Yevhen Riechkalov (Estanque Grande del Buen Retiro junto al monumento a Alfonso XII, Madrid. 2022-01-10 y 11)
Fecha: 10 y 11 de enero de 2022.
Hora: 13 h
Lugar: Estanque Grande del Buen Retiro
junto al monumento a Alfonso XII (Madrid)
Grupo:
Yevhen Riechkalov: pocket trumpet
https://www.facebook.com/Yevhen-Riechkalov-2044579489143487/
Chema
Peñalver publica Sophisticated Clarinet,
su quinto trabajo en estudio en trío más un cuarteto de cuerda, es decir en
septeto. Con la reseñable ausencia de una batería que marcara los tiempos y el
ritmo nos encontramos que el swing lo
ponen la guitarra y el bajo de David Catalán y Natxo Navarro respectivamente.
Todo
el disco es un canto y un homenaje al mainstrean,
al Hot Club de France y al swing desde la perspectiva de la
elegancia, el buen gusto y la sofisticación del trabajo bien hecho.
Sophisticated
Clarinet nos
mantiene en un ir y venir de amabilidad y vitalismo optimista de composiciones
coherentes y sólidas desde el principio hasta el fin. Un goce para los
sentidos, una danza para el cuerpo, un regalo para el cerebro donde es difícil
detenerse desde la inicial “Old school” hasta la definitiva “The final Funky”.
Y
me pregunto: ¿Cómo destacar una composición sobre otra cuando todas son un
disfrute?
Sin
embargo, en “Sophisticated clarinet” encontramos un guiño al tango más seductor
y romántico. De seducción y lirismo trata “Impossible love forever”. ¿Y de
verdad piensas que “Treason” no es bella?
Si
este sueño fuera posible, “Why me” sería cantado por Rita Hayworth.
Chema
Peñalver, cual orfebre, engarza 12 breves eslabones que brillan como si fuera
un collar de diamantes para guardarlos en tu mente.
© Enrique
Farelo, 2022
Chema
Peñalver: Sophisticated Clarinet
Composiciones:
“Old school”, “Lovely cocktail”, “Gysy and black”, “The last Chloé´s dance”,
“Sophisticated clarinet”, “Fine seduction”, “Impossible love forever”, “Mamá”,
“Treason”, “Afro wave”, “Why me” y “The final Funky”.
Todas
las temas compuestos por Chema Peñalver.
Grabado
el 26 y 27 de julio de 2019 en La Guarida Estudio, Villarreal, Castellón
(España)
Músicos:
Jesús Jiménez y Borja Saura (violín), Miguel Falomir (viola), Anna Pitarch
(violonchelo), David Catalán (guitarras), Natxo Navarro (contrabajo y bajo
eléctrico) y Chema Peñalver (clarinete).
Sedajazz
Records nº SJ090. Publicado en 2019.
El
trío surgió al abrigo del confinamiento causado por la pandemia del COVID-19.
El
aislamiento como escusa dio lugar a grabar algunos temas en video de artistas
afines como Michael Brecker, Avishai Cohen y Alan Holdsworth dando lugar al
nacimiento de S.E.V. Trío, es decir, Spiliotopoulos, Evdemon y Vassilopoulos.
SEV
Trio debuta con este álbum que lleva por título Far from Close compuesto por ocho piezas de elegante, fino y sutil
sonido donde nadie parece destacar sobre el resto. “Todos para uno y uno para
todos” podría ser el lema, cual mosqueteros del jazz y de la música.
El
trío griego se caracteriza por una sonoridad limpia y cristalina en todas y
cada una de las ocho breves composiciones que lo conforman, con arreglos muy
cuidados que buscan un estilo refinado y sedoso, delicioso y en ocasiones casi
hipnótico, resultando difícil elegir un momento mejor que otro.
Un
álbum sólido, coherente y muy definido. S.E.V. Trio tiene las ideas muy claras de
por donde ha de ir su filosofía y su relajante concepción musical.
No
parece casual que “Clarity” sea la primera pista que abra el disco, la sedante
suavidad con la que los tres músicos tocan es algo que va a marcar el devenir
del resto de composiciones
Los
tres, Spiliotopoulos, Evdemon y Vassilopoulos muestran sus dotes de
instrumentistas brillantes y democráticos donde cada uno ocupa su espacio sin
interferir en el de los otros.
Me
fascina el juego de platillos que Panos Vassilopoulos pone al servicio de
Spiliotopoulos y Evdemon desde el principio hasta la conclusión de la obra. Su
sutilidad vaporosa me embelesa y me relaja a la par que me mantiene atento a
sus valiosos acompañamientos.
Michael
Evdemon sabe conjugar sus participaciones como solista tanto como cuando
acompaña a Tassos Spiliotopoulos, el cual transmuta su guitarra en una suave
brisa tanto como acompañante como protagonista.
SEV
Trio marca la diferencia con un sonido suave e impactante, tenue y delicado,
cuyo poso se aloja en tu mente para regocijo de tu espíritu.
© Enrique
Farelo, 2022
Tassos
Spiliotopoulos (guitarra eléctrica), Michael Evdemon (bajo eléctrico) y Panos
Vassilopoulos (batería).
“Clarity” (Spiliotopoulos), “Second” (Chance
(Evdemon), “Feral Dance” (Spiliotopoulos), “Seven Wishes” (Spiliotopoulos),
“The Search Within” (Spiliotopoulos), “Fast Peter” (Evdemon), “Sweet Exposure”
(Evdemon) y “The Blues” (Evdemon).
Grabado en “home studio” durante el confinamiento del
COVID-19 en 2021.
Publicado en 2021 por Anelia
Records.
Dennis Rea, conocido por liderar el quinteto de rock progresivo Moraine, presenta su segundo trabajo para el sello MoonJune Records, tras Views From Chicheng Precipice (2010).
La
música de Dennis Rea se caracteriza por incluir un sinfín de sonidos
procedentes de diversos estilos entre los que podemos enumerar el rock progresivo, el jazz-rock, la fusión étnica, krautrock,
la psicodelia, canciones tradicionales rusas, ambient e incluso Thrash/Death
metal y cantos tuvanos (o difónicos).
El
cerebro de Dennis Rea, musicalmente, contiene una multitud de líneas paralelas,
perpendiculares y tangenciales que se cruzan en todas direcciones, algo que
tendría su paradigma gráfico en las misteriosas líneas de la región peruana de
Nazca.
Con
“Live At Gaochang (Uyghur Suite)” comienza este viaje de aromas y perfumes por
Rusia o el Extremo Oriente, donde Stuart Dempster al didgeridoo y Greg Campbell al corno francés eléctrico están
presentes en la conducción y nos llevan a una comunión entre los saxos de Dick
Valentine y la guitarra de Dennis Rea, también tiene cabida la percusión de Don
Berman a modo de introducción a la danza festiva y final lisérgico.
La
profundidad folclórica rusa de “Altai By And By” es innegable, arreglada por
Dennis Rea avanza sin pudor con el apoyo de las voces y la zanfoña de Juliana
& PAVA. Juego de silencios y cortes sonoros que mezclan atmosféricas voces
y eléctrica guitarra etérea en una ceremonia ritual embriagadora.
El
encuentro entre la voz grave, gutural y profunda de Albert Kuvezin (entre Thrash/Death metal y el canto tuvano) se
enfrenta al dinámico y jocoso saxo soprano de Dick Valentine frente a la
heráldica guitarra de Dennis Rea en la pieza “Wind Of The World’s Nest”.
“The
Fellowship Of Tsering” es la composición más paradójica y desconcertante del
álbum, 14 minutos de cambios radicales donde el inicio psicodélico y étnico es
como el final. Por el medio se adentra en un oscuro y misterioso bosque sonoro
de cósmico krautrock con la ayuda del
apocalíptico corno tibetano de Greg Powers que se implementa con la tuvana voz
de Albert Kuvezin.
© Enrique
Farelo, 2021
Dennis
Rea: Giant Steppes
Músicos:
Dennis Rea (guitarras eléctricas, acústica y sintetizada, Mellotron y kalimba), Greg Kelley (trompeta), Stuart Dempster (didgeridoo), Greg Campbell (corno
francés eléctrico), Greg Powers (corno tibetano), Juliana & PAVA (vocales
& zanfoña), Albert Kuvezin (voces), Wadim Dicke (bajo eléctrico y sin
trastes) Brian Oppel (batería), Steve Fisk (teclados), Dick Valentine (saxo
soprano, alto y flauta) y Don Berman y Daniel Zongrone (batería y percusión).
Composiciones:
“Live at Gaochang (Uyghur Suite)”, “Altai By And By”, “Wind of the World’s
Nest” y “The Fellowship of Tsering”.
Temas
tradicionales. Arreglos por Dennis Rea.
Grabado
entre 2016 y 2019 en Seattle y Tacoma (USA); y Abakan, Krasnoyarsk y Tomsk
(Russia).
Publicado
en 2021 por MoonJune Records.
Hay
que estar en posesión de una enorme imaginación y de una mente libre para poder
encajar las piezas imposibles que estructuren una obra como Zoji.
Conjugar
el futuro con el pasado y el jazz y el rock
con el Barroco es algo difícil de explicar e incluso de asimilar, sin embargo
estas mentes osadas transforman lo imposible e inédito en algo tangible.
Y
me pregunto: ¿Quién antes de Zoji fue
capaz de aglutinar una guitarra eléctrica y la percusión y la voz con el
clavicordio? ¿Dónde podemos encontrar el nexo de unión para semejante
“descalabro” instrumental?
Personalmente
nunca había escuchado nada semejante a excepción hecha del magnífico álbum Trident del año 1976 y firmado por el
pianista de John Coltrane, McCoy Tyner. Si bien ambas obras son diametralmente
opuestas en estilo y forma, también es cierto que guardan cierta semejanza
instrumental. En ella encontramos una instrumentación, al margen del piano, que
se implementada por la celesta y el clavicordio.
En
Zoji, Jane Chapman nos acerca la
música del siglo XVIII, (“Pasquali Dream” y “Prélude Sinueux”), Mark Wingfield
representa el siglo XXI y Adriano Adewale viaja a un pasado ancestral y tribal
de la música.
Un
álbum tan sólido como coherente donde resulta difícil elegir el momento de
mayor interés y creatividad lo que le confiere un valor añadido a tanta
originalidad.
Yuxtaposición
y texturas, líneas instrumentales que se cruzan, que se esconden, que salen y
se abren en mil formas nuevas de expresión, tan adictivas que impactan en tu
cerebro provocando perplejidad y asombro.
“City
Story” asienta y define, “Seven Faces of Silence”, especialmente turbadora por
su frescura de voces y percusiones y la combinación instrumental y, “Parallel
Time” me llama la atención por su complejidad, belleza y contraste.
“Persian
Snow Leopard” se bifurca y se une entre la world
music y el Barroco; “Wind Falls Cliffs Rise” es inquietante y oscura; un ménage a trois en “Zoji Pass” de intensa
pasión y “Viaduct Road” pone el broche new
age para concluir.
Insólito
e inédito como un viaje cuántico desde el pasado al futuro y viceversa.
© Enrique
Farelo, 2021
Mark
Wingfield, Jane Chapman y Adriano Adewale: Zoji
Mark
Wingfield (guitarra eléctrica y soundscapes),
Jane Chapman (clavicordio) y Adriano Adewale (percusión y vocales)
“City
Story”, “Seven Faces of Silence”, “Persian Snow Leopard” , “Parallel Time”
,“Land on Sky”, “Sun Court” , “Pasquali
Dream”, “Wind Falls Cliffs Rise” , “Zoji Pass” , “Prélude sinueux” y “Viaduct
Road”
Temas
compuestos por Mark Wingfield excepto “Pasquali Dream” y “Prélude sinueux”.
Grabado en Heron Island Studios y Drayton Garden Studio, Inglaterra, Reino Unido.
Cuatro piezas componen Shapeshifters desde el prisma de un rock progresivo sustentado por la improvisación colorista y textualizada que no duda en recorrer paisajes sonoros inquietantes, desolados, misteriosos y densamente amenazantes desde la inicial y extensa “Dark Sparks”, aquí, Markus Reuter no pierde de vista su afinidad guitarrística con Robert Fripp, con el acompañamiento de la aterradora guitarra bajo de Tim Motzer y los sutiles redobles de tambores y platillos de Kenny Grohowsky en busca de un final tan caótico como oscuro.
Línea
continuista para “Transmutation”, donde se mezclan sonidos extraños, lamentos,
aullidos, ecos de oscuridad y ambientes de otra dimensión. Descripción de
mundos incognitos que guardan secretos inimaginables y delirantes, de atmósferas
góticas de densidad máxima y distorsionada.
Como
voces muertas en el espacio, como reverberaciones cósmicas, como la calma tensa
que precede al desastre, como el silencio que augura un mal futuro inmediato,
como un enigma sin solución, como esquizofrenia carmesí es “Cyphers”.
El
sello, la lacra y el punto de cierre lo pone la “breve”, “Burn to Aether”, que
se desarrolla como un cruce de líneas, como estelas artificiales que pintan de
blanco gaseoso el cielo azul, que de forma brusca se transforma en rojo cobrizo
hasta la extenuación.
© Enrique
Farelo, 2021
Músicos:
Markus Reuter (Touch Guitars® AU8,
electrónica), Tim Motzer (guitarra eléctrica, bajo y electrónica) y Kenny
Grohowsky (batería)
Composiciones:
“Dark Sparks”, “Transmutation”, “Cyphers” y “Burn to Aether”.
Temas
compuestos por Markus Reuter, Motzer y Grohowski.
Grabado
en directo el 18 de agosto de 2019 en el Kevin Quinn at the ShapeShifter Lab,
Brooklyn, NY.
JazzMadrid21
Fecha: Sábado, 27 de noviembre de 2021
Lugar: Teatro Pavón
(Madrid)
Grupo:
Querido Chick. Homenaje
a Chick Corea
Jorge Pardo: flauta
Niño Josele: guitarra
española
Carles Benavent: bajo
eléctrico
Ton Risco: vibráfono
Rubem Dantas: cajón y
kalimba
Tino di Geraldo:
batería
Invitado:
Pedro Ruy-Blas: voz
Este año, que ya enfila
su recta final, nos trajo en el mes de febrero la mala noticia de la muerte de
Chick Corea, uno de los mayores talentos que ha dado la historia del jazz. Un
músico que se valoraba con reverencia y admiración desde un país llamado
España, en el que en los años 60 y 70 era casi imposible encontrar sus discos.
Desde que Corea empezó su idilio con el flamenco, no dejó de interesarse por la
música de este país. Aunque sus orígenes eran italianos, como religioso que
era, pensaba que su alma tenía ascendencia española. A la manera de la
reminiscencia platónica, ese espíritu español le proporcionaba todo su amor
hacia el flamenco. Eso y su gran admiración por Paco de Lucía, el Maestro
Rodrigo y los sonidos latinos terminarían por convencerle. De 1976 data su
disco My Spanish Heart, primera
incursión de Corea en el flamenco. Después llegaría Touchstone en 1982, con un importante protagonismo de Paco de
Lucía. Su última creación fue la formación en 2019 de The Spanish Heart Band, donde participaron Jorge Pardo y Niño
Josele.
Desde el 2004 al 2006,
Pardo, Benavent y Dantas, fueron invitados a participar en una gira mundial con
el músico nacido en Massachusetts en 1941. Durante todos esos años se fueron
acumulando anécdotas, experiencias y complicidades entre estos músicos y Chick
Corea.
Tantos años afincado en España y siempre se puede aprender de Rubem Dantas. En “Plaza Alta” hizo un gran solo con la kalimba africana, un instrumento que según bromeó podría ser el tatarabuelo del piano.
Con la interpretación de “North Africa”, en la que no participó Niño Josele, todo el grupo desarrolla ritmos envolventes con un gran protagonismo de las percusiones especialmente, el vibráfono, dando paso a Carles Benavent que sigue manteniendo su calidad a raudales. Ya con Niño Josele en el escenario con muchas citas a temas como “La Leyenda del Tiempo” o “Zyryab” de Paco de Lucía, “Yellow Limbus”, el grupo navegó con su música con viento favorable en todo momento.
Texto: © Carlos
Lara, 2021
Fotografías: ©
Enrique Farelo, 2021
