Soft Works: Abracadabra in Osaka (Moonjune Records 2020)

 

Que Soft Works es el sueño de Leonardo Pavkovic y que es la génesis de Moonjune records y la herencia más directa de los primigenios Soft Machine no deja de ser una certeza palmaria.

Soft Works nacieron del proyecto Soft Ware de Elton Dean que además contaba con el concurso de Keith Tippett al piano, Hugh Hopper al bajo y John Marshall a la batería.

La “nueva banda” tuvo sus dificultades a la hora de ser formada, tres miembros fijos buscaban un cuarto para completar el cuadro. Entre los elegidos se encontraban el propio Keith Tippett, Mike Ratledge o Dave Stewart, los cuales por unas razones u otras renunciaron a integrar el grupo; otros fueron los caminos y otro instrumento e instrumentista el que al fin cerrara la formación. El elegido fue uno de los más influyentes guitarristas británicos: Allan Holdsworth.

Soft Works solo grabó un álbum de estudio, Abracadabra 2003 y otro en directo, el presente Abracadabra In Osaka.

Las piezas “Facelift” y “Kings and Queens” son pertenecientes al tercer y cuarto álbum de Soft Machine y “Calyx” está incluido en el disco Hatfield & The North del grupo Canterbury del mismo nombre; el resto son todos los títulos de Abracadabra, incluida “Alphrazallan” que apareció en la versión japonesa como bonus track.

Este documento musical de sonido excelso tiene un valor añadido por el hecho de ser irrepetible ya que de los cuatro miembros que lo formaron solo continua batallando John Marshall desde su particular almena de parches y platillos.

“Seven Formerly” sirve de pistoletazo de salida desde una perspectiva calmada que va tomando cuerpo con el trascurrir del tiempo en diálogos entre el saxo alto de Elton Dean y Allan Holdsworth que el propio guitarrista se encarga de hacer lucir con un destacado y ácido solo.

En “Alphrazallan” es Allan Holdsworth quien luce con amplitud; en “Elsewhere” el synthAxe de Allan nos abre un camino de paisajes y atmósferas tenues al que replica el saxo de Elton Dean.

Piezas como “Baker’s Trea” son un motivo para le preciosa, elegante y fluida intervención del saxello de Elton Dean relevado con maestría por el corrosivo Allan Holdsworth y completado por el baquetear de las escobillas de John Marshall y el tímbrico sonido del Fender Rhodes del propio Elton Dean.

“Calyx” es una composición solida de complejidad sonora donde todos los miembros del cuarteto tienen cabida; “Kings & Queens” cierra el primer disco de manera magistral y sonido Canterbury a modo de Soft Machine.

Con “Abracadabra” se inicia el segundo disco de manera vigorosa y doliente como un lamento en la embocadura del saxello de Elton Dean y el apoyo contundente de Hugh Hopper y John Marshall que cierra el abrasivo Allan Holdsworth.

Al inicio de “Madame Vintage Suite” un mundo de ensoñación se materializa en el synthAxe de Allan Holdsworth frente a los redobles de tambores y platillos de John Marshall, y en un segundo, es éste, quien se contrapone a un guitarreo flamígero en un mano a mano entre ambos.

La versión de Soft Machine Legacy, “Has Riff” es realmente convincente, intensa y redonda y uno de los momentos álgidos del disco. Fenomenal Elton Dean al saxo y al Fender Rhodes con un Allan Holdsworth estelar e implementados por un John Marshall y un Hugh Hopper magistrales.

“First Trane” es el homenaje de Hugh Hopper a John Coltrane y cuyos roles se los reparten generosamente Elton Dean y Allan Holdsworth y en menor medida Hugh Hopper y su fuzz bass con John Marshall ejerciendo de metrónomo.

El impactante broche final lo pone “Facelift” con un aire de marcado carácter jazz progresivo encarnado en el saxello de Elton Dean al que secunda Allan Holdsworth con el synthAxe más ambient y en el que el propio guitarrista, tomando el relevo, demuestra su virtuosismo en otro destacado solo.

© Enrique Farelo, 2021

Soft Works: Abracadabra in Osaka

Elton Dean (saxo alto, saxello, piano eléctrico Fender Rhodes), Allan Holdsworth (guitarra eléctrica y synthAxe), Hugh Hopper (bajo) y John Marshall (batería).

Disco 1: “Seven Formerly” (Elton Dean); “Alphrazallan” (Allan Holdsworth); “Elsewhere” (Hugh Hopper); “Baker’s Trea” (Elton Dean); “Calyx” (Phil Miller) y “Kings & Queens” (Hugh Hopper)

Disco 2: “Abracadabra” (Hugh Hopper); “Madame Vintage Suite” (Allan Holdsworth y John Marshall); “Has Riff”; (M. Ratledge, Hugh Hopper y Dean); “First Trane” (Hugh Hopper) y “Facelift” (Hugh Hopper).

Grabado en concierto en Osaka el 11 de agosto de 2003. Publicado en 2021 por Moonjune Records.

Scott DuBois: Summer Water (Watertone Music Records 2021)

Summer Water es el sexto álbum del guitarrista y compositor de Chicago, y el tercer capítulo  de una saga iniciada por Winter Light (ACT, 2015) continuada por Autumn Wind (ACT, 2017) y dedicada a las estaciones del año y a los elementos “alquimistas”, (luz, ¿por fuego?, viento y agua) por lo que preconizo que la siguiente entrega vendrá de la mano de la tierra y la primavera.

Summer Water supone un poemario sonoro integrado por 11 poemas fotográficos, hipnóticos, tímbricos, serenos y reverberantes cual rumor del correr del agua.

Once composiciones apacibles y agradables que son recorridos por oídos inquietos a los que se les unen los ojos de la imaginación.

Summer Water es la musa que respira, aspira y se inspira en la fuente de la fresca creación. Summer Water viene auspiciado por el recogimiento intimista y reflexivo, por la belleza y el  encanto sereno de la descripción paisajística impresionista y expresionista, de sonidos cristalinos, de suaves y tiernos ecos que acarician tus sentidos penetrando sutilmente en tu yo interno.

Summer Water no se queda en la superficie sino que ahonda en la profundidad del ser, es música para una nueva era, pero no es new age. Es natural, es cercana y te envuelve como una suave brisa vaporosa, te hacer gozar sin ser una fiesta.

En ocasiones indolente e ingrávida, en otras corre ligera o vuela en busca de la luz tibia o luminosa. A veces las turbulencias apagan sus ecos en la nada o se esconden en el incipiente anochecer.

Scott DuBois se vale de su instrumento para contar historias que emanan del alma.

Su música es una ofrenda más allá del jazz o de cualquier estilo y tú el poseedor de sus sueños.

© Enrique Farelo, 2021

Scott DuBois-Summer Water (Watertone Music records 2021)

Scott DuBois (guitarra eléctrica)

“Into River Fog”, “River Otters”, “River Driftwood”, “Summer Light on Rushing River”, “River Before the Storm”, “Storm Where the River Meets the Sea”, “Sea Before the Storm”, “Summer Light on Billowing Sea”, “Sea Driftwood”, “Sea Otters” y “Into Sea Fog”.

Todas las composiciones de Scott DuBois.

Grabado en el estudio Watertone Music de Chicago en diciembre de 2019.

Publicado en 2021 por Watertone Music Records.

Javier Navas Quartet: Fresh Stars (Autoeditado, 2018)

 

Javier Navas Quartet más Enrique Oliver: Fresh Stars (Autoproducido 2018)

Javier Navas (vibráfono), Enrique Oliver (saxo tenor y soprano), Juan Galiardo (piano y Rhodes), Bori Albero (bajo) y Dani Domínguez (batería)

“Vivir para Mirar”, “Sail Away”, “El Buscador”, “She Was Right”, “El Ritmo Nos Gobierna”, “Cuando Fuimos Estrellas”, “Llegada Imposible”, “Rumbo al Este” y “Fresh Stars”.

Todas las composiciones de Javier Navas excepto “Sail Away” de Tom Harrell.

Grabado el 18 y 19 de junio de 2018 en los estudios FJR (Granada)

La verdad es que pensar en clave de vibrafonistas españoles es un ejercicio difícil de superar. A bote pronto no son muchos, o son más bien escasos los nombres que se me vienen a la cabeza: quizás Arturo Serra o Geni Barry y poco más, y reconociendo que a estos dos músicos no los conozco en demasía.

Con Javier Navas podríamos señalar que se cierra el tridente del vibráfono nacional.

Fresh Start es su segundo trabajo como líder, siendo el primero Finally in my hands publicado en 2016 por Ambar Records con la misma instrumentación y formación.

Abre “Vivir para Mirar” y lo hace con la frescura que aporta el cool sin dejar de lado el swing que sale de las baquetas de Javier Navas al que se une el piano de Juan Galiardo para mantener una conversación intensa; en “Sail Away” la capacidad camaleónica de Enrique Oliver marca el inicio transformando su saxo soprano en una melódica, donde además brillan la sensibilidad de Juan Galiardo y el omnipresente Javier Navas.

Piezas como “El Buscador” se retroalimentan de sonidos y características propias del be-bop rezumando swing sin pudor y con mucha alegría. “She Was Right” es la única composición que no lleva la autoría de Javier Navas sino de Tom Harrell y podríamos definirla como un bolero sin letra y sonido amable donde un metrónomo o un reloj marcan el paso del tiempo.

“El Ritmo Nos Gobierna” se agarra con fuerza al swing con tanta libertad como soltura donde destacan Juan Galiardo y Javier Navas; de sonido más denso y elaborado se muestra “Cuando Fuimos Estrellas” cobrando protagonismo Javier Navas, Juan Galiardo y el saxo tenor de Enrique Oliver.

“Llegada Imposible” destaca por la riqueza de matices e imaginativos cambios de ritmo abanderados por un “enfurecido” saxo tenor (Enrique Oliver) al que le sigue el veloz vibráfono de Javier Navas, el swingueante piano de Juan Galiardo y cuyo boche lo pone Bori Albero.

“Rumbo al Este” gusta de la combinación elegante y sofisticada del piano Rhodes y el vibráfono de Juan Galiardo y Javier Navas que nos acerca al jazz de fusión desde la perspectiva setentera.

Se abrocha Fresh Stars con “Fresh Stars” donde todos participan para lucimiento de Enrique Oliver y Javier Navas sobre todos los demás.

                                                                                                         © Enrique Farelo, 2021

 Javier Navas Quartet más Enrique Oliver: Fresh Stars (Autoproducido 2018)

 

Orquestra Galega de Liberación: Orquestra Galega de Liberación (Autoeditado, 2021)

 

La Orquestra Galega de Liberación lo conforman 17 músicos residentes en Galicia y nace con una clara vocación vanguardista, improvisativa y de investigación donde no falta un guiño a la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden.

Concierto totalmente improvisado y compuesto en tiempo real. Dirigido por Xacobe Martínez Antelo mediante técnicas de dirección ensayadas por la orquesta antes del concierto.

El número de piezas que conformaron el concierto ascendió a 10, como hubiera podido quedarse en una sola. Sin saber de antemano ni la cantidad ni el tipo de música a desarrollar, el “bautizo” de los cortes vino después de la música y no antes.

No existen dudas cuando hablamos de improvisación que los músicos intervinientes deben conocer su oficio, pues de lo contario sería una temeridad difícil de soportar por el hecho consumado de trabajar en tiempo real y sin red. El producto obtenido de esta ecuación es realmente tan satisfactorio como arriesgado. Música difícil para tiempos no menos difíciles donde el verbo fluye libremente improvisado desde la inicial “A Chamada” hasta la definitiva “Somos Un”.

Por momentos se arrima al RIO de formaciones como Henry Cow en pasajes de “O que garda sempre ten” o se torna fantasmal y contemporánea con las voces en “Vintage spacewalk”.

La guitarra de Antonio Bravo y Manuel Cebrián juntamente con la cuerda frotada le dan un aire jazzy en “Apuntamentos sobre o distanciamento social”; la muy vocal “Be music, my friend” nos habla de opera improvisada con mensajes sin palabras y sonidos obsesivo-repetitivos con un Antonio Bravo que pone la parte progresiva.

“Intro a Liberdade” y “A Liberdade” unen fuerzas con la libre improvisación y el minimalismo melódico vocal encarnado en Rubén Fernández al que se le suma Sheila Patricia.

El saxo tenor de Xosé Miguélez comienza a capella en “XL kind of men” para concluir el resto de la orquesta.

Onomatopeyas delirantes y neuróticas en forma de risas anónimas en “Supertrascendente” donde Max Gómez y LAR Legido marcan el paso firme rememorando a Max Roach, M’Boom y al zeuhl del grupo francés Magma.

“Somos Un” es la pieza de mayor aporte jazzístico del álbum con una destacada labor de Javier Pereiro a la trompeta y una de las mejor definidas.

© Enrique Farelo, 2021

Orquestra Galega de Liberación: Orquestra Galega de Liberación

Xacobe Martínez Antelo (dirección); Max Gómez (batería); LAR Legido (batería); Javier Pereiro (trompeta); Olivier Cano (saxo alto); Xosé Miguélez (saxo tenor); Diego Alonso (saxo tenor); Rosolino Marinello (clarinete bajo); Rubén Fernández (voz); Sheila Patricia (voz); Antonio Bravo (guitarra); Manuel Cebrián (guitarra); Elena Vázquez (violín); María José Pámpano (viola); Macarena Montesinos (violonchelo) y Saúl Puga (contrabajo).

“A Chamada”; “O que garda sempre ten”; “Vintage spacewalk”; “Apuntamentos sobre o distanciamento social”; “Be music, my friend”; “Intro a Liberdade”; “A Liberdade”; “XL kind of men”; “Supertrascendente” y “Somos Un”.

Todas las composiciones improvisadas en tiempo real mediante técnicas de improvisación dirigida.

Grabado en  directo en el teatro Principal de Santiago de Compostela el 12 de septiembre de 2020. Publicado en 2021.

Dwiki Dharmawan: Hari Ketiga (Moonjune Records, 2020)

 

Hari Ketiga es una propuesta desconcertante, extraña y envolvente que te atrae creando una adicción de la que no eres capaz de liberarte. Es una ópera cósmica y vanguardista, es un viaje más allá de los confines del sistema solar, difícil de asimilar por su comprensión y fusión de estilos que pasan por el free-jazz, música tradicional indonesia, rock progresivo italiano, música clásica contemporánea o sonidos ambient.

Compuesta por nueve actos o movimientos a modo conceptual y desarrollos largos.

Hay tal cantidad de música que no es apta para mentes profanas. Su riqueza sonora invita al escuchante a una atención/dedicación profunda y a un disfrute que deja huella por su imaginación e impredecible desarrollo.

En “The Earth” se aúna la pasión, el orden, el caos y la riqueza estética donde Boris Savoldelli, en ocasiones, rememora a Robert Wyatt y en otras su voz reverbera cual eco cósmico. El piano de Dwiki Dharmawan es la calma, es cordura y es lirico, pero también es intensidad, confusión y misterio. Markus Reuter y Asaf Sirkis son sutiles como caricia de terciopelo.

En los inicios de “The Man” se encarna la voz gutural, doliente y quejumbrosa de Boris Savoldelli, la corrosiva guitarra de Markus Reuter pausada por el piano de Dwiki Dharmawan y la caótica batería de Asaf Sirkis para encaminarse hacia lugares sombríos y escabrosos donde premia el desorden y la desesperación, el enigma y la composición en tiempo real.

Delirios de ópera cósmica contemporánea y free-jazz en una fuga a piano solo de Dwiki Dharmawan que se funde en un abrazo con una multitud ingente de voces cuánticas libre improvisadas que se desvanecen en la infinidad del espacio.

Música etérea, voces muertas del espacio infinito desembocan en un final liberador.

De “The Event Horizon” podríamos hablar de jazz sideral, de scat en la voz de Boris Savoldelli, de atmósferas etéreas de fondo o de un piano intenso y progresivo de Dwiki Dharmawan en el que no se ausenta el swing.

“The Loneliness of the Universe” es libre improvisación, música contemporánea, vanguardia lisérgica, psicología transpersonal de estados alterados de conciencia y caos cósmico.

“You’ll Never Be Alone”; es de un swing delirante y apasionado que se fragmenta en mil enigmáticos pedazos.

“The Truth – The Fact Is Done” es tribal, festiva e hipnótica, pero también corrosiva, alucinógena, lunática y sorprendente por inclasificable, algo que tiene su continuidad inicialmente en la hinduista y dramática “The Perpetual Motion” para terminar desembocando en un final de locura.

Con “The Deal” flotamos ingrávidos como si de una experiencia extra corporal se tratara, como lo haría un astronauta perdido en el aterrador, frío e infinito espacio.

Esta insólita aventura, esta extraña obra maestra inclasificable llega a su fin con “The Memory of Things”, y lo hace siguiendo la línea de coherencia que la caracteriza  desde el inicio, es decir, música creativa, original, diferente e inusual que sorprende a cada paso dado, rica en matices y texturas y que a nadie dejará indiferente.

 © Enrique Farelo, 2021

 Dwiki Dharmawan: Hari Ketiga (moonjune records 2020)

Dwiki Dharmawan (Piano acústico, Mini Moog, Fender Rhodes, Harmonium, Vocales y ruidos ambientales), Boris Savoldelli (Voz, efectos vocales y Electrónica), Asaf Sirkis (Batería y Percusiones y ruidos ambientales) y  Markus Reuter (Touch Guitars® AU8 y Electrónica) con Jeremias Pah (Voz y Sasando en “The Memory Of Things”); Endi Pah (Voz y Tambura) y Jonas Mooy, Inggu Ndolu Art Group (Voces, Sasando, Gong y Tambura) en “The Perpetual Motion”.

Disco 1: Acto I: “The Earth”; Acto II: “The Man” y Acto 3: “The Event Horizon”.

Disco 2: Acto IV: “The Loneliness of the Universe”; Acto V: “You’ll Never Be Alone”; Acto VI: “The Truth – The Fact Is Done”; Acto VII: “The Perpetual Motion”; Acto VIII: “The Deal” y Acto IX: “The Memory of Things”.

Música compuesta e interpretada por Dwiki Dharmawan, Boris Savoldelli, Markus Reuter, Asaf Sirkis.

Historia y letra de Alessandro Ducoli (con la ayuda de Luca Morzenti).

Grabado en vivo en el estudio de Jesús Rovira de La Casamurada, Banyeres del Penedés, Catalunya, España el 17 de mayo de 2017. Publicado en 2020 por MoonJune Records.

Keith Jarrett: Budapest Concert (ECM, 2020)

 

A finales del pasado mes de octubre de 2020, Keith Jarrett declaró en el The New York Times, que sufrió un derrame cerebral en febrero de 2018, y otro en mayo de ese mismo año, lo que casi le descarta para volver a tocar el piano y le retira de la escena del jazz y de la música.

Ya en 1996 una extraña enfermedad diagnosticada como síndrome de fatiga crónica le puso contra las cuerdas. Tras dos años de retiro reapareció en 1998, para 20 años más tarde sufrir el mencionado derrame cerebral.

Todo esto no hace sino dar un valor añadido a éste su último trabajo publicado y grabado en directo en Budapest y que lleva por título Budapest Concert.

Budapest Concert es un doble CD a piano solo, como no podía ser de otra manera, tal como ya hiciera en el pasado con obras de profundo calado como: The Köln Concert o Solo Concerts: Bregenz/München.

Budapest Concert fue grabado el 3 de julio de 2016 en la Sala Nacional de Conciertos Béla Bartók en Budapest y lo integran doce improvisaciones y dos piezas “It’s A Lonesome Old Town” y “Answer Me” cuya autoría corre a cargo de Harry Tobias, y Charles Kisco, la primera y de Gerhard Winkler y Fred Rauch la segunda.

Budapest Concert sale al mercado después de Múnich 2016 que fue grabado posteriormente el 16 de julio de 2016 con el mismo número de improvisaciones y tres composiciones entre las que se incluye “It’s A Lonesome Old Town” y “Answer me my Love” e implementada por la afamada “Somewhere over the Rainbow” de Harold Arlen.

De Keith Jarrett se pueden decir muchas cosas y todas serían acertadas, pero de pocos se pueden decir con tanto acierto que fue desde sus inicios uno de los grandes pianistas del jazz (estilo que transcendió con creces) y que su obra como pianista en directo es de las más frescas y creativas que se pueden escuchar.

Budapest Concert vive de la improvisación como esencia, combinando pasajes de enérgica pasión con otros de pausada tranquilidad. Todo esto es, y ha sido posible con Keith Jarrett, un músico, un pianista, que ejerce como médium a través del cual pasa la música como una ofrenda espiritual y cuyos escorzos y sonidos guturales se sirven para la unión mística entre músico e instrumento. Piano y pianista forman la pareja indisoluble donde encontramos tanta cordura como sana locura y donde ambos hacen el amor buscando un orgasmo que parece no tener fin.

Los ecos de su música nunca dejaran de sonar ante su aparente tristeza que se tornará en alegría y conciencia del inconsciente colectivo de la Música.

 

© Enrique Farelo, 2021

 

Keith Jarrett: Budapest Concert (ECM, 2020)

Mannheimer Schlagwerk / Markus Reuter: Sun Trance (MoonJune Records 2020)

 

Sun Trance es una obra de tintes vanguardistas y experimentales interpretada en directo por Mannheimer Schlagwerk (grupo de percusionistas dirigido por el vibrafonista suizo Dennis Kuhn) al que se le une Markus Reuter para interpretar una única pieza, la cual da título álbum.

Una inusual y original obra que no duda en hibridar el minimalismo con el ambient y donde no parece acontecer nada y es mucho lo que pasa. En Sun Trance todo es movimiento como cuando las nubes se deslizan al son del viento, su vuelo es imperceptible pero real.

Sun Trance es aparente e ilusoria como la vida, transcurre sin sobresaltos pero sin detenerse. Es un juego pausado de silencios y pasajes Frippertronics, de matices y rincones texturados encarnados en Markus Reuter.

Sun Trance nos lleva lejos desde la quietud misteriosa y oscura rememorando obras como No Pussyfooting (1973) de Robert Fripp y Brian Eno o la exitosa Music for 18 Musicians del compositor minimalista Steve Reich.

Sun Trance se adormece en un hálito vaporoso e indolente hasta extinguir su luz.

                                                                                                               © Enrique Farelo, 2020

Markus Reuter (Touch Guitars® AU8, Soundscapes), Dennis Kuhn y Ti-Hsien Lai (Vibráfono), Patrick Baumann (Guitarra Eléctrica) Luis Andrés Chavarría Báez y Lukas Heckmann (Xilófono), Marius Fink y Oğuz Akbaş (Crotales, Shaker), Hye-Rim Ma (Sintetizador), Linda-Philomène Tsoungui (Batería),  Johannes Engelhardt (Bajo) y Maria Wunder (Bajo Clarinete).

“Sun Trance” 36:24

Tema compuesto por Markus Reuter.

Grabado en directo  el 23 de mayo de 2017 en Alte Feuerwache, Mannheim (Alemania).

Publicado en 2020 por MoonJune Records.