jueves, 11 de marzo de 2021

Orquestra Galega de Liberación: Orquestra Galega de Liberación (Autoeditado, 2021)

 


La Orquestra Galega de Liberación lo conforman 17 músicos residentes en Galicia y nace con una clara vocación vanguardista, improvisativa y de investigación donde no falta un guiño a la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden.

Concierto totalmente improvisado y compuesto en tiempo real. Dirigido por Xacobe Martínez Antelo mediante técnicas de dirección ensayadas por la orquesta antes del concierto.

El número de piezas que conformaron el concierto ascendió a 10, como hubiera podido quedarse en una sola. Sin saber de antemano ni la cantidad ni el tipo de música a desarrollar, el “bautizo” de los cortes vino después de la música y no antes.

No existen dudas cuando hablamos de improvisación que los músicos intervinientes deben conocer su oficio, pues de lo contario sería una temeridad difícil de soportar por el hecho consumado de trabajar en tiempo real y sin red. El producto obtenido de esta ecuación es realmente tan satisfactorio como arriesgado. Música difícil para tiempos no menos difíciles donde el verbo fluye libremente improvisado desde la inicial “A Chamada” hasta la definitiva “Somos Un”.

Por momentos se arrima al RIO de formaciones como Henry Cow en pasajes de “O que garda sempre ten” o se torna fantasmal y contemporánea con las voces en “Vintage spacewalk”.

La guitarra de Antonio Bravo y Manuel Cebrián juntamente con la cuerda frotada le dan un aire jazzy en “Apuntamentos sobre o distanciamento social”; la muy vocal “Be music, my friend” nos habla de opera improvisada con mensajes sin palabras y sonidos obsesivo-repetitivos con un Antonio Bravo que pone la parte progresiva.

“Intro a Liberdade” y “A Liberdade” unen fuerzas con la libre improvisación y el minimalismo melódico vocal encarnado en Rubén Fernández al que se le suma Sheila Patricia.

El saxo tenor de Xosé Miguélez comienza a capella en “XL kind of men” para concluir el resto de la orquesta.

Onomatopeyas delirantes y neuróticas en forma de risas anónimas en “Supertrascendente” donde Max Gómez y LAR Legido marcan el paso firme rememorando a Max Roach, M’Boom y al zeuhl del grupo francés Magma.

“Somos Un” es la pieza de mayor aporte jazzístico del álbum con una destacada labor de Javier Pereiro a la trompeta y una de las mejor definidas.

© Enrique Farelo, 2021

Orquestra Galega de Liberación: Orquestra Galega de Liberación

Xacobe Martínez Antelo (dirección); Max Gómez (batería); LAR Legido (batería); Javier Pereiro (trompeta); Olivier Cano (saxo alto); Xosé Miguélez (saxo tenor); Diego Alonso (saxo tenor); Rosolino Marinello (clarinete bajo); Rubén Fernández (voz); Sheila Patricia (voz); Antonio Bravo (guitarra); Manuel Cebrián (guitarra); Elena Vázquez (violín); María José Pámpano (viola); Macarena Montesinos (violonchelo) y Saúl Puga (contrabajo).

“A Chamada”; “O que garda sempre ten”; “Vintage spacewalk”; “Apuntamentos sobre o distanciamento social”; “Be music, my friend”; “Intro a Liberdade”; “A Liberdade”; “XL kind of men”; “Supertrascendente” y “Somos Un”.

Todas las composiciones improvisadas en tiempo real mediante técnicas de improvisación dirigida.

Grabado en  directo en el teatro Principal de Santiago de Compostela el 12 de septiembre de 2020. Publicado en 2021.


Dwiki Dharmawan: Hari Ketiga (Moonjune Records, 2020)

 


Hari Ketiga es una propuesta desconcertante, extraña y envolvente que te atrae creando una adicción de la que no eres capaz de liberarte. Es una ópera cósmica y vanguardista, es un viaje más allá de los confines del sistema solar, difícil de asimilar por su comprensión y fusión de estilos que pasan por el free-jazz, música tradicional indonesia, rock progresivo italiano, música clásica contemporánea o sonidos ambient.

Compuesta por nueve actos o movimientos a modo conceptual y desarrollos largos.

Hay tal cantidad de música que no es apta para mentes profanas. Su riqueza sonora invita al escuchante a una atención/dedicación profunda y a un disfrute que deja huella por su imaginación e impredecible desarrollo.

En “The Earth” se aúna la pasión, el orden, el caos y la riqueza estética donde Boris Savoldelli, en ocasiones, rememora a Robert Wyatt y en otras su voz reverbera cual eco cósmico. El piano de Dwiki Dharmawan es la calma, es cordura y es lirico, pero también es intensidad, confusión y misterio. Markus Reuter y Asaf Sirkis son sutiles como caricia de terciopelo.

En los inicios de “The Man” se encarna la voz gutural, doliente y quejumbrosa de Boris Savoldelli, la corrosiva guitarra de Markus Reuter pausada por el piano de Dwiki Dharmawan y la caótica batería de Asaf Sirkis para encaminarse hacia lugares sombríos y escabrosos donde premia el desorden y la desesperación, el enigma y la composición en tiempo real.

Delirios de ópera cósmica contemporánea y free-jazz en una fuga a piano solo de Dwiki Dharmawan que se funde en un abrazo con una multitud ingente de voces cuánticas libre improvisadas que se desvanecen en la infinidad del espacio.

Música etérea, voces muertas del espacio infinito desembocan en un final liberador.

De “The Event Horizon” podríamos hablar de jazz sideral, de scat en la voz de Boris Savoldelli, de atmósferas etéreas de fondo o de un piano intenso y progresivo de Dwiki Dharmawan en el que no se ausenta el swing.

“The Loneliness of the Universe” es libre improvisación, música contemporánea, vanguardia lisérgica, psicología transpersonal de estados alterados de conciencia y caos cósmico.

“You’ll Never Be Alone”; es de un swing delirante y apasionado que se fragmenta en mil enigmáticos pedazos.

“The Truth – The Fact Is Done” es tribal, festiva e hipnótica, pero también corrosiva, alucinógena, lunática y sorprendente por inclasificable, algo que tiene su continuidad inicialmente en la hinduista y dramática “The Perpetual Motion” para terminar desembocando en un final de locura.

Con “The Deal” flotamos ingrávidos como si de una experiencia extra corporal se tratara, como lo haría un astronauta perdido en el aterrador, frío e infinito espacio.

Esta insólita aventura, esta extraña obra maestra inclasificable llega a su fin con “The Memory of Things”, y lo hace siguiendo la línea de coherencia que la caracteriza  desde el inicio, es decir, música creativa, original, diferente e inusual que sorprende a cada paso dado, rica en matices y texturas y que a nadie dejará indiferente.

 © Enrique Farelo, 2021

 Dwiki Dharmawan: Hari Ketiga (moonjune records 2020)

Dwiki Dharmawan (Piano acústico, Mini Moog, Fender Rhodes, Harmonium, Vocales y ruidos ambientales), Boris Savoldelli (Voz, efectos vocales y Electrónica), Asaf Sirkis (Batería y Percusiones y ruidos ambientales) y  Markus Reuter (Touch Guitars® AU8 y Electrónica) con Jeremias Pah (Voz y Sasando en “The Memory Of Things”); Endi Pah (Voz y Tambura) y Jonas Mooy, Inggu Ndolu Art Group (Voces, Sasando, Gong y Tambura) en “The Perpetual Motion”.

Disco 1: Acto I: “The Earth”; Acto II: “The Man” y Acto 3: “The Event Horizon”.

Disco 2: Acto IV: “The Loneliness of the Universe”; Acto V: “You’ll Never Be Alone”; Acto VI: “The Truth – The Fact Is Done”; Acto VII: “The Perpetual Motion”; Acto VIII: “The Deal” y Acto IX: “The Memory of Things”.

Música compuesta e interpretada por Dwiki Dharmawan, Boris Savoldelli, Markus Reuter, Asaf Sirkis.

Historia y letra de Alessandro Ducoli (con la ayuda de Luca Morzenti).

Grabado en vivo en el estudio de Jesús Rovira de La Casamurada, Banyeres del Penedés, Catalunya, España el 17 de mayo de 2017. Publicado en 2020 por MoonJune Records.


sábado, 13 de febrero de 2021

Keith Jarrett: Budapest Concert (ECM, 2020)

 

A finales del pasado mes de octubre de 2020, Keith Jarrett declaró en el The New York Times, que sufrió un derrame cerebral en febrero de 2018, y otro en mayo de ese mismo año, lo que casi le descarta para volver a tocar el piano y le retira de la escena del jazz y de la música.

Ya en 1996 una extraña enfermedad diagnosticada como síndrome de fatiga crónica le puso contra las cuerdas. Tras dos años de retiro reapareció en 1998, para 20 años más tarde sufrir el mencionado derrame cerebral.

Todo esto no hace sino dar un valor añadido a éste su último trabajo publicado y grabado en directo en Budapest y que lleva por título Budapest Concert.

Budapest Concert es un doble CD a piano solo, como no podía ser de otra manera, tal como ya hiciera en el pasado con obras de profundo calado como: The Köln Concert o Solo Concerts: Bregenz/München.

Budapest Concert fue grabado el 3 de julio de 2016 en la Sala Nacional de Conciertos Béla Bartók en Budapest y lo integran doce improvisaciones y dos piezas “It’s A Lonesome Old Town” y “Answer Me” cuya autoría corre a cargo de Harry Tobias, y Charles Kisco, la primera y de Gerhard Winkler y Fred Rauch la segunda.

Budapest Concert sale al mercado después de Múnich 2016 que fue grabado posteriormente el 16 de julio de 2016 con el mismo número de improvisaciones y tres composiciones entre las que se incluye “It’s A Lonesome Old Town” y “Answer me my Love” e implementada por la afamada “Somewhere over the Rainbow” de Harold Arlen.

De Keith Jarrett se pueden decir muchas cosas y todas serían acertadas, pero de pocos se pueden decir con tanto acierto que fue desde sus inicios uno de los grandes pianistas del jazz (estilo que transcendió con creces) y que su obra como pianista en directo es de las más frescas y creativas que se pueden escuchar.

Budapest Concert vive de la improvisación como esencia, combinando pasajes de enérgica pasión con otros de pausada tranquilidad. Todo esto es, y ha sido posible con Keith Jarrett, un músico, un pianista, que ejerce como médium a través del cual pasa la música como una ofrenda espiritual y cuyos escorzos y sonidos guturales se sirven para la unión mística entre músico e instrumento. Piano y pianista forman la pareja indisoluble donde encontramos tanta cordura como sana locura y donde ambos hacen el amor buscando un orgasmo que parece no tener fin.

Los ecos de su música nunca dejaran de sonar ante su aparente tristeza que se tornará en alegría y conciencia del inconsciente colectivo de la Música.

 

© Enrique Farelo, 2021

 

Keith Jarrett: Budapest Concert (ECM, 2020)

lunes, 28 de diciembre de 2020

Mannheimer Schlagwerk / Markus Reuter: Sun Trance (MoonJune Records 2020)

 


Sun Trance es una obra de tintes vanguardistas y experimentales interpretada en directo por Mannheimer Schlagwerk (grupo de percusionistas dirigido por el vibrafonista suizo Dennis Kuhn) al que se le une Markus Reuter para interpretar una única pieza, la cual da título álbum.

Una inusual y original obra que no duda en hibridar el minimalismo con el ambient y donde no parece acontecer nada y es mucho lo que pasa. En Sun Trance todo es movimiento como cuando las nubes se deslizan al son del viento, su vuelo es imperceptible pero real.

Sun Trance es aparente e ilusoria como la vida, transcurre sin sobresaltos pero sin detenerse. Es un juego pausado de silencios y pasajes Frippertronics, de matices y rincones texturados encarnados en Markus Reuter.

Sun Trance nos lleva lejos desde la quietud misteriosa y oscura rememorando obras como No Pussyfooting (1973) de Robert Fripp y Brian Eno o la exitosa Music for 18 Musicians del compositor minimalista Steve Reich.

Sun Trance se adormece en un hálito vaporoso e indolente hasta extinguir su luz.

                                                                                                               © Enrique Farelo, 2020

Markus Reuter (Touch Guitars® AU8, Soundscapes), Dennis Kuhn y Ti-Hsien Lai (Vibráfono), Patrick Baumann (Guitarra Eléctrica) Luis Andrés Chavarría Báez y Lukas Heckmann (Xilófono), Marius Fink y Oğuz Akbaş (Crotales, Shaker), Hye-Rim Ma (Sintetizador), Linda-Philomène Tsoungui (Batería),  Johannes Engelhardt (Bajo) y Maria Wunder (Bajo Clarinete).

“Sun Trance” 36:24

Tema compuesto por Markus Reuter.

Grabado en directo  el 23 de mayo de 2017 en Alte Feuerwache, Mannheim (Alemania).

Publicado en 2020 por MoonJune Records.


martes, 8 de diciembre de 2020

Tete Montoliu y Pedro Iturralde: Una pregunta sin respuesta.

 

Tete Montoliu (28 de marzo de 1933/24 de agosto de 1997) y Pedro Iturralde (13 de julio de 1929/1 de noviembre de 2020) dos leyendas del jazz nacional en vida y ahora que ya no están, dos músicos de nutrido reconocimiento internacional, dos clásicos eternos; el primero un blanco de alma negra, un invidente desde la cuna de visión clarividente, y el segundo un inventor que creó el jazz-flamenco, un visionario que dio la alternativa a Paco de Algeciras seudónimo de Paco de Lucía.

Un pianista y un saxofonista que perduraran en la memoria colectiva de todo aficionado al jazz y a la Música, me atrevería a afirmar.

Dos luceros en el horizonte del jazz nacional, faro y guía que aun hoy alimentan generaciones presentes, lo hicieron con generaciones pasadas y los harán con las venideras.

Nacidos para caminar juntos sus vidas como artistas nunca llegaron a juntarse, bueno quizás en algún lugar perdido en la memoria del tiempo, allá por los años 60 en el desaparecido club, Whisky Jazz de Madrid donde compartieron escenario.

Vidas paralelas que nunca llegaron a cortarse en el espacio y cuyos sonidos nunca se refugiaron en un estudio de grabación.

Dos músicos sin registros en común y muchos por separado que formula una pregunta que posiblemente tenga respuesta en algún lugar indeterminado del espacio-tiempo que solo ellos conocen.

 

Texto: © Enrique Farelo, 2020

Ilustraciones: © Kuto, 2020


jueves, 3 de diciembre de 2020

Suso Saiz “Ambient Jazz Trio” (Festival Internacional de Jazz de Madrid, Centro Cultural Conde Duque, Madrid. 2020-11-26)

Fecha: Jueves, 26 de noviembre de 2020.

Lugar: Centro Cultural Fernán Gómez (Madrid).

Grupo:

Suso Saiz “Ambient Jazz Trio”

Suso Saiz: guitarra y electrónica.

Toño Miguel: contrabajo.

Borja Barrueta: batería.

Una propuesta claramente experimental reunió a muchos aficionados a un tipo de música que no suelen frecuentar los recitales de jazz. Muchas caras jóvenes se dieron cita en el Centro Cultural Fernán Gómez para disfrutar de los discursos electrónicos de Suso Saiz. En esta ocasión acompañado por Toño Miguel al contrabajo y Borja Barrueta a la batería.

 

Los sonidos hipnóticos de Suso Saiz fueron teniendo sus réplicas en una sección rítmica que desde la primera fase del concierto se lanzó de cabeza hacia los ritmos improvisados. Borja Barrueta se fue incorporando al contexto sonoro que Saiz creaba con suaves redobles con las mazas. Mientras, quizá un tanto más incomodado al principio se encontraba Toño Miguel al contrabajo. Poco a poco éste también fue encontrando su sitio. Sobre todo, en los momentos en que los dos mostraban una recíproca complicidad.

La música de Suso Saiz tiene una gran carga de expresividad. No exige su completa comprensión por parte de los oyentes, pero sí que sea sentida a través de distintos imputs emocionales. Para ello se sirve de diferentes elementos o capas que van llenando su universo sonoro. La guitarra distorsionada es una herramienta más con la que incorpora en su repertorio los distintos riffs repetitivos para crear variadas atmósferas sonoras.

 

El experimento tuvo sus momentos llenos de fases duras con torrentes de sonido y sin apenas referencias melódicas y otras en las que era mejor dejarse llevar por meandros minimalistas. A su lado, Toño Miguel y Borja Barrueta bastante hicieron dando una lección de pura improvisación en un terreno en el que no era nada fácil pisar con seguridad.


Texto: © Carlos Lara, 2020

Fotografías: © Enrique Farelo, 2020

 

Marco Mezquida-Beethoven Collage 2020 (JazzMadrid20 – Festival Internacional de Jazz de Madrid) [Concierto de jazz]

 JazzMadrid20 – Festival Internacional de Jazz de Madrid.

 

Fecha: 27 de noviembre de 2020.

Lugar: Auditorio Nacional de Música. Sala de Cámara (Madrid)

Grupo:

Marco Mezquida-Beethoven Collage 2020

Marco Mezquida: piano y composiciones.

Pablo Selnik: flauta.

Masa Kamaguchi: contrabajo.

David Xirgu: batería.

No parece casualidad sino más bien una intencionalidad el llevar este homenaje al compositor alemán Ludwig van Beethoven, al Auditorio Nacional de Música de Madrid con motivo del 250º aniversario de su nacimiento.


La música de Marco Mezquida se acerca al Third Stream tal y como ya lo hiciera, el también pianista, Claude Bolling en sus colaboraciones con intérpretes de música clásica en la década de los años 70 del pasado siglo, entre los que encontrábamos a Jean-Pierre Rampal, Alexandre Lagoya, Pinchas Zukerman, Maurice André o Yo-Yo Ma.Qué gran acierto lo de titular collage a lo que realmente es éste Beethoven Collage donde se aúnan y se mezclan con libertad absoluta todo lo que para la “Música culta” sería toda una irreverencia y una osadía propia de locos soñadores.


Aquí la música del maestro de Bonn es transfigurada, deconstruida, construida, revisada y fundida en una marmita de alquimista por manos e intelecto de Marco Mezquida y los arreglos del nipón Masa Kamaguchi.

La flauta de Pablo Selnik me retrotrajo a la época en la que el colíder del grupo holandés Focus, Thijs Van Leer, produjo una serie de discos de música clásica y que llevaron por título Introspection.

Fino y elegante, a la par que sutil mostró sus dotes de percusionista David Xirgu.

El concierto en sí, ofreció lo que parecía ser una “sinfonía collage”, obra conceptual  para cuarteto de jazz, sin apenas pausa ni silencio entre las composiciones y dividido en dos partes; la primera finalizó con el Concierto del Emperador habiendo comenzado con la Sonata 23 y, quedando para la segunda, el primer movimiento y el cuarto de la Quinta Sinfonía, un extracto de la Séptima sinfonía, la Sonata nº 30 y el Himno a la alegría de la Novena Sinfonía. Todo con gran aceptación del numeroso público que abarrotaba la sala (dadas las circunstancias especiales del Covid-19).

Los movimientos de la Quinta Sinfonía no estuvieron exentos de swing y el Himno a la Alegría produjo una incesante lluvia de aplausos.

Especialmente reseñable y turbadora fue la interpretación de la Sonata nº 30, para mayor gloria de Marco Mezquida, que utilizó sus dedos como martillos o como mariposas según el caso, ya fuera para expresar pasión o lirismo.

Como deseo, ya solo queda esperar a que lo visto y disfrutado se plasme en disco, ya que a día de hoy no existe registro de éste Beethoven Collage.


Texto: © Enrique Farelo, 2020

Fotografías: © CNDM – Elvira Megías, 2020