos en el estudio y lo grabamos aún mejor.

Tomajazz: ¿Qué tipo de guitarras has utilizado en Resolution? ¿Son las mismas utilizadas en Am I Walking Wrong?

Dusan Jevtovic: En Am I Walking Wrong? he utilizado sólo la Fender Telecaster, y en Resolution, la Telecaster y la Fender Hybride, que es una guitarra con cuerpo de Telecaster pero pastillas de Strato.

                                      Dusan Jevtovic © Endika Ussia

 Tomajazz: Aunque llevas unos años en Barcelona eres de origen serbio, un país muy desconocido en España a nivel musical, por lo que sería interesante que nos comentaras el panorama actual del jazz en ese país.

Dusan Jevtovic: Allí hay muchísimos músicos, como en todas las partes del mundo. Buenos proyectos de jazz fusión o de blues. El país todavía sigue un poco cerrado pero se puede viajar, tocar o estudiar fuera. Hay músicos con mucho nivel.

Tomajazz: ¿Crees que Barcelona es el lugar apropiado donde puedes desarrollar a gusto tu carrera profesional?

Dusan Jevtovic: Todos los sitios tienen algo bueno y algo malo. Creo que en España se puede vivir muy bien. También es normal que a cierta edad ya pienses en moverte y hacer algo fuera. Para mí es algo natural. Viajo mucho y toco por el mundo con gente muy interesante.

Tomajazz: ¿Qué guitarristas del momento te resultan más interesantes?

Dusan Jevtovic: Yo soy muy fan de Nels Cline y John Frusciante.

Tomajazz: ¿Dónde te encuentras más a gusto en un estudio o en el concierto?

Dusan Jevtovic: Últimamente mucho más en el estudio. Hace ya muchos años que grabamos en directo sin editar la grabación después, es siempre algo muy inspirador e imprevisible. Así que supongo que, como queda grabado para escucharlo después, me gusta mucho crear allí. El estudio requiere mucha concentración para sacar lo mejor de uno mismo, porque sabe que se está grabando y queda para siempre. Me gusta la adrenalina que produce grabar en un estudio.

Tomajazz: ¿La improvisación es tu principal referencia y el territorio en el mejor te mueves?

Dusan Jevtovic: Sí, pero aunque parece o suena como algo extraordinariamente abierto y abstracto, tampoco lo es. Improviso con sonidos, ambientes y texturas, pero en la mayoría de los casos sé más o menos qué es lo que va a pasar. También funciona así en el jazz. Igual es la primera vez que hago algo de determinada forma, pero seguro que la frase, sonido o combinación de todos los elementos ya se ha probado o está controlada en mi mente de alguna manera.

                                     Dusan Jevtovic © Joan Linuxbcn

Tomajazz: ¿Qué expectativas tienes respecto a presentar tu trabajo en directo? ¿Cuándo en Madrid?

Dusan Jevtovic: La presentación de mi disco en España tendrá que esperar a otro momento por muchas razones. ¡Espero que con Xavi sí que podamos estar pronto en Madrid!

Tomajazz: Como proyectos de futuro, ¿es cierto que tenéis en ciernes un disco en común, mano a mano entre Xavi y tú?

Dusan Jevtovic: Acabamos de grabar un disco a dúo. El disco ya está en proceso de mezcla y lo tendremos en breve. A ver cómo queda.

Texto: © Enrique Farelo, Carlos Lara y Sergio Cabanillas, 2014.
Fotografías: © Endika Ussia, Andrea Nieto y Joan Linuxbcn, 2014.



martes, 20 de junio de 2017

Sanchema (Bogui Jazz, Madrid. 2017-06-14) [Concierto]

Sanchema (Bogui Jazz, Madrid. 2017-06-14)
·         Fecha: miércoles 14 de junio de 2017.
·         Lugar: Bogui jazz club (Madrid).
·         Grupo:
Sanchema
David Sancho: teclados, sintetizador y voz.
Chema Saiz: Guitarra eléctrica y voz.
Comentario:

                                            David Sancho & Chema Saiz
                                               © Sergio Cabanillas, 2017

Bastaron apenas unos segundos para mostrar las intenciones de un dúo que aglutina una variedad de posibilidades cromáticas plenas de compromiso y experimentación con sonidos que ciñen su angosta música en los brillantes años 70.
No muy lejos de propuestas lisérgicas y lunáticas de grupos como Gong o Pink Floyd pero yendo mucho más allá que éstos; proyecto de difícil catalogación y encasillamiento, de búsqueda sonora que explora caminos virginales valiéndose del Ambient, Drums&Bass, electrónica, Rock progresivo Canterbury y avanzado o Rock&Roll marciano que forma un caleidoscopio multicolor que se entrecruzan y eleva a clímax de máxima intensidad para desvanecerse en paisajes electrónicos intimistas.
Las melodías son irreconocibles y los ritmos troncales, se juega con las distorsiones provocadas y los background repetitivos que beben del inconsciente colectivo, se obtienen capítulos abstractos de una música de posibilidades imposibles.
Sanchema es la "Caja de Pandora", es la “Batidora Machine” que combina el Rock Naif con la Bossa Nova celestial en composiciones como “Pequeña canción de amor” o se sitúa al borde del abismo en “Ballade” en un descarado homenaje al grupo Yes desde un punto de vista de la música Barroca en clave de humor inteligente que hubiera santificado el mismísimo Frank Zappa y que lacra el pase primero.

                                                         Chema Saiz
                                                   © Sergio Cabanillas, 2017

Tras el paréntesis para reponernos de lo que habían visto nuestros ojos y una vez preparados para las nuevas sorpresas, David y Chema, tanto monta monta tanto, se pusieron en marcha con un dúo de voces en el que la letra pegadiza suponía un nuevo toque de humor (one, two, three, four, five….). El juego rítmico de las voces con juegos de punteos de guitarra en diferentes registros, alternando con los teclados, ponen en evidencia una amalgama de sonidos, cada vez más compactados e imprevisibles.  Sin solución de continuidad, los teclados y la guitarra aumentan la intensidad de las improvisaciones, llegando a puntos máximos y desvaneciéndose paulatinamente.
La actuación tuvo su punto más impresionante con la sorpresiva “Tocatta y Fuga” de Bach interpretada a guitarra por Chema, que también rindió homenaje en varias fases a la llamada música culta, pero interpretada a su manera. Sorpresa que se fusionó con un tema de Beatles en plan progresivo donde los teclados y la guitarra lleva la pieza a terrenos indefinidos.
El sentido del humor juega con el contraste  y con lo inesperado. Por eso escuchar de repente, casi sin venir a cuento el “Ya no puedo más” de Camilo Sexto,  refleja un elemento histriónico a añadir a los muchos que llenaron en recital. De nuevo se pone en evidencia que no importa el tema, sino cómo se interpreta.

                                                    David Sancho
                                                          © Sergio Cabanillas, 2017

 En general, los temas que interpretó este dúo tiene dos caras: una reconocible y otra en la que las referencias se pierden merced a las improvisaciones y la gestualidad free de Chema Saiz nos muestra al músico en plena creación. Y así continuó sucediendo con una versión del “Wish you were here” de los míticos Pink Floyd, de nuevo a través de improvisaciones. O en el casi irreconocible “All The Things You Are”, donde los solos de guitarra vuelven a tener la réplica de los teclados, pero en esta ocasión fueron más fieles a la clásica interpretación jazzística.
Al final, dando rienda suelta a su imaginación y capacidad para extraer los máximos sonidos a la guitarra, Chema Sainz y su compañero David Sancho se ganaron el derecho a un bis, donde el teclista pudo lucir una vez más sus dotes de organista clásico, del que seguro se ha empapado en su corta carrera.
   
Texto del primer pase: © Enrique Farelo, 2017
Texto del segundo pase: © Carlos Lara, 2017
Fotografías: © Sergio Cabanillas, 2017
Publicado originalmente en: http://www.tomajazz.com/web/?p=31011

martes, 30 de mayo de 2017

RS Faktor: Akúfeno (Errabaljazz 2016) [CD]


Tanto el comentario como la escucha de esta obra pueden hacerse de forma libre agrupando las composiciones por grupos; así podríamos empezar con RS Atlantic Faktor y subdividiendo éste, a su vez, en el que intervienen Lucía Souto y Nani García (“Verónica” y “Hércules Tower”) o en el resto que los excluye en favor de Iago Mouriño y Pablo Añón (“Jokorik Gabe”, “Fjordsong”, y “Good Times in Galicia”) para terminar con RS Basque Faktor o bien movernos libremente tal cual no apetezca.
Yo prefiero comenzar por el principio para continuar y completar las composiciones de RS Atlantic Faktor dejando para más tarde “Verónica” y “Hércules Tower” y terminar con el resto de cortes pertenecientes a RS Basque Faktor.
Uno de los momentos más turbadores del disco se manifiesta con “Jokorik Gabe”, tema con el que comienza a andar éste Akúfeno. La frescura y alternancia en los solos y los impactantes juegos de los metales te enganchan desde el inicio. El piano eléctrico de Iago Mouriño nos acerca la mirada a la década de los años 70 del pasado siglo.
En “Fjordsong”, Pablo Añón, Rubén Salvador, Iago Mouriño y Miguel Cabana se relevan en los solos de forma ordenada, amable y precisa con el apoyo y contundencia del contrabajo de Simón García con valores del clásico be-bop.
“Good Times in Galicia” rezuma un cierto sabor a los discos producidos por el sello CTI, donde la trompeta de Rubén Salvador recuerda a Freddie Hubbard y los teclados de Iago Mouriño a Chick Corea poniendo sobre el tapete la fusión como una opción más a explorar.
 La voz de Lucía Souto nos aleja de lo escuchado hasta este momento insinuando sonidos cercanos a la bossa nova con Rubén Salvador cálido al fiscorno en “Verónica”. Con “Hércules Tower” se cierra RS Atlantic Faktor. Una composición que vuelve a dar un nuevo giro, esta vez hacia el hard-bop, y lo hace con argumentos sólidos y convincentes apoyado en solos que mantienen la tensión a través de cambios de ritmo que insuflan colorido a un final abrupto.
 Con el homónimo “Akúfeno” entramos en el RS Basque Faktor, una nueva formación y un sonido más complejo y compacto que practica un hard-bop que intercala sonidos al alimón, Julen Izarra y Rubén Salvador con solos y diálogos entre éstos o entre piano (Satxa Soriazu) y bajo (Javier Mayor) o entre Satxa Soriazu y la batería de Hilario Rodeiro.
“Albayzin” es un homenaje al barrio granadino que Rubén Salvador ofrece a su sangre andaluza y cuyo comienzo no puede ser más representativo e inequívoco: jazz-flamenco que viste el contrabajo de Javier Mayor en guitarra y que se transmuta be-bop y en hard-bop con el desarrollo de la composición. Los bellos solos de la trompeta de Rubén Salvador o el saxo tenor de Julen Izarra interactúan con la sección rítmica con precisión y elegancia destilando buen gusto e implementado por una melodía eterna difícil de olvidar.
“Outubro” muestra su lado más solemne personalizado en Satxa Soriazu y en el que el saxo tenor de Julen Izarra y el fiscorno de Rubén Salvador ponen cierto aire nostálgico y bucólico que da paso a una fuga para piano donde Satxa Soriazu rompe la composición con nostálgica belleza redondeando una balada exquisita y sensible.
Con “Boa Onda” termina la exposición de este álbum de brillantes composiciones y lo hace con toda la fuerza del be-bop swingueante. Julen Izarra, Satxa Soriazu o Rubén Salvador nos hacen volar alto con el apoyo de los tambores de Hilario Rodeiro y el contrabajo de Javier Mayor.
Tomajazz: © Enrique Farelo, 2017

RS Faktor: Akúfeno (Errabaljazz 2016)
Músicos: RS Atlantic Faktor (“Jokorik Gabe”, “Fjordsong”, “Verónica”, “Hércules Tower” y “Good Times in Galicia”)
Miguel Cabana (Batería), Simón García (Contrabajo), Iago Mouriño (Piano y Teclados) y Pablo Añón (Saxo Alto) en “Jokorik gabe”, “Fjordsong”, y “Good Times in Galicia”;  Lucía Souto (Voz) y Nani García (Piano), en “Verónica” y “Hércules Tower” y Rubén Salvador (Trompeta y Fiscorno).

Músicos: RS Basque Faktor (“Akúfeno”, “Albayzin”, “Outubro” y “Boa Onda”)
Hilario Rodeiro (Batería), Javier Mayor (Contrabajo), Satxa Soriazu (Piano), Julen Izarra (Saxo Tenor) y Rubén Salvador (Trompeta y Fiscorno)

Composiciones: “Jokorik gabe”, “Akúfeno”, “Albayzin”, “Outubro”, “Fjordsong”, “Verónica”, “Boa Onda”, “Hércules Tower” y “Good Times in Galicia”.
Todas las composiciones de Rubén Salvador excepto “Outubro” de Hilario Rodeiro.

RS Atlantic Faktor grabado en Bruar Estudios de A Coruña por Xabier Ferreiro “Man” el 15/11/2015 y el 25/4/2015. RS Basque Faktor en Pottoko Studio de Beasain por Fredi Peláez el 20/1/2015.