Dewa Budjana: Naurora 2021 (MoonJune Records, 2021)

 

Músicos: Dewa Budjana (guitarras y paisajes sonoros), Ben Williams (contrabajo en 4), Carlitos del Puerto (bajo eléctrico y contrabajo en 1,3,5), Dave Weckl (batería en 2,4), Gary Husband (piano eléctrico y sintetizador en 5), Imee Ooi (voces en 1), Jimmy Johnson (bajo eléctrico en 2), Joey Alexander (piano acústico en 1,4), Mateus Asato (guitarra en 2), Paul Mccandless (saxo soprano en 4) y Simon Phillips (batería en 1,3,5).

Composiciones:

1 “Naurora”, 2 “Swarna Jingga”, 3 “Kmalasana”, 4 “Sabana Shanti”, 5 “Blue Mansion”.

Temas compuestos por Dewa Budjana.

Grabado en “home studio” durante la pandemia entre 2020 y 2021.

Desde la exótica e insular Indonesia llega una nueva entrega del guitarrista y compositor Dewa Budjana, que supone su decimotercer trabajo en estudio y el séptimo para MoonJune Records.

Sustentado por cinco cortes y apoyado en un elenco de primorosos músicos Naurora parte desde “Naurora”, pieza inicialmente atmosférica que pronto entra en calor con los solos de guitarra de Dewa Budjana (recordando al Pat Metheny más sintetizado), Carlitos del Puerto a la guitarra bajo o Joey Alexander al piano acústico bien condimentado por la sedosa voz de Imee Ooi.

“Swarna Jingga” parece diseñada para el dialogo guitarrístico de Dewa Budjana y Mateus Asato al que se le suma Jimmy Johnson y está muy presente Dave Weckl.

La bella balada “Kmalasana” muestra por una parte el lado más étnico de Naurora y por otra el de mayor intensidad y calado espiritual protagonizado por el volátil y progresivo solo de guitarra de Dewa Budjana que rememora a David Gilmour o Andy Latimer.

“Sabana Shanti”, de sonido ligero, casi smooth jazz, donde el saxo soprano de Paul Mccandless no hace pensar en él sino en otro músico más acorde a este estilo y donde vuelve Joey Alexander con un solo de piano comedido y equilibrado.

El broche lo pone “Blue Mansion” con reminiscencias inicialmente estructurales a lo Pat Metheny y alcanzando un desarrollo en el que brillan a partes iguales la guitarra de Dewa Budjana, el piano eléctrico de Gary Husband o el contrabajo de Carlitos del Puerto.

© Enrique Farelo, 2021

Gonzalo del Val Trío Feat. Benet Palet (JazzMadrid21)

JazzMadrid21

Fecha: Miércoles, 10 de noviembre de 2021.

Lugar: CentroCentro. Caja de Música (Madrid).

Grupo:

Gonzalo del Val Trío Feat. Benet Palet

Benet Palet: trompeta

Marco Mezquida: piano

David Mengual: contrabajo

Gonzalo del Val: batería

 

Ser director del departamento de jazz del Liceo de Barcelona es una plaza importante. Desde esta atalaya del conocimiento, como muchos otros músicos españoles, Gonzalo del Val, compositor y baterista burgalés, compatibiliza su labor didáctica con una extensa trayectoria de colaboraciones y grupos propios, que le está catapultando hacia un puesto privilegiado dentro del jazz español. Como compositor también es muy destacable su trabajo. Por eso es tan grata su presencia y su intensa actividad en los distintos festivales que, por suerte, van recuperando su “normalidad”.

 

El año pasado el trío de Gonzalo del Val editó el álbum Cancionero en el sello Fresh Sound New Talent, considerado ya como uno de los mejores del 2020. Con la inestimable aportación del trompetista Benet Palet, el disco está repleto de grandes temas, selectas versiones, interpretadas con una profesionalidad y unos arreglos, que se trasladaron hasta el repleto auditorio de CentroCentro, que dejó satisfechos a todos los asistentes. No es de extrañar que se haya rodeado de unos músicos de la categoría de Marco Mezquida, David Mengual y la gran aportación del trompetista Benet Palet. De lo mejor del jazz actual en España.

 

 

En el repertorio, Gonzalo del Val elige a Handel, Ornette Coleman, Keith Jarrett, Paul Motian o Irving Berlin, entre otros, para dar muestra de la excelencia con que el jazz puede unir a músicos de distintas procedencias.

 

Empezando con una de las piezas más celebradas de su admirado Paul Motian, “Byablue”, que también daba nombre a un disco de Keith Jarrett, todo un dechado de contrastes y vuelos libres sin motor, a una versión del aria “Lascia la Spina” de Handel, ejecutada con un respeto majestuoso donde lo clásico y el jazz se dan la mano para dar forma a un concepto aproximado de la belleza.

Composiciones propias como “Romancero nº2”, donde Gonzalo del Val recrea su particular homenaje a Lorca a base de melodías intensificadas con la batería y la voz de Benet Palet recordando por momentos a Chet Baker o incluso a Kenny Wheeler. Y qué decir del espléndido solo de Marco Mezquida en la composición de Keith Jarrett, “Coral”, una interpretación que habría provocado el aplauso del mítico pianista.

Entre la lírica, surgieron también momentos para la épica con “Round Trip” de Ornette Coleman, con el cuarteto gestando su música desde sus propias personalidades al servicio de una causa común. Marco Mezquida y David Mengual se unieron en una doble composición “Chamana” y “Sorra entre les mans”, elevando las intensidades y los sentimientos hasta momentos inesperados. Incluso el estándar/balada “They say it’s wonderful”, sonó con una delicadeza y expresión diferentes. Estamos ante una de las mejores rítmicas del jazz español, un triángulo lleno de talento, además impulsado con la claridad meridiana y clase que aporta el maestro Benet Palet. Un concierto absolutamente delicioso y de los que hacen afición al jazz.

 

Texto: © Carlos Lara, 2021

Fotografías: © Enrique Farelo, 2021

Ignasi Terraza Dúo (JazzMadrid21)

JazzMadrid21

Fecha: Martes, 9 de noviembre de 2021.

Lugar: CentroCentro. Caja de Música (Madrid).

Grupo:

Ignasi Terraza Dúo

Ignasi Terraza: piano

Horacio Fumero: contrabajo

 

¿No tenéis hambre? Preguntó Ignasi Terraza al término de su concierto tras ser reclamado al escenario por el numeroso público que llenaba la Caja de Música de Centro Centro. Una cuestión con doble sentido ya que, aparte lo culinario, es evidente que lo que si dejaron claro los asistentes es que hay ganas de disfrutar de los conciertos en directo y volver a sentir la presencia de los músicos en el escenario. El músico y el público van inexorablemente de la mano. En ese proceso de retroalimentación, el reencuentro madrileño de Ignasi Terraza tuvo su merecida respuesta en un público respetuoso y muy agradecido. Antes, el pianista barcelonés dejó su huella musical llena de gratas sensaciones.

Siendo fiel a su estilo y técnica que le caracteriza, Terraza, junto al gran maestro Horacio Fumero, volvió a poner en valor los dos sellos de identidad del jazz: el swing y la improvisación.

En una conjunción de standards y piezas originales, Terraza dio una lección de dominio de su instrumento, del que dice que es como una prolongación de sus manos. “Django”, el emblemático tema de John Lewis para el Modern Jazz Quartet, muestra un tratamiento exquisito de la rítmica. En “Temps de canvi” las notas del piano fluyen con lentitud y adquieren un nuevo colorido cuando el tema se desarrolla con amplios fraseos. En “Take the Boussline”, con un comienzo bopper, reivindica a los clásicos del piano de jazz con mucho rigor. En los standards “I’m through with love” y “The end of a love affair” la aportación del gran Horacio Fumero convierte los diálogos de los instrumentos en conversaciones deliciosas. Sus incansables apariciones y aportaciones no tienen precio.

La sombra del inolvidable Tete Montoliú también se posó sobre el piano de Ignasi Terraza, aunque aquel ya estuvo perfectamente representado por su amigo Horacio Fumero, que sigue demostrando la riqueza de matices que salen de sus dedos. Como homenaje, con la presencia de su viuda Montse entre los asistentes, pudimos disfrutar de un doblete que nos hizo vibrar “Vull que m’acaricis” y “Blues for Tete”.

Ignasi Terraza ha ganado en solidez interpretativa con el tiempo. Tanto a piano solo como en dúo y en trío su repertorio se nutre también de calypsos, música catalana, bossa nova o blues. Un mosaico del que se puede disfrutar en su nuevo trabajo Intimate Conversations, en el que colaboran la cantante y trompetista Andrea Motis, el saxofonista Scott Hamilton y el armonicista Antonio Serrano, y en el que se incluye la pieza “An emotional dance”, otra de las joyas originales interpretadas por Terraza y Fumero, intimista balada que desprende muchos sentimientos.

En “Caricies sinossoidals” tema inspirado en un cuadro de Joan Miró, Terraza resume brillantemente todos los ritmos iniciales del piano de jazz, ya que son muchos los espíritus que se congregan en un concierto del pianista, como Miles Davis, al que se rinde tributo con “Milestones” o Charlie Parker en “Relaxing at Camarillo”.

Con la llegada de una reactualizada versión de “Alfonsina y el Mar”, el concierto entró en un momento de emociones a flor de piel. “Georgia On My Mind” de Ray Charles, sirvió para poner el broche de oro a un concierto de un gran improvisador, que domina perfectamente todos los registros de los maestros y expone su música con un estilo propio y suma elegancia.

 

Texto: © Carlos Lara, 2021

Fotografías: © Enrique Farelo, 2021

Asaf Sirkis: Solar Flash (MoonJune Records, 2021)

 

Asaf Sirkis basamenta Solar Flash en el hecho astronómico del 1 de septiembre de 1859 donde el astrónomo inglés Richard Christopher Carrington observó lo que hoy sería una catástrofe que paralizaría nuestra tecnología a niveles de apagón general (tan en boga hoy día), y que tuvo su origen en una tormenta solar que pasó a la historia con el nombre de Evento Carrington.

Con lo que respecta al disco, es mi deseo comenzar este repaso por las tres suites que componen parte de Solar Flash; en la primera de ellas, “Polish Suite, part one”, Gary Husband hace de sus manos mariposas que acarician teclas de marfil y ébano ante la incontestable calidez de la voz que mece tus oídos de Sylwia Bialas.

Casi sin percibir el cambio en “Polish Suite, part two”, Gary Husband y Sylwia Bialas continúan su maridaje sedoso y profundo que se apoya en la sutilidad de las escobillas de Asaf Sirkis y en la poética y vaporosa guitarra de Mark Wiengfield cuyos llantos parecen perderse en el espacio.

Bien distinta muestra sus galas “Polish Suite, part three”, un verdadero ejercicio de jazz-rock de atmósferas cool con intervenciones de Mark Wiengfield y Kevin Glasgow que se posa en brazos de Morfeo.

“Kinship” es el primer corte y se hermana con el último por el jazz-rock-cool y los relevos de los teclados de Gary Husband, el bajo de Kevin Glasgow y la reiterativo riff de Mark Wiengfield bien condimentado por las armonías vocales de Sylwia Bialas.

“Under The Ice” posee la misma línea conductista que la anterior y “Aquila” es ingrávida, inhóspita y recrea ambientes próximos a Terje Rypdal.

“For Eric” es un homenaje al muy apreciado por Asaf Sirkis, Eric Kamau Gravatt, que además cuenta con la voz del esotérico Sun Ra; una pieza de jazz-progresivo de altos vuelos que puede recordar a los primigenios Weather Report y que la convierten en una de las cumbres de Solar Flash.

“Solar Flash” es una composición marcada por la influencia de Allan Holdsworth donde el sintetizador de Gary Husband sustituye a la guitarra y con un inicio muy del gusto del “Mysterious Traveller” de Weather Report.

Tomajazz: © Enrique Farelo, 2021

Asaf Sirkis: Solar Flash (MoonJune Records, 2021)

Músicos: Asaf Sirkis (batería y crotales), Gary Husband (teclados y piano), Kevin Glasgow (bajo eléctrico) con la participación de: Sylwia Bialas (voz) y Mark Wiengfield (guitarra eléctrica)

Composiciones: “Kinship”, “Under The Ice”, “Aquila”, “Polish Suite, part one/ part two”, “Polish Suite”, “For Eric”, “Solar Flash” y “Polish Suite, part three”

Temas compuestos por Asaf Sirkis.

Grabado en La Casa Murada Estudios (España) en mayo de 2018. Publicado en 2021 por MoonJune Records.

Ángel Ontalva: Angel on a Tower (OctoberXart Records, 2021)

El último trabajo de Ángel Ontalva supone adentrarse en un mundo sonoro complejo, oscuro a veces, pero siempre contextuado en un concepto de puro rock progresivo aderezado por multitud de influencias, esencias e infinidad de texturas que abarcan desde el Canterbury más cerebral (National Health) hasta el rock de cámara, pasando por jazz  Avantgarde, Rock in Opposition o el Ambient más cercano a Robert Fripp y Brian Eno.

En Angel on a Tower trabamos contacto con un álbum instrumental para elegidos, para aventureros e inconformistas que buscan ir más allá de lo conocido que engarzaría como un guante en sellos como Moonjune Records o Cuneiform Records.

Una obra que requiere pausa y reflexión, una obra fundamentada en el pasado pero que se adelantada a su tiempo, una obra que nos habla del futuro desde el presente.

Muchas son sus influencias y también empastadas que suponen un punto de partida desde el cual iniciar una forma distinta y muy personal de alcanzar un estilo único.

Doce piezas cortas y alguna miniatura que enlazan a la perfección conformando un todo compacto y sólido, donde cada corte contiene una riqueza instrumental de múltiples matices, donde cada eslabón de la cadena cuenta una historia.

Desde la inicial “Paradise Flying Snake I” encontramos sonidos emergentes, contundentes, obsesivos y naif en sintonía con propuestas como Ensemble Nimbus o la L`Ensemble Rayè; la diminuta, paradigmática y paradójica “Seafoam” nos ofrece una gran variedad de sonidos ricos en texturas.

En “Angel on a Tower” encontramos lo que quizás podríamos definir como la mayor de las influencias de Ángel Ontalva; Henry Cow y King Crimson y en menor medida, los igualmente británicos Gryphon.

En “Lena Pillars”, Ángel Ontalva transmuta alquímicamente su guitarra en la de Robert Fripp; juego de silencios inquietantes y sonidos naif, una vez más, encarnados en la figura del fagot de John Falcone en “Footsteps”.

De paso firme, marcha obsesiva y free-jazz (potenciados por el saxo alto de Pablo Hernández Ramos) y aderezado por un buen número de cambios de ritmo y matices es “Doppelganger”. La tensión inicial se torna en madeja instrumental donde todos tienen cabida en “Maybe”. Ambientes oscuros y disonantes y lisérgica densidad en “Deep Low”.

Más pausada, reverberante y tímbrica, de orquestación precisa y paisajes lunares (Víctor Rodríguez) permiten a Ángel Ontalva surcar el espacio vacío en “Roads to Sunrise Cities”.

Todos somos. Nadie posee la batuta en un debate de instrumentación total en “Sarisin”. De cadencia naif y aura Canterbury versa “Land of opportunities”.

Para poner el broche final, segundas partes si fueron buenas, así se muestra “Paradise Flying Snake II”, donde cobra justo protagonismo el saxo soprano de Pablo Hernández Ramos.

 

© Enrique Farelo, 2021

Ángel Ontalva: Angel on a Tower (OctoberXart Records, 2021)

Músicos: Yolanda Alba (flauta en 2, 3, 7, 9,11), John Falcone (fagot en 1, 2, 3, 5 ,6 ,7, 9, 10, 11 ,12 y contrafagot en 8); Pablo Hernández Ramos (saxo alto en 1, 6, saxo soprano en 12); Wadim Dicke (contrabajo en 4); Víctor Rodríguez (piano y teclados); Amanda Pazos Cosse (bajo excepto en 4); Avelino Saavedra (batería) y Ángel Ontalva (guitarras, mezclas, diseño de portada y producción).

Composiciones:

1-“Paradise Flying Snake I”, 2- “Seafoam”, 3-“Angel on a tower”, 4-“Lena Pillars”, 5-“Footsteps”, 6- “Doppelganger”, 7-“Maybe”, 8-“Deep Low”, 9- “Roads to Sunrise Cities”, 10- “Sarisin”, 11-“Land of opportunities” y 12-“Paradise Flying Snake II”.

Todos los temas compuestos por Ángel Ontalva, excepto “Deep Low” por Falcone-Rodríguez-Pazos-Saavedra-Ontalva y “Sarisin” tradicional arreglado por Ontalva.

Grabado en “home studio” entre el año 2020 y 2021.

Vasko Atanasovski Adrabesa Quartet: Phoenix (MoonJune records 2021)

 
¿Qué ofrece Phoenix? Phoenix, ofrece es una amalgama, un crisol folclórico de ritmos y sonidos de los Balcanes y del Mediterráneo o lo que de forma genérica podríamos definir como World Music, condimentado por una paleta colorista que transita entre el jazz y la música clásica; piezas como la extensa “Liberation” sugieren un homenaje cifrado y dirigido para J. S.Bach, donde el acordeón de Simone Zanchini se viste de órgano en el comienzo y la flauta de Vasko Atanasovski cobra protagonismo en los solos o interactuando con la tuba de Michel Godard y el violonchelo de Ariel Vei Atanasovski, además del acordeón de Simone Zanchini desembocando en un final festivo-folclórico en el que Bodek Janke también tiene su momento de lucimiento.

La inicial “Meeting” marca el camino a seguir y es el paradigma de Phoenix; “Green Nymph”, al inicio es una pieza medieval de aires calmados y liricos. Poesía encarnada en Ariel Vei Atanasovski, Vasko Atanasovski y Simone Zanchini al que replica Michel Godard; “The Partisan Song” posee menor carga poética que “Meeting” pero similar y algo más de swing.

La amable y festiva “Balet” estructura sus solos en clave be-bop brillando Michel Godard; “Concerto Epico” danza y danza, se enmaraña en diálogos instrumentales hasta converger en la deserción y desembocar en un final swingueante y folclórico una vez más. En “Thornica” la tabla y el konankol de Bodek Janke se orienta hacia la India rememorando a Shakti; “Yellow Sky” es pieza corta que baila al son del vals o de las danzas balcánicas. La reflexiva y casi solemne “Outro” sirve de broche.

© Enrique Farelo, 2021

 

Vasko Atanasovski Adrabesa Quartet: Phoenix

Músicos: Vasko Atanasovski (Eslovenia) (saxos alto & soprano, flauta), Simone Zanchini (Italia), (acordeón); Michel Godard (Francia) (tuba y serpentín); Bodek Janke (Polania/Alemania) (tabla y batería) y la colaboración de Ariel Vei Atanasovski (Eslovenia) (violonchelo).

Composiciones: “Meeting”, “Green Nymph”, “The Partisan Song”, “Liberation”, “Balet”, “Concerto Epico”, “Thornica”, “Yellow Sky” y “Outro”.

Todos los temas compuestos por Vasko Atanasovski.

Grabado el 29 de  Noviembre 2019 en RTV Slovenia Studio Maribor.

Publicado en 2021 por MoonJune Records.

Mahogany Frog: In The Electric Universe (Moonjune records 2021)

 

Los canadienses Mahogany Frog regresan a la escena progresiva desde el ya lejano sexto álbum de estudio del año 2012 y que llevó por título Senna.

The Electric Universe se presenta en sociedad desde el prisma más experimental posible donde se aúnan el Krautrock espacial, la psicodelia pinkfloydiana de los primeros años de la banda y la disonancia electrónica cercana al ruidismo.

El primer capítulo de este libro sonoro viene de la mano de la misteriosa “Theme From P.D.”, caracterizada por un desarrollo en consonancia a la duración de la pieza, es decir, ritmos obsesivos y contundentes, insinuaciones étnicas y variaciones electrónicas personalizadas en los teclados en fuzz y riff de guitarra propios del rock progresivo clásico.

En “Psychic Police Force” las guitarras alcanzan tal grado de ácida distorsión que nos acercan a un Jimi Hendrix disfrazado de King Crimson y su carismático líder Robert Fripp.

En “Floral Flotilla” encontramos atmósferas cargadas, ralentizadas, construidas-deconstruidas y voces inertes y disonantes que se derriten en los oídos.

Sustentado por ritmos tan pesados como agresivos, es de texturas hipnóticas en busca de trance en “CUbe 1”.

“Octavio” es el eclecticismo hecho verbo, entre la resurrección de la primera etapa de King Crimson, Camel o Supertramp aderezado por la personal y distorsionada batidora sónica de Mahogany Frog.

La pieza más extensa del álbum, “((Sundog))”, cierra este compendio de sonidos distorsionados, eclécticos y armonías recurrentes que nos retrotraen a los años 70 del pasado siglo rememorando a formaciones como Can, Faust o Tangerine Dream, no en vano The Electric Universe, se parece a Electronic Meditation.

The Electric Universe no te dejará indiferente.

 

© Enrique Farelo, 2021

Mahogany Frog: In The Electric Universe

Graham Epp (Guitarras, Teclados y Electrónica), Jesse Warkentin (Guitarras, Teclados y Electrónica), Scott Ellenberger (Bajo, Teclados y Electrónica) y Andy Rudolph (Batería, Teclados y Electrónica).

“Theme From P.D.”, “Psychic Police Force”, “Floral Flotilla” (Sail To Me My Love In Your…), “CUbe 1”, “Octavio”, “((Sundog))”

Grabado en 2013-2019 en Canadá. Publicado en 2021 por MoonJune Records.