lunes, 19 de noviembre de 2018

Avishai Cohen Trio Triveni (Café Berlín, Madrid, 2013-05-01)


VI Ciclo 1906 de Jazz

Fecha: 1 de mayo de 2013
Lugar: Café Berlín (Madrid)
Componentes:
Avishai Cohen: trompeta
Reiner Elizarde “El Negrón”: contrabajo
Iago Fernández: batería


Comentario: Convertido en improvisado “camarote de los hermanos Marx” el Café Berlín presenta un aspecto de aforo completo con muchos aficionados en la calle. La ocasión lo merecía, se presentaba en Madrid el trompetista israelí Avishai Cohen (que no guarda parentesco alguno con el bajista de mismo nombre y nacionalidad) para ofrecer parte del repertorio de su último trabajo Triveni II * (Anzic Records 2012).

                                                           Avishai Cohen Trio

El numeroso público convocado sabía muy bien a quién iba a ver y escuchar. No cabía lugar para la duda. Las primeras notas que salieron de la trompeta de Avishai Cohen silenciaron al respetuoso y entendido aficionado.

El concierto se inició con el tema de John Coltrane “Wise One” incluido en su disco Introducing Triveni (Anzic Records).El fraseo limpio, elegante, fluido y modulante impregnó la sala arrancando los primeros aplausos y entusiasmando a melómanos y simples aficionados por igual.

                                                  Avishai Cohen

En “Art Deco” (Don Cherry) en principio encontramos un ejercicio swingueante de bebop y post-bop de la década de los sesenta para paulatinamente ir acercándose al cool de Don Cherry y Miles Davis en la trompeta de Avishai Cohen con el apoyo del potente y brillante solo de Reiner Elizarde “El Negrón” al que acompaña el omnipresente Iago Fernández en los platos.

Con “Ferrara Napoly” entramos en la primera composición de Avishai Cohen y al igual que las otras dos pertenecientes a su trabajo Introducing Triveni. Caracterizado por una fuerza y vibrato de la que hacen gala los grandes trompetistas, modulando con mesura y manteniendo el control con destreza de maestro obliga a la sección rítmica a emplearse con contundencia y a fondo, donde Reiner Elizarde “El Negrón” una vez más muestra sus dotes técnicas con solvencia y Iago Fernández vuelve a ser el complemento perfecto.

                                             Reinier Elizarde

Finaliza el primer pase con dos composiciones propias “One Man’s Idea” y “Get Blue” (ambas de su disco Triveni II), en ésta última Avishai Cohen nos propone un blues disonante con sordina y cuya estructura vuelve a ser trompeta, solo de bajo y apoyo de batería.

El segundo pase comienza con una pieza que lleva por título “Safety Land” (Triveni II) y demuestra que el galardonado por la revista DownBeat Magazine en el 2012 como trompetista revelación, no es casualidad. Apenas unos cuantos minutos de ensayo previo con su bajista Reiner Elizarde “El Negrón” fueron más que suficientes para redondear una actuación digna de músicos que llevaran largo tiempo juntos. La velocidad vertiginosa, cálida, rocosa y bien armada, hizo volar a Iago Fernández sobre sus tambores.

                                               Iago Fernández

En “Amenu” (Introducing Triveni) otra vez la sordina para completar una balada apacible; en el estándar de Charlie Mingus, “Portrait” (Triveni II) se toca sugerente, libre y con mucho swing y mucho feeling con un final improvisado que completa una balada hermosa.

Es en “B.R Story” (Triveni II) donde Avishai Cohen nos recuerda al mejor Freddie Hubbard, al de Hub Of Hubbard, al vertiginoso y virtuoso y al mejor Iago Fernández de la noche.

La velada finalizó con el clásico bis de Dizzy Gillespie / Frank Paparelli : “A Night In Tunisia” en otra demostración palmaria a la improvisación y el virtuosismo que entusiasmó y satisfizo al respetable completando un concierto memorable.

Texto: © Enrique Farelo, 2013
Fotografías © Sergio Cabanillas, 2013


Avishai Cohen Quartet (JazzMadrid18. 2018-11-13) [Concierto]


JazzMadrid18

Fecha: 13 de noviembre de 2018.
Lugar: Centro Cultural Fernán Gómez. Madrid.
Grupo:
Avishai Cohen Quartet
Avishai Cohen: trompeta
Yonathan Avishai: piano
Barak Mori: contrabajo.
Ziv Ravitz: batería.


Ataviado como un hipster impecable, Avishai Cohen dio toda una lección de virtuosismo y un máster de poesía musical en el Fernán Gómez. Basando todo su repertorio en los últimos discos editados en el sello ECM, Into The Silence y Cross My Palm With Silver, demostró el porqué del prestigio que ha ido adquiriendo este músico israelí afincado en Nueva York. Así, la revista Jazz Magazine France le nombró en 2016 como mejor artista extranjero, y su disco Into the Silence fue premiado por la Academia del Jazz francesa como mejor del año. Enrico Rava lo considera el mejor trompetista joven del momento.
  

Definido como un músico de jazz multicultural, que no renuncia a utilizar los recursos eléctricos para canalizar su expresividad, se presentó en Madrid con un cuarteto acústico con el que ha grabado el último de los dos discos mencionados, con la sustitución de Nasheet Waits por Ziv Ravitz, que estuvo colosal.

Avishai es un nombre común entre los israelíes. Significa regalo de Dios. Y la verdad es que fue un auténtico regalo musical el que nos hizo este cuarteto. El concierto comenzó con dos piezas incluidas en su último trabajo “Will I die, Miss? Will I die? y “Shoot me in the Leg”. El primero con un dúo de piano y trompeta soberbio y un emocionante desarrollo, donde la finura de Avishai Cohen está perfectamente arropada por un trío muy bien engrasado. Yonathan Avishai al piano improvisa un comienzo a solo en el segundo tema para dar entrada al resto de la banda. Hay intercambios de dúos y tríos, resaltando otro dúo de Avishai Cohen y Ziv Ravitz y del trompetista con el contrabajista. Cohen emprende una serie de improvisaciones que ponen los pelos de punta.
   

El tema “Life and death” es una preciosa balada donde, por momentos, es obligado acordarse de Miles, como así sucedió en “Dream like a child”, también incluida en“In to the Silence”, con comienzo muy lírico del trompetista y una clara demostración de belleza por la sección rítmica. En “Theme for Jimmy Green”, pieza del último trabajo, el pianista comienza y le sigue el trompetista en una hermosa balada.
  

Las dos siguientes piezas fueron “Quiescence” con un texto recitado por Cohen, junto con “Into the Silence”, en el que Ziv Ravitz acomete un solo de batería intenso y largo que sirve para que el resto de la banda se exprese en uno de los momentos más creativos del concierto, con el colofón de un nuevo dúo de Avishai Cohen y Barak Mori al contrabajo. En el bis de rigor, el contrabajista se explayó en una introducción de alto voltaje que dejó en bandeja la entrada y el desarrollo del resto del cuarteto y que dio alas tanto a Yonathan Avishai como al propio Cohen para culminar su soberbia actuación.

El concierto fue una auténtica delicia, con una brillante interacción de los músicos, composiciones emocionantes y una alta energía en las improvisaciones. En conjunto, un espectáculo bello de jazz contemporáneo.

Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018


Sumrrá (JazzMadrid18. 2018-11-09) [Concierto]


JazzMadrid18
Fecha: 9 de noviembre de 2018.
Lugar: Centro Cultural Carril del Conde. Madrid.
Grupo:
Sumrrá
Manuel Gutiérrez: piano
Xacobe Martínez Antelo: contrabajo
LAR Legido: batería y percusiones
  


En los 18 años que llevan juntos Manuel Gutiérrez, Xacobe Martínez Antelo y LAR Legido, el trío gallego Sumrrá ha sabido ganarse el respeto de los aficionados a base de crear un estilo propio, coherente y pleno de creatividad. Desgraciadamente, tal y  como ocurre con otros grupos españoles, sus actuaciones fuera de  Galicia son puntuales. Por eso las visitas a Madrid crean siempre una expectación muy positiva. En esta ocasión, inmersa en el Festival de Jazz de Madrid, gracias a los aficionados del club de jazz de Portugalete en Hortaleza y a Ciudadistrito, pudimos disfrutar de un buen concierto de Sumrrá. La verdad es que se hace difícil resaltar algún pero a la actuación de este trío, que seguro que la habrá. Su manera de entender la música, donde se pueden apreciar también elementos del jazz modal, del rock o del blues siempre de una manera tangencial, gusta, y lo que es más importante provoca que el público se sienta satisfecho de lo que ha escuchado. Así lo agradecieron las personas que acudieron al auditorio de este Centro Cultural de Madrid que, además cuenta con una acústica muy apreciable. La pena fue que no pudieran entrar todas las personas que quisieron, ya que se agotó pronto el aforo del recinto.
  




Cerca de veinte años juntos dan para mucho, como proyectos, colaboraciones y sobre todo seis discos, que son un buen reflejo de la trayectoria profesional de estos músicos de Santiago.

En el concierto que nos ocupa Sumrrá se presentó sin  haber perdido ni un ápice de la frescura, la fuerza, la musicalidad y la apuesta por el riesgo que siempre le han caracterizado. Quien suscribe los vio por última vez hará unos 10 años en el mítico Johnny y en aquella actuación sorprendieron muy gratamente.

En esta ocasión aprovecharon la actuación para presentar el sexto disco de su carrera titulado 6 Mulleres, dedicado a otras tantas mujeres  que constituyen todo un ejemplo en la defensa de la dignidad femenina. Comportamientos que luchan o han luchado por mejorar la situación de la mujer en diversas partes del mundo. Cinco de los temas compuestos por Xacobe Martínez y uno a cargo del pianista Manuel Gutiérrez.
  


Fueron por tanto seis nombres de mujeres  las que centraron la actuación de Sumrrá, comenzando por “Frida Kahlo”. Pieza llena de colorido y de intensidad que empieza con el contrabajista marcando la dirección del tema. El segundo fue dedicado a la paquistaní “Malala Yousafzai”; el tercero a la estadounidense “Rosa Parks”, una pieza que irradia cierto lirismo, engarzada con un blues; el cuarto para la china “Qiu Jin”, con mucha sonoridad y colorismo; el quinto dedicado a la egipcia “Nawal Él-Saadawi”, con Manuel Gutiérrez llevando el ritmo, y la sexta y última a la escritora gallega “Rosalía de Castro”, en una emotiva interpretación a piano. El batería crea diferentes efectos con sus artilugios y juguetes para ir improvisando. Como en todos los temas el contrabajo de Xacobe Martínez proporciona al trío la brújula necesaria para que cada uno de los músicos se exprese con la libertad que requiere un grupo de las características de Sumrrá. Un bis con “Minoría Absoluta” de su segundo trabajo puso el punto final a esta nueva entrega de Sumrrá en Madrid. Esperemos que no vuelvan a pasar tantos años hasta su próxima visita.

Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018

domingo, 11 de noviembre de 2018

Jim Black – Elias Stemeseder “Bunky Swirl” (JazzMadrid18. 2018-11-07) [Concierto]


Fecha: 7 de noviembre de 2018.
Lugar: CentroCentro. Auditorio Caja de Música. Madrid
Grupo:
Jim Black & Elias Stemeseder “Bunky Swirl”
Elias Stemeseder: piano y sintetizadores
Jim Black: batería y percusión
  


Con una dilatada carrera a sus espaldas, Jim Black se ha ganado un nombre dentro del jazz de vanguardia norteamericano. Siempre dispuesto a experimentar y aportar nuevas ideas, sus compañeros de viaje son nada menos que Tim Berne, Dave Douglas, Uri Caine, Ellery Eskelin, Kris Davis o Hank Roberts. Así, se ha convertido en uno de los pilares del jazz progresivo y un batería muy demandado, con varios proyectos en marcha. Junto al aclamado joven pianista austriaco Elías Stemeseder y el bajista de Nueva York, Thomas Morgan, mantiene un excelente trío, que constituye una eficiente prueba de un jazz distinguido por sus arreglos, ritmos complejos y expresividad improvisada.
  


Al margen de cualquier catalogación, lo que sobresale en la actuación de Jim Black y Elias Stemeseder es la libertad plena con la que ambos músicos se expresan. Una libertad creativa con la que dibujan constantes paisajes sonoros. Los dos músicos proponen sus discursos y a veces se producen intersecciones que actúan como resortes, que nos ponen en estado de alerta o bien nos tranquilizan. Hay mucho de juego psicológico en una música que parece transitar hacia ninguna parte, pero en la que al final todo van adquiriendo un sentido.
  


Stemeseder muestra diferentes cadencias al piano y ofrece diferentes efectos con el sintetizador, mientras Black se convierte en una fuente de ritmos en distinta intensidad. Entre tantos sonidos asimétricos, también aparecen melodías apacibles que nos vuelven a bajar a la realidad después del trance. El caos también puede ser bello. Entre la música electrónica de Karlheinz Stockhausen y la atonidad de Arnold Schönberg, se abrieron campos infinitos de posibilidades sonoras que, asociados a la libertad creativa de la batería y la percusión, nos llevan actualmente por los nuevos derroteros de la improvisación libre. Y el dúo Jim Black y Elias Stemeseder saben aprovechar al máximo su gran sabiduría musical.

Texto: © Carlos Lara, 2018
Fotografías: © Enrique Farelo, 2018

miércoles, 7 de noviembre de 2018

Gonzalo del Val con Dave Liebman & Ronan Guilfoyle: Standards in Dublin (Quadrant records 2018) [Grabación]


Parece que “la ocasión la pintaban calva” y no era cuestión de denostarla. El batería de Miranda de Ebro Gonzalo del Val aprovechó la oportunidad que se le brindó para tocar codo con codo con una leyenda viva del jazz como es Dave Liebman y aderezarlo con la compañía del bajista irlandés Ronan Guilfoyle.

Standards in Dublin componen un programa integrado por 12 estándar no excesivamente conocidos y tratados con singularidad, en el que tres breves solos de batería (“JJ’x”, “Redhead” y “Chocolates”) sirven de basamento para darle cierto aire de obra conceptual.

Piezas como “Gingerbread Boy” abren el menú con cierto aire cool, sonido seco y gruñón del saxo tenor de Dave Liebman, pulsación entera y contundente de Ronan Guilfoyle y precisión de Gonzalo del Val a los platos para continuar con “Remember”, una pieza de características similares en clave de balada con fuerte presencia de Ronan Guilfoyle y la brillante intervención de Dave Liebman al saxo soprano que se completa con el intercambio de las escobillas y las baquetas duras de Gonzalo del Val.

A “The Song is you” le precede el solo de batería “JJ ‘s” a modo introductorio. Sonido interactivo entre Dave Liebman y Gonzalo del Val al que se suma el bajista irlandés para formar un triángulo equilátero que se rompe para una corta y solitaria intervención de batería de Gonzalo del Val.

Con fuerza comienza “Mushi Mushi” donde cobra protagonismo el contrabajo de Ronan Guilfoyle que se multiplica para dar paso al tenor y a la batería que dialogan entre sí hasta desarrollar un sonido conjunto y sucio que desemboca en un solo de Gonzalo del Val y termina con el trío desapareciendo…

Discursivo y latino, “Palabras” muestra el lado de mayor feeling saboreando las mieles del protagonismo del saxo soprano de Dave Liebman al que Ronan Guilfoyle responde sin pudor y Gonzalo del Val es observador activo.

Tras la brevedad introductoria de la batería de Gonzalo del Val en “Redhead” recoge el testigo la swingueante “That Old Feeling”. “Summer Night” es dinámica, alegre y discursiva en la persona de Dave Liebman que retuerce el sonido de su saxo soprano con infinitas notas.

Todas las piezas del programa son breves, mientras que “Pannonica” es la más extensa y Dave Liebman luce al inicio con su solo de tenor que llega a recordar a Ben Webster por su ternura aterciopelada, esencia de bep-bop, balada a tres con Ronan Guilfoyle muy presente y Gonzalo del Val completando espacios sin dejar resquicio.

En “Chocolates” se frotan los parches y se pone el marcha un imaginario tren llamado “Theme for Ernie” que languidece intimista y reflexivo emparentándose con “Pannonica”.

© Enrique Farelo, 2018

Gonzalo del Val con Dave Liebman & Ronan Guilfoyle: Standards in Dublin

Músicos: Dave Liebman (saxos tenor y soprano), Ronan Guilfoyle (contrabajo) y Gonzalo del Val (batería)

Composiciones: “Gingerbread Boy” (Jimmy Heath), 2 “Remember” (Steve Swallow), 3 “JJ ‘s” (Drum Solo – G.del Val), 4 “The Song is you” (J. Kern – O. Hammerstein II), 5 “Mushi Mushi” (Dewey Redman), 6 “Palabras” (Marta Valdés), 7 “Redhead” (Drum Solo – G. Del Val), 8 “That Old Feeling” (L.Brown – S.Fain), 9 “Summer Night” (H.Warren – A.Dubin), 10 “Pannonica” (T.Monk), 11 “Chocolates” (Drum Solo – G.del Val), 12 “Theme for Ernie” (F.Lacey).

Grabado el 30 septiembre de 2017 en Buckley’s House of Horns estudios de Dublín (Irlanda). Publicado en 2018 por Quadrant Records

domingo, 4 de noviembre de 2018

Maria Schneider Jazz Orchestra (Festival Jazzmadrid 15, Conde Duque, Madrid. 2015-11-15) CONCIERTO


Fecha: Domingo 15 de Noviembre de 2015.
Lugar: Auditorio del Centro Cultural Conde Duque (Madrid).
Grupo:
Maria Schneider Jazz Orchestra
Maria Schneider, directora
Steve Wilson, Dave Pietro, Rich Perry, Scott Robinson, vientos
Greg Gisbert, Augie Haas, Frank Greene, Mike Rodriguez, trompetas
Keith O’Quinn, Ryan Keberle, Marshall Gilkes, George Flynn, trombones
Ron Oswanski, acordeón
Lage Lund, guitarra
Frank Kimbrough, piano
Jay Anderson, bajo
Johnathan Blake, batería.


Maria Schneider es un personaje suficientemente conocido en el mundo del jazz, prueba de ello es el lleno con que fue acogida. Colaboradora de Gil Evans y Bob Brookmeyer o Sting en bandas sonoras como El Color Del Dinero y Absolute Beginners. “The Maria Schneider Jazz Orchestra” fue fundada en el año 1993, siendo su disco del año 2004, Concert in the Garden, el que obtuvo el Grammy Award como mejor disco del año para grupo de gran formato y dándose la circunstancia de ser el primer disco publicado exclusivamente vía Internet.

Con este bagaje no es de extrañar el interés suscitado entre el público madrileño. Su reciente trabajo publicado, The Thompson Fields (2015) primero en siete años después de Sky Blue, es un motivo más que sumar a su presencia en el Festival Jazzmadrid 2015.


En cuanto al concierto en sí, fueron desfilando la casi totalidad de composiciones que forman parte de este último trabajo, (“Nimbus”, “The Monarch and The Milkweed”, “The Thompson Fields”, “Home” y “Walking By Flashlight” ) además de la inclusión de “Last Season” y “Gumba Blue” (Evanescence, 1992) y “Hang Gliding” (Allegresse 2000)

La Maria Schneider Jazz Orchestra es un frondoso bosque poblado de grandes árboles que son los instrumentistas que lo componen y es a su vez una máquina donde cada músico es una pieza imprescindible aun cuando no brillan como solistas y se mantienen en un segundo plano.

Música llena de lirismo, romanticismo y solemnidad heráldica tan descriptiva a veces que parece la banda sonora de una película imaginaria.


Muy apreciables estas características en el tema que da título a su último trabajo, “The Thompson Fields”, donde a la apacible guitarra de Lage Lund le acompaña el piano de Frank Kimbrough, el acordeón de Ron Oswanski y la batería de baquetas blandas de Johnathan Blake, ofreciendo ricos matices coloristas y aires bucólicos con la incorporación del resto de la orquesta. Evocaciones otoñales como hojas volubles que caen y cubren el suelo formando una alfombra de diferentes tonalidades y donde la María Schneider Jazz Orchestra se transmuta en una sinfonía de imaginarios violines.

En “Hang Gliding” el precioso y aterciopelado solo de fliscorno de Greg Gisbert, con el acompañamiento del pianista Frank Kimbrough, al que la orquesta dio abrigo y textura, sirvió para que el saxo tenor de Dave Pietro, con un arrebato propio de una locomotora a vapor de potencia superlativa y velocidad de vértigo, nos llevará a tocar el cielo con los dedos.


 Enormes ambos en los solos, Steve Wilson al saxo tenor en “Nimbus” y Mike Rodriguez en “Gumba Blue” a rompedora trompeta abierta.

“Walking By Flashlight”, a modo de bis, fue un regalo de ternura impresionista y descriptiva, profunda e ingenua que salía sin pausa de la boca del saxo barítono de Scott Robinson para deleite y disfrute de quienes degustaron el último capítulo de este libro que es la música de Maria Schneider.

Más que un deseo, una realidad, a buen seguro que este no será su “Ultimo jazz en Madrid” de Maria Schneider.

Texto y Fotografías: © Enrique Farelo, 2015

Rita Marcotulli European Leaders (Festival Internacional de Jazz de Madrid, Centro Cultural Conde Duque, Madrid. 2015-11-23) CONCIERTO


Festival Internacional de Jazz de Madrid

Fecha: lunes 23 de Noviembre de 2015.
Lugar: Auditorio del Centro Cultural Conde Duque (Madrid).
Grupo: Rita Marcotulli European Leaders Tour 2015
Rita Marcotulli: piano y teclados, líder
Klaus Hovmann: contrabajo
Marilyn Mazur: batería, percusiones y voz
Andy Sheppard: saxos tenor y soprano
Nguyen Le: guitarra eléctrica.

                                           Rita Marcotulli-European Leaders

La pianista italiana Rita Marcotulli tiene un vasto bagaje artístico que viene refrendado por el hecho de haber trabajado al lado de artistas como Peter Erskine, Chet Baker, Steve Grossman, Joe Henderson, Enrico Rava, Aldo Romano, Joe Lovano, Charlie Mariano, Tony Oxley, Michel Portal, Richard Galliano o Kenny Wheeler entre otros, lo que le da unas posibilidades enormes a la hora de componer e interpretar su música.

Artista ecléctica forma European Leaders con el objetivo de dar rienda suelta a sus conocimientos y para ello se rodea de músicos de diversa procedencia y estilo.

                                                 Rita Marcotulli

Así, Klaus Hovmann, es un contrabajista danés de reconocido prestigio; Nguyen Le es un guitarrista franco-vietnamita que se aproxima al jazz-rock de los setenta introduciendo sonidos del lejano oriente; Andy Sheppard es un saxofonista británico de reconocida solvencia y habitual en ECM Records, al igual que la percusionista norteamericana Marilyn Mazur que fue colaboradora de Miles Davis o Jan Garbarek.

De esta guisa se presentaron en el festival de jazz de Madrid 2015, con la sana intención de bordear la world music y la fusión en general, valiéndose de la personalísima guitarra de Nguyen Le que la transforma en no sabría definir qué instrumento étnico asiático, o la propia Rita Marcotulli con los teclados o el piano preparado transformándolo en un sitar. La voz y las percusiones de Marilyn Mazur rememoran a los Weather Report y, Klaus Hovmann y sobre todo Andy Sheppard al sonido cool y europeo del sello de Manfred Eicher.

                                                Marilyn Mazur

No en vano composiciones como “Simple” (Marilyn Mazur) me pone sobre la pista de la música hindú practicada por Charlie Mariano en su obra Bangalore de 1998 y en su maravilloso trabajo al lado del grupo alemán Embryo, We Keep On de 1972.

                                                 Andy Sheppard

En “Le Mains D’alice” de Andy Sheppard, la atmosférica, espacial, asiática y lisérgica guitarra de Nguyen Le nos invita a la meditación y el viaje astral con el acompañamiento de la voz clara y cristalina del saxo soprano de Andy Sheppard que llega a recordar al grupo Gong y su disco Shamal (1975).

                                                           Nguyen Le

Enérgicos y magníficos otra vez Andy Sheppard y Nguyen Le en su interactuación con el acompañamiento de las percusiones flotantes de Marilyn Mazur en “Bee” (Nguyen Le) con lo que aparentemente finalizó el concierto y la retirada del grupo a bastidores.

                          Marilyn Mazur-Andy Sheppard-Klaus Hovmann

Pero la insistencia del público obligó a los protagonistas a tocar una nueva pieza: “Hen Ho” de Nguyen Le, en la cual, el sonido avant-garde, las disonancias y concordancias del piano de Rita Marcotulli, el bajo de Klaus Hovmann, la batería de Marilyn Mazur con la guitarra de Nguyen Le y el saxo soprano de Andy Sheppard obligó a los asistentes a ponerse en pié para aplaudir y ovacionar a los European Leaders en su despedida.
  
Texto y Fotografías: © Enrique Farelo, 2015