Luca Calabrese-I Shin Den Shin (MoonJune Records 2024)

 

Composiciones: 1/ “Dissolution”, 2/ “Appointment with the Truth”, 3/ “A New Reality”, 4/ “Pure Mind (without a body)”, 5/ “Heart to Heart” y 6/ “Magnetic Soul”.

Composiciones de Calabrese/Reuter/Lê/Wingfield/Dowerk, excepto “Magnetic Soul” de Reuter/Calabrese.

Grabado en La Casa Murada, estudios de Jesús Rovira, Banyeres del Penedés, Catalunya, España, el 5 de septiembre de 2022.

Músicos: Luca Calabrese (trompeta de bolsillo), Nguyên Lê y Mark Wingfield (guitarra eléctrica), Markus Reuter y Alexander Dowerk (Touch Guitar AU8, Soundscapes).

Comentario: I-shin-den-shin es un concepto japonés que se suele traducir como: “Lo que la mente piensa, el corazón lo transmite”, lo que supone la transmisión de emociones y pensamientos sin necesidad de una comunicación verbal. Aclarado el concepto, parece que el trompetista Luca Calabrese quisiera llevarnos por ese camino de espiritualidad budista o el confucianismo “telepático”.

Y desde la inicial “Dissolution”, ya apunta hacia esa espiritualidad ingrávida e intimista de atmósferas densas y oscuras como ofrenda hacia un viaje al interior del ser.

La propuesta zen continúa alimentada en la segunda de las estaciones poético-sonoras, (“Appointment with the Truth”) confluyendo la electroacústica multisensorial de la trompeta de bolsillo de Luca Calabrese y la diversidad guitarrística.

“A New Reality” aporta texturas dark ambient, cruce de instrumentos dispuestos en capas sonoras que apuntan en diversas direcciones, desde Jon Hassell a David Sylvian o al propio Richard Barbieri, con el que trabajó en el proyecto Planets + Personaen en el año 2017.

“Pure Mind (without a body)” vuelve o, mejor, no abandona la quietud ni la calma, más bien profundiza en ella desde una visión experimental y contemporánea tan indolente como misteriosa, espectral y en ocasiones delirante.

“Heart to Heart”, paisajes desolados e inhóspitos y bucles de nu-jazz o dark jazz con Arve Henriksen o Bohren & der Club of Gore.

“Magnetic Soul”, define tonalidades etéreas y frías cercanas al ártico. Trance, meditación y psicología transpersonal.

 © Enrique Farelo, 2024

Beledo-Flotando en el vacío (moonjune records 2024)

 

Composiciones:

1/ “Djelem Djelem”, 2/ “Rauleando”, 3/ “De tardecita”, 4/ “Flotando en el vacio”, 5/ “Es prohibeix blasfemar”, 6/ “Candombesque”, 7/ “From Within” y 8/ “Rodeados”.

 Composiciones de Beledo, Pardo, Benevaet, Sirkis y Husband en 3,5,8; Beledo en 2,4,6,7

Grabado en La Casa Murada estudios de Jesús Rovira, Banyeres del Penedés, Catalunya, España, el 6 y 7 de septiembre de 2021.

Músicos: Beledo (Guitarra eléctrica, guitarra española, piano acústico, violín), Asaf Sirkis (Batería), Jorge Pardo (flauta y saxo tenor) y Carles Benavent (bajo eléctrico).

Colaboran: Gary Husband (Fender Rhodes piano, Mimi Moog en 3.5.8) y Ramón Echegaray (percusión candombe en 6)

Comentario: Todo el embrujo, el zapateo y el espíritu andalusí en “Djelem Djelem”, himno de los gitanos rumanos, con la turbadora flauta travesera de Jorge Pardo al inicio sin acompañamiento, y a través de toda la pieza con el resto. Beledo se debate entre la guitarra flamenca y el violín místico. Mi composición favorita del álbum.

“Rauleando”, compuesta por Beledo para Raúl Jaurena (maestro del tango uruguayo) e influenciada por el sonido del Chick Corea más hispanizado.

La belleza mediterránea y el jazz-rock perfilado en el Fender Rhodes piano y Mimi Moog del maestro Gary Husband y la guitarra omnipresente de Beledo, la contundencia del bajo de Carles Benavent, la batería revoltosa de Asaf Sirkis y el colorido de Jorge Pardo en la pasional flauta travesera caracterizan la improvisada “De tardecita”.

“Flotando en el vacío”, es una composición de Beledo para Siddhartha, banda que lideró desde 1977 a 1982.

En este corte podemos apreciar una rica variedad instrumental donde Beledo destaca al piano acústico , la guitarra eléctrica a lo Allan Holdsworth, Jorge Pardo a la flauta y el saxo tenor con Asaf Sirkis y Carles Benavent marcando la pauta de los numerosos relevos instrumentales.

“Es prohibeix blasfemar” es una sólida improvisación donde fluye el jazz-rock de aires flamencos que salen de la embocadura de la flauta de Jorge Pardo. El resto son diálogos entre Gary Husband al Fender Rhodes y la guitarra eléctrica de Beledo con un final que abrocha perfecto.

En “Candombesque” “monologo” entre el piano y la guitarra eléctrica de Beledo que implementa el saxo tenor de Jorge Pardo y pone el candado la percusión candombe de Ramón Echegaray.

“From Within”, si señor, jazz-rock para una intensa y fluida conversación entre la guitarra eléctrica de Beledo y una vez más la flauta de Jorge Pardo.

La guinda del pastel la pone “Rodeados”. Una multiplicidad de instrumentos debate y dialogan ofreciendo mil caras sonoras, apareciendo y sumergiéndose; ahora el saxo tenor, el Fender Rhodes, el piano acústico y la guitarra. El bajo eléctrico y siempre la batería son el metrónomo. Un toque de distinción delirante para un final improvisado, tan intenso como bien acabado.

 © Enrique Farelo, 2024

Ángel Ontalva-Persian Courtyard (octoberXart Records, 2024)

Desde la inicial “The dragon is asleep” hasta “That bloody house”, ambas incluidas, formaron parte de Twelve days of Winter, (octoberXart Records, 8 de enero de 2024) un mini álbum en el que Ángel Ontalva tocaba todos los instrumentos (desde las guitarras, bajo y teclados hasta las composiciones), y que sirvió de embrión para éste Persian Courtyard.

Podemos afirmar que estamos ante la mismas partituras, más 4 composiciones extras, arreglos diferentes e instrumentalmente implementados por una viola, un bajo y una batería.

La inclusión del Mellotrón sampleado (que rememora a Robert Wyatt o Hatfield and the North e incluso yendo más allá al Tony Banks de Genesis) es una de las características más acusadas del disco por encima de la guitarra.

El origen de la música que se incluye en este álbum parte del tiempo en que Ángel Ontalva estuvo hospedado en la ciudad rusa de Astracán, en el denominado edificio Patio Persa, durante los meses de Noviembre y Diciembre de 2023.

En cuanto a Persian Courtyard, sus formas intrincadas, sus matices y sus colores sonoros suponen una propuesta artística que eleva el nivel de compromiso a lo más alto y sin reservas, donde se dan cita, además de cierto aroma étnico, el rock de cámara, el jazz, el rock progresivo Canterbury (“The dragon is asleep”, “Fable of the fox and the sheep”, “Looking back” o “Satellites”) e incluso la música contemporánea.

Compuesto por once piezas cortas de poética belleza (“A door is closed, a window is open”), de pasajes misteriosos y fantasmales (“That bloody house”, “Beyond the fiery river”) y por momentos surrealista.

Jazzística e igualmente fantasmal se muestra “Between two worlds”; “A decadent ballroom (echoes of a faun)”, es un ensueño que mezcla el rock Canterbury y el bolero;

“Una para El Camino”, extrañamente abraza el spaghetti western e “In my dreams, dreams”, es un collage sonoro entre la música de cámara y fragmentos de películas vintage.

A modo de reflexión concluiré, que ciertas expresiones musicales conllevan una técnica y una complejidad que exige del escuchante un esfuerzo y un conocimiento acorde a dicha música, y este es el caso de Ángel Ontalva, ya sea en solitario o con su grupo October Equus; estar en posesión de ese esfuerzo y ese conocimiento te hará adentrarte en el complejo y enriquecedor mundo de Persian Courtyard.

Texto: © Enrique Farelo, 2025

Ángel Ontalva: Persian Courtyard

Anna Anshakova (viola), Víctor Rodríguez (cello virtual en “The dragon is asleep”); Avelino Saavedra (batería y percusión) y Ángel Ontalva (guitarra, bajo, M-Tron Pro keyboards).

1- “The dragon is asleep”, 2- “A door is closed, a window is open”, 3-“Fable of the fox and the sheep”, 4-“Between two worlds”, 5-“A decadent ballroom (echoes of a faun)”, 6-“Looking back”, 7-“That bloody house”, 8-“Beyond the fiery river”, 9- “Satellites”, 10- “Una para El Camino” y 11-“In my dreams, dreams.”
Todos los temas compuestos por Ángel Ontalva.

 Artwork formado por un collage de fotografías del Patio Persa y fotogramas de viejas películas mudas realizado por el propio Ángel Ontalva.

Publicado por OctobertXart Records en 2024

Loreena McKennitt/Treinta aniversario de The Mask and The Mirror (Noches del Botánico, Madrid. 2024-07-8)

 

Fecha: lunes, 8 de julio de 2024

Lugar: Real Jardín Botánico Alfonso XIII. Universidad Complutense de Madrid

Dudley Phillips: bajo eléctrico y contrabajo.

Robert Brian: batería y percusión.

Brian Hughes: guitarras y bouzouki.

Caroline Lavelle: violonchelo.

Loreena McKennitt: vocales, piano, teclados, arpa y acordeón.

Hugh Marsh: violín.

Colaboran:

Daniel Casares: guitarra flamenca

Ana Alcaide: nyckelharpa

Con 11 trabajos de estudio, desde el ya lejano Elemental del año 1985 hasta su recientemente publicado The Road Back Home de este mismo año, se presenta en las Noches del Botánico la muy laureada y mediática Loreena McKennitt, la gran dama de word music, la música celta y la new age.

Treinta años desde la aparición de su emblemático The Mask And Mirror, un disco que hablaba de España y de Marruecos, son motivo suficiente para la celebración de este concierto en Madrid.

Dos jornadas con aforo completo y, al menos en la correspondiente a la del día 8 dividida en 2 set con una duración de 1 hora con breve descanso por medio.

Y si, es cierto que The Mask And Mirror, es una de sus obras más importantes, pero siempre con el permiso de To Drive The Cold Winter Away de 1987, que es probamente su obra maestra por creatividad y turbadora sensibilidad y paradójicamente también la más desapercibida y “desconocida”.

En cuanto al concierto comenzó con puntualidad matemática haciendo ver que la precisión y la perfección sería el claro camino a recorrer, todo detalle es importante y todo se cuida con esmero desde la mesa de sonido como desde la de luminotecnia. Luces y sonido fueron de la mano y el resultado fue excelente.

La luz focal sobre la bella y rubia cabellera de Loreena McKennitt no fua casual, si no premeditada, haciéndola brillar como una estrella en la oscuridad.

En cuando a las dotes instrumentales y vocales de Loreena McKennitt podemos afirmar que sigue manteniendo ese glamur y esa sensibilidad tan característica desde los inicios de su carrera y que dieron como resultado pasajes de belleza hipnótica que la transformaron en la sirena que hoy sería capaz de embrujar al Ulises de la Odisea de Homero.

Su música se dirige tanto al corazón como a la mente, pero si tuviera que decantarme lo haría por el primero y, eso es algo que la emparenta con artistas de distinto pelaje artístico por lirismo poético, como la vocalista Annie Haslam del grupo de rock sinfónico progresivo Renaissance.

También podríamos hablar de su conexión étnica y globalista con el multinstrumentista alemán Stephan Micus por su afinidad musical planetaria, ambos no dudan en recoger tradiciones de cualquier parte del globo terráqueo y hacerlas suyas con naturalidad.

En cuanto a los músicos de la banda son elementos que se complementan encajando a la perfección en la filosofía de su lideresa, el violinista Hugh Marsh es elegante y posee una técnica afín y precisa, algo parecido podemos señalar de la aclamada por el numeroso público de la chelista Caroline Lavelle; Brian Hughes se manejó al detalle con soltura tanto al bouzouki como con las guitarras, Dudley Phillips y Robert Brian son el encaje y el empaste que cierra el grupo.

En cuanto a las colaboraciones, Ana Alcaide participó en tres piezas, en el primer set, en las composiciones “Penelope's Song” y “Ages Past, Ages Hence” y en el bis final “Tango To Evora” junto al guitarrista flamenco Daniel Casares; el cual participó en “Spanish Guitars And Night Plazas” y en “Santiago” demostrando su virtuosismo e influencias de Paco de Lucía.

“The Two Trees”, “Prospero’s Speech”, “The Mystic's Dream” y “The Bonny Swans” fuero momentos especialmente tiernos y delicados que dejaron un regusto exquisito para disfrute y recuerdo de nuestra memoria.

                                                                             Texto y Fotografías: © Enrique Farelo, 2024

Presentación del III Festival internacional de rock progresivo y música de vanguardia, MoonJune, Guadamur 2024 (Toledo)

 

                                                             Mauricio De Aguinaco, Leonardo Pavkovic, Sagrario Gutiérrez y Boris Savoldelli

El lugar elegido para la presentación fue el restaurante Venta de Aires (sala Verde) de Toledo.

Varios medios de comunicación se dieron cita para cubrir el acto, tales como ABC de Toledo, La Tribuna de Toledo u Onda Cero. 

La fecha elegida para dicha presentación, el 9 de julio, y el lugar de celebración, la localidad toledana de Guadamur, sita a penas a 12 kilómetros de la capital Imperial.

Dicha presentación contó con las máximas personalidades del evento, entre las que encontramos a Sagrario Gutiérrez, alcaldesa de dicha localidad, Leonardo Pavkovic director artístico y productor responsable de la discográfica Moonjune records y de la agencia artística de igual nombre, Mauricio De Aguinaco director creativo de la productora M Films Produccciones, además de la inestimable compañía del vocalista y músico italiano multidisciplinar Boris Savoldelli que nos deleitó al final de la presentación con una breve intervención de su faceta artística.

                                                                      Leonardo Pavkovic

Atrás quedaron las dos ediciones anteriores de Jajce (Bosnia y Herzegovina 2022) y Toledo (Casco Histórico 2023).

El presente festival se celebrará los días 20, 21 y 22 de septiembre coincidiendo con la luna llena de la cosecha. Y no es casualidad sino causalidad que así haya sido, ya que la luna llena de septiembre cuenta con una larga tradición festiva que servía de motivo para facilitar el trabajo de dicha cosecha.

                                                               Mauricio De Aguinaco

Las actuaciones se celebrarán en el Auditorio del Teatro Guadamur cuya capacidad está habilitada para albergar unas 400 butacas y las localidades, a un precio muy competitivo, pueden adquirirse tanto por días individuales como por el festival completo en esta dirección:

ABONO 3 DIAS / 3 DAYS PACKAGE - MoonJune Festival Guadamur - Mutick

El programa de artistas es realmente convincente al contar con figuras de renombre internacional tanto actuales como históricas, como Bill Bruford (jubilado como músico activo desde el año 2009) que participará en una mesa redonda sobre el King Crimson de los años 1972-1974, donde además firmará discos y libros. Por último, será homenajeado en un evento llamado In the Court of the Percussion King- Bill Bruford: The Man, The Myth, The Legend en el que se proyectará un video sobre su carrera.

El acto finalizará con la entrega de los premios Moonjune y del ayuntamiento de Guadamur por su trayectoria.

                                  Sagrario Gutiérrez y Boris Savoldelli

                                                              Boris Savoldelli en un momento de su breve actuación.

La lista de participantes se completará con David Cross Band, Gary Husband, Nguyen Le, el pianista suizo Nik Bärtsch, el vocalista Boris Savoldelli, el grupo de vanguardia iraní Quartet Diminished, (https://www.tomajazz.com/web/quartet-diminished-articulo) Susan Clynes, el grupo belga The Wrong Object, el trompetista Luca Calabrese, Anthony Garone Fracture y Markus Reuter y Beledo presentes en la pasada edición.

Texto y fotos © Enrique Farelo, 2024

Kevin Kastning-Mark Wingfield: Rubicon II (Greydisc Records 2024)

 

Mark Wingfield (guitarra eléctrica y soundscapes), Kevin Kastning (guitarra clásica extendida de 15 cuerdas, piano)

“Redshift Expansion”, “Observation Light Constant”, “Particle Apparent”, “Tidal Radius Thermalized”, “Variance Tensor Minus” y “Gravitational Well Inception”.

Temas compuestos por Kevin Kastning y Mark Wingfield.

Grabado en vivo en estudio, sin sobregrabaciones, en el Studio Traumwald en Groton, Massachusetts, EE. UU., del 17 al 18 de agosto de 2018.

Implementando libertades de colores que combinan texturas y emociones, creando atmósferas interminables, reinventando sonidos inhóspitos, explorando caminos sinuosos que convergen en pasajes sonoros imaginarios.

Kevin Kastning y Mark Wingfield son dos caudalosos ríos que desembocan en un profundo océano oscuro, fraternal y hermanados en 8 poéticas páginas: I walked into the silver darkness (Greydisc Records; 2011), An Illustrated Silence (Greydisc Records; 2012), Dark Sonatas (Greydisc Records; 2013), In Stories (Greydisc Records; 2014), Eleven Rooms (Greydisc Records; 2015), The Line to Three (Greydisc Records; 2017), Rubicon I (Greydisc Records; 2021), I dreamed of invisible journeys (Greydisc Records; 2022).

En Rubicon II se funden dos sonoridades diferentes pero complementarias, una eléctrica representada por Mark Wingfield y la otra acústica por Kevin Kastning, tan diferentes y cercanas que sorprende por la naturalidad y el entendimiento de estos dos visionarios adelantados a su tiempo.

Música de cámara, música intimista, introspectiva, imaginativa e innovadora que parte de instrumentos inventados como guitarra clásica extendida de 15 cuerdas de Kevin Kastning y las distorsiones lastimeras y dolientes de la guitarra eléctrica de Mark Wingfield que tiene su culmen dialogante en piezas como “Observation Light Constant”.

Rubicon II evoca la extraña y serena belleza negra, el misterio paradójico y luminoso que funde sonidos contrarios que se complementan como el Yin/Yan en la inicial “Redshift Expansion” y en “Particle Apparent”.

La composición de mayor extensión la encontramos en la inquietante y dialogante “Tidal Radius Thermalized”, una pieza para disfrute de un piano quebrado y contemporáneo en manos de Kevin Kastning al que responde un Mark Wingfield quejumbroso y reivindicativo, y que da como resultado una sonoridad dramática y densa, de atmósferas oscuras y reverberaciones profundas.

Negra poesía, música gótica para los siglos venideros, caminos curvados y sin explotar, búsqueda del silencio, de la pausa reflexiva, música para elegidos en la “infinita” “Variance Tensor Minus”.

Y, para terminar, lo que nunca parece finalizar con “Gravitational Well Inception”, una propuesta de sonido cristalino con un Kevin Kastning rememorando a Ralph Towner y un Mark Wingfield que solloza hasta la extinción.

 © Enrique Farelo, 2024

Mark Wingfield: The Gathering (MoonJune Records, 2024)

 

La posibilidad de que Terje Rypdal pusiera una “Pica en Flandes” allá por los años 70 del pasado siglo se ve como una realidad consolidada en el siglo XXI. Una forma y un sonido diferentes nacieron a su abrigo y hoy día guitarristas como Mark Wingfield son un referente basamentado en aquel sonido; un sonido que va más allá del rock progresivo tal y como lo entendemos y que fusiona elementos tan dispares como el dark ambient, el jazz-rock o el rock progresivo ecléctico.

La manera de tocar de Mark Wingfield supone un avance creativo de dicho rock progresivo que transforma el estilo en un nuevo amanecer estético que aúna a guitarristas como el noruego Terje Rypdal, Allan Holdsworth o Pat Metheny en “The Listening Trees” e incluso Robert Fripp.

The Gathering supone un ejercicio de volubilidad sonora, casi lagrimosa, donde Mark Wingfield reblandece su guitarreo atmosférico, a veces lejano y en otras cercano, pero siempre intenso, tensión que se masca y palpa en la batería de Asaf Sirkis o en los bajos de Tony Levin o Percy Jones, según el caso, e incluso en las oscuras atmósferas sintetizadas de Gary Husband.

Un álbum sólido y sin picos de sierra que se mantiene a caballo entre lo estático y lo vertiginoso y cuya coherencia sonora y estructural funde la tranquilidad y el sosiego con pasajes de mayor energía desde la partitura o la improvisación.

Brillante y dramático, comprometido, futurista en el presente y emotivo, The Gathering escribe una poética página tan bella y luminosa como espontánea y atrayente hasta a la adicción.

The Gathering es un viaje psíquico abierto e inhóspito, una odisea sonora atemporal y multiespacial donde perderse y encontrarse forma parte del laberintico camino a recorrer.

Mark Wingfield: The Gathering con Gary Husband, Asaf Sirkis, Tony Levin, Percy Jones

Mark Wingfield (guitarra eléctrica y soundscapes), Gary Husband (sintetizador, piano y batería en “The Corkscrew Tower”, “Pursued In The Snow”, “The Lost Room”), Asaf Sirkis (batería), Tony Levin (contrabajo eléctrico en “The Corkscrew Tower”, “Apparition In The Vaults”, “Purdue In The Snow”, “The Lost Room”, “The Listening Trees” y “Journey Home”) y Percy Jones (guitarra bajo sin trastes en “Stormlight”, “A Fleeting Glance”, “Together We Rise” y “Cinnamon Bird”).

“The Corkscrew Tower”, “Stormlight”, “Apparition In The Vaults”, “A Fleeting Glance”, “Pursued In The Snow”, “The Lost Room”, “The Listening Trees”, “Journey Home”, “Together We Rise” y “Cinnamon Bird”

Temas compuestos por Mark Wingfield.

Grabado en La Casa Murada, Jesús Rovira (España).

Publicado por MoonJune Records en 2024.

© Enrique Farelo, 2024