Loreena McKennitt/Treinta aniversario de The Mask and The Mirror (Noches del Botánico, Madrid. 2024-07-8)

 

Fecha: lunes, 8 de julio de 2024

Lugar: Real Jardín Botánico Alfonso XIII. Universidad Complutense de Madrid

Dudley Phillips: bajo eléctrico y contrabajo.

Robert Brian: batería y percusión.

Brian Hughes: guitarras y bouzouki.

Caroline Lavelle: violonchelo.

Loreena McKennitt: vocales, piano, teclados, arpa y acordeón.

Hugh Marsh: violín.

Colaboran:

Daniel Casares: guitarra flamenca

Ana Alcaide: nyckelharpa

Con 11 trabajos de estudio, desde el ya lejano Elemental del año 1985 hasta su recientemente publicado The Road Back Home de este mismo año, se presenta en las Noches del Botánico la muy laureada y mediática Loreena McKennitt, la gran dama de word music, la música celta y la new age.

Treinta años desde la aparición de su emblemático The Mask And Mirror, un disco que hablaba de España y de Marruecos, son motivo suficiente para la celebración de este concierto en Madrid.

Dos jornadas con aforo completo y, al menos en la correspondiente a la del día 8 dividida en 2 set con una duración de 1 hora con breve descanso por medio.

Y si, es cierto que The Mask And Mirror, es una de sus obras más importantes, pero siempre con el permiso de To Drive The Cold Winter Away de 1987, que es probamente su obra maestra por creatividad y turbadora sensibilidad y paradójicamente también la más desapercibida y “desconocida”.

En cuanto al concierto comenzó con puntualidad matemática haciendo ver que la precisión y la perfección sería el claro camino a recorrer, todo detalle es importante y todo se cuida con esmero desde la mesa de sonido como desde la de luminotecnia. Luces y sonido fueron de la mano y el resultado fue excelente.

La luz focal sobre la bella y rubia cabellera de Loreena McKennitt no fua casual, si no premeditada, haciéndola brillar como una estrella en la oscuridad.

En cuando a las dotes instrumentales y vocales de Loreena McKennitt podemos afirmar que sigue manteniendo ese glamur y esa sensibilidad tan característica desde los inicios de su carrera y que dieron como resultado pasajes de belleza hipnótica que la transformaron en la sirena que hoy sería capaz de embrujar al Ulises de la Odisea de Homero.

Su música se dirige tanto al corazón como a la mente, pero si tuviera que decantarme lo haría por el primero y, eso es algo que la emparenta con artistas de distinto pelaje artístico por lirismo poético, como la vocalista Annie Haslam del grupo de rock sinfónico progresivo Renaissance.

También podríamos hablar de su conexión étnica y globalista con el multinstrumentista alemán Stephan Micus por su afinidad musical planetaria, ambos no dudan en recoger tradiciones de cualquier parte del globo terráqueo y hacerlas suyas con naturalidad.

En cuanto a los músicos de la banda son elementos que se complementan encajando a la perfección en la filosofía de su lideresa, el violinista Hugh Marsh es elegante y posee una técnica afín y precisa, algo parecido podemos señalar de la aclamada por el numeroso público de la chelista Caroline Lavelle; Brian Hughes se manejó al detalle con soltura tanto al bouzouki como con las guitarras, Dudley Phillips y Robert Brian son el encaje y el empaste que cierra el grupo.

En cuanto a las colaboraciones, Ana Alcaide participó en tres piezas, en el primer set, en las composiciones “Penelope's Song” y “Ages Past, Ages Hence” y en el bis final “Tango To Evora” junto al guitarrista flamenco Daniel Casares; el cual participó en “Spanish Guitars And Night Plazas” y en “Santiago” demostrando su virtuosismo e influencias de Paco de Lucía.

“The Two Trees”, “Prospero’s Speech”, “The Mystic's Dream” y “The Bonny Swans” fuero momentos especialmente tiernos y delicados que dejaron un regusto exquisito para disfrute y recuerdo de nuestra memoria.

                                                                             Texto y Fotografías: © Enrique Farelo, 2024

Presentación del III Festival internacional de rock progresivo y música de vanguardia, MoonJune, Guadamur 2024 (Toledo)

 

                                                             Mauricio De Aguinaco, Leonardo Pavkovic, Sagrario Gutiérrez y Boris Savoldelli

El lugar elegido para la presentación fue el restaurante Venta de Aires (sala Verde) de Toledo.

Varios medios de comunicación se dieron cita para cubrir el acto, tales como ABC de Toledo, La Tribuna de Toledo u Onda Cero. 

La fecha elegida para dicha presentación, el 9 de julio, y el lugar de celebración, la localidad toledana de Guadamur, sita a penas a 12 kilómetros de la capital Imperial.

Dicha presentación contó con las máximas personalidades del evento, entre las que encontramos a Sagrario Gutiérrez, alcaldesa de dicha localidad, Leonardo Pavkovic director artístico y productor responsable de la discográfica Moonjune records y de la agencia artística de igual nombre, Mauricio De Aguinaco director creativo de la productora M Films Produccciones, además de la inestimable compañía del vocalista y músico italiano multidisciplinar Boris Savoldelli que nos deleitó al final de la presentación con una breve intervención de su faceta artística.

                                                                      Leonardo Pavkovic

Atrás quedaron las dos ediciones anteriores de Jajce (Bosnia y Herzegovina 2022) y Toledo (Casco Histórico 2023).

El presente festival se celebrará los días 20, 21 y 22 de septiembre coincidiendo con la luna llena de la cosecha. Y no es casualidad sino causalidad que así haya sido, ya que la luna llena de septiembre cuenta con una larga tradición festiva que servía de motivo para facilitar el trabajo de dicha cosecha.

                                                               Mauricio De Aguinaco

Las actuaciones se celebrarán en el Auditorio del Teatro Guadamur cuya capacidad está habilitada para albergar unas 400 butacas y las localidades, a un precio muy competitivo, pueden adquirirse tanto por días individuales como por el festival completo en esta dirección:

ABONO 3 DIAS / 3 DAYS PACKAGE - MoonJune Festival Guadamur - Mutick

El programa de artistas es realmente convincente al contar con figuras de renombre internacional tanto actuales como históricas, como Bill Bruford (jubilado como músico activo desde el año 2009) que participará en una mesa redonda sobre el King Crimson de los años 1972-1974, donde además firmará discos y libros. Por último, será homenajeado en un evento llamado In the Court of the Percussion King- Bill Bruford: The Man, The Myth, The Legend en el que se proyectará un video sobre su carrera.

El acto finalizará con la entrega de los premios Moonjune y del ayuntamiento de Guadamur por su trayectoria.

                                  Sagrario Gutiérrez y Boris Savoldelli

                                                              Boris Savoldelli en un momento de su breve actuación.

La lista de participantes se completará con David Cross Band, Gary Husband, Nguyen Le, el pianista suizo Nik Bärtsch, el vocalista Boris Savoldelli, el grupo de vanguardia iraní Quartet Diminished, (https://www.tomajazz.com/web/quartet-diminished-articulo) Susan Clynes, el grupo belga The Wrong Object, el trompetista Luca Calabrese, Anthony Garone Fracture y Markus Reuter y Beledo presentes en la pasada edición.

Texto y fotos © Enrique Farelo, 2024

Kevin Kastning-Mark Wingfield: Rubicon II (Greydisc Records 2024)

 

Mark Wingfield (guitarra eléctrica y soundscapes), Kevin Kastning (guitarra clásica extendida de 15 cuerdas, piano)

“Redshift Expansion”, “Observation Light Constant”, “Particle Apparent”, “Tidal Radius Thermalized”, “Variance Tensor Minus” y “Gravitational Well Inception”.

Temas compuestos por Kevin Kastning y Mark Wingfield.

Grabado en vivo en estudio, sin sobregrabaciones, en el Studio Traumwald en Groton, Massachusetts, EE. UU., del 17 al 18 de agosto de 2018.

Implementando libertades de colores que combinan texturas y emociones, creando atmósferas interminables, reinventando sonidos inhóspitos, explorando caminos sinuosos que convergen en pasajes sonoros imaginarios.

Kevin Kastning y Mark Wingfield son dos caudalosos ríos que desembocan en un profundo océano oscuro, fraternal y hermanados en 8 poéticas páginas: I walked into the silver darkness (Greydisc Records; 2011), An Illustrated Silence (Greydisc Records; 2012), Dark Sonatas (Greydisc Records; 2013), In Stories (Greydisc Records; 2014), Eleven Rooms (Greydisc Records; 2015), The Line to Three (Greydisc Records; 2017), Rubicon I (Greydisc Records; 2021), I dreamed of invisible journeys (Greydisc Records; 2022).

En Rubicon II se funden dos sonoridades diferentes pero complementarias, una eléctrica representada por Mark Wingfield y la otra acústica por Kevin Kastning, tan diferentes y cercanas que sorprende por la naturalidad y el entendimiento de estos dos visionarios adelantados a su tiempo.

Música de cámara, música intimista, introspectiva, imaginativa e innovadora que parte de instrumentos inventados como guitarra clásica extendida de 15 cuerdas de Kevin Kastning y las distorsiones lastimeras y dolientes de la guitarra eléctrica de Mark Wingfield que tiene su culmen dialogante en piezas como “Observation Light Constant”.

Rubicon II evoca la extraña y serena belleza negra, el misterio paradójico y luminoso que funde sonidos contrarios que se complementan como el Yin/Yan en la inicial “Redshift Expansion” y en “Particle Apparent”.

La composición de mayor extensión la encontramos en la inquietante y dialogante “Tidal Radius Thermalized”, una pieza para disfrute de un piano quebrado y contemporáneo en manos de Kevin Kastning al que responde un Mark Wingfield quejumbroso y reivindicativo, y que da como resultado una sonoridad dramática y densa, de atmósferas oscuras y reverberaciones profundas.

Negra poesía, música gótica para los siglos venideros, caminos curvados y sin explotar, búsqueda del silencio, de la pausa reflexiva, música para elegidos en la “infinita” “Variance Tensor Minus”.

Y, para terminar, lo que nunca parece finalizar con “Gravitational Well Inception”, una propuesta de sonido cristalino con un Kevin Kastning rememorando a Ralph Towner y un Mark Wingfield que solloza hasta la extinción.

 © Enrique Farelo, 2024

Mark Wingfield: The Gathering (MoonJune Records, 2024)

 

La posibilidad de que Terje Rypdal pusiera una “Pica en Flandes” allá por los años 70 del pasado siglo se ve como una realidad consolidada en el siglo XXI. Una forma y un sonido diferentes nacieron a su abrigo y hoy día guitarristas como Mark Wingfield son un referente basamentado en aquel sonido; un sonido que va más allá del rock progresivo tal y como lo entendemos y que fusiona elementos tan dispares como el dark ambient, el jazz-rock o el rock progresivo ecléctico.

La manera de tocar de Mark Wingfield supone un avance creativo de dicho rock progresivo que transforma el estilo en un nuevo amanecer estético que aúna a guitarristas como el noruego Terje Rypdal, Allan Holdsworth o Pat Metheny en “The Listening Trees” e incluso Robert Fripp.

The Gathering supone un ejercicio de volubilidad sonora, casi lagrimosa, donde Mark Wingfield reblandece su guitarreo atmosférico, a veces lejano y en otras cercano, pero siempre intenso, tensión que se masca y palpa en la batería de Asaf Sirkis o en los bajos de Tony Levin o Percy Jones, según el caso, e incluso en las oscuras atmósferas sintetizadas de Gary Husband.

Un álbum sólido y sin picos de sierra que se mantiene a caballo entre lo estático y lo vertiginoso y cuya coherencia sonora y estructural funde la tranquilidad y el sosiego con pasajes de mayor energía desde la partitura o la improvisación.

Brillante y dramático, comprometido, futurista en el presente y emotivo, The Gathering escribe una poética página tan bella y luminosa como espontánea y atrayente hasta a la adicción.

The Gathering es un viaje psíquico abierto e inhóspito, una odisea sonora atemporal y multiespacial donde perderse y encontrarse forma parte del laberintico camino a recorrer.

Mark Wingfield: The Gathering con Gary Husband, Asaf Sirkis, Tony Levin, Percy Jones

Mark Wingfield (guitarra eléctrica y soundscapes), Gary Husband (sintetizador, piano y batería en “The Corkscrew Tower”, “Pursued In The Snow”, “The Lost Room”), Asaf Sirkis (batería), Tony Levin (contrabajo eléctrico en “The Corkscrew Tower”, “Apparition In The Vaults”, “Purdue In The Snow”, “The Lost Room”, “The Listening Trees” y “Journey Home”) y Percy Jones (guitarra bajo sin trastes en “Stormlight”, “A Fleeting Glance”, “Together We Rise” y “Cinnamon Bird”).

“The Corkscrew Tower”, “Stormlight”, “Apparition In The Vaults”, “A Fleeting Glance”, “Pursued In The Snow”, “The Lost Room”, “The Listening Trees”, “Journey Home”, “Together We Rise” y “Cinnamon Bird”

Temas compuestos por Mark Wingfield.

Grabado en La Casa Murada, Jesús Rovira (España).

Publicado por MoonJune Records en 2024.

© Enrique Farelo, 2024

Biréli Lagrène Trio (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, Teatro Pavón, Madrid. 2023-10-30)

Fecha: Lunes, 30 de octubre de 2023

Lugar: Teatro Pavón (Madrid)

Formación:

Biréli Lagrène: guitarra eléctrica.

William Brunard: contrabajo.

Raphaël Pannier: batería.

Después de 50 años unido a las guitarras, ahora tiene 57, Biréli Lagrène sigue siendo un mago de la improvisación que continúa provocando sensaciones positivas en sus conciertos. Con un estilo único, su sonido es inconfundible, ya sea cuando utiliza la guitarra acústica o la eléctrica. No existen retos difíciles para este artista nacido en Soufflenheim (Francia), que a los 14 años se ganó fama mundial en el Festival de Jazz de Montreux de 1981 con una actuación legendaria. Fue el gran Django Reinhardt quien envenenó a este prodigio y le inoculó los sonidos de la guitarra. Por eso se convirtió en el más fiel seguidor del jazz manouche, aunque tampoco ha dejado de lado a los más clásicos guitarristas que fueron puliendo su estilo en sus inclinaciones posteriores. Hasta el punto que, a lo largo de su carrera, ha interpretado con aires más swing en la línea de Joe Pass, Wes Montgomery o George Benson, sin olvidar otras influencias de líneas más duras como Jaco Pastorius, Stanley Clarke, Jimi Hendrix o Jean-Luc Ponty en terrenos del jazz rock. Ha grabado más de 40 discos, y se dice pronto.

Lagrène es un músico que domina todas las facetas del jazz y en esta ocasión dejaba de lado su trío de “gipsy”, en el que suele acompañarse por otro guitarrista y un violinista o saxofonista, para ofrecer un concierto al más puro estilo clásico, con el contrabajista William Brunard y el batería Raphaël Pannier. En la decena de temas que interpretó, el trío ofreció un denominador común resumido en un swing muy relajado por momentos y por otros más feroz, dando rienda suelta a discursos más “boppers”. Para el guitarrista galo, que echó mano de varios standards, no hay tema que se le resista, porque tan solo se aproxima a ellos de refilón. El resto es una demostración de improvisaciones llenas de colorido con pinceladas más o menos líricas.

Desde el legendario “Somewhere over the rainbow” hasta el “Isn,t she lovely” de Stevie Wonder, pasando por “Salt Peanuts”, un clásico del be bop de Dizzy Gillespie, cualquier tema es una excusa para demostrar que de sus manos salen sonidos que avanzan siempre con alegría. En su cabeza están contenidos todos los recursos posibles para tocar una guitarra. No hay secretos y es capaz de alcanzar metas que solo los grandes creadores pueden conseguir.

Biréli juega con los sonidos, las armonías y frases, se ramifica constantemente, sin traicionar nunca su tempo interior. Es un alquimista que es capaz de mezclar distintas culturas, ya sean gitana, francesa o neoyorkina. Juntó a una sección rítmica muy solvente, que supo dar la medida apropiada, con un Raphaël Pannier que brilló en sus solos y acentos rítmicos. William Brunard al contrabajo perfiló las interpretaciones de Biréli con firmeza. La guitarra de Biréli se recrea en sus discursos solitarios con una serenidad que invita a la máxima atención.

Biréli Lagrène es un músico inigualable que lleva el jazz en las venas y pone en práctica mediante su grandísima técnica y el despliegue de su profunda inspiración. No merece más calificativos que genial.

Texto: © Carlos Lara, 2023

Fotografías: © Enrique Farelo, 2023

Juan Saiz Cuarteto (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, Centro Centro, Madrid. 2023-11-02)

Fecha: Jueves, 2 de noviembre de 2023

Lugar: Centro Centro (Madrid)

Formación:

Juan Saiz: saxo tenor, saxo soprano y flauta

Marco Mezquida: piano

Eric Surmenian: contrabajo

Genís Bagés: batería y percusiones

Con la presentación en Madrid de los temas de su quinto disco, Pindio II, Juan Saiz ha subido un peldaño más en su trayectoria musical. Sus composiciones son imprevisibles desde el principio hasta el final. Un caleidoscopio sonoro cuyos ángulos encajan en base al free, la música improvisada o incluso la de vanguardia. Tal y como ya escribí en su momento, la sintonía entre estos músicos inquietos, arriesgados y sumamente creativos es perfecta en el proyecto. Su presentación en directo corrobora y amplía mis apreciaciones.

El saxofonista, flautista y compositor santanderino estuvo acompañado por Marco Mezquida al piano, Eric Surmenian al contrabajo y Genís Bagés a la batería y percusiones, que dieron comienzo al concierto con el tema “Index librorum prohibitorum”, una pieza que irradia toda la fuerza que el grupo es capaz interpretar desde que comienza con diversos desarrollos y se va introduciendo por vericuetos cada vez más complejos y de los que el cuarteto sale airoso con brillantez.

En “El Impostor”, comienza el trío con fuerza e interviene Juan Saiz con el saxo soprano en una línea ascendente llena de fortaleza. El cuarteto se muestra a fondo con apoyos de todos los músicos. Los fraseos de Juan son consistentes y llenos de connotaciones de libre improvisación. Marco Mezquida recoge el guante en una aportación percusiva que va acelerando para crear una atmósfera hipnotizadora de pleno confort sonoro. Con apoyo del resto del grupo, la pieza adquiere un colorido especial muy sugerente y termina con una libre improvisación del saxofonista a dúo con el pianista.

“Pindio” es una muestra clara de los sonidos libres que muestra este grupo. Con la dirección del saxo tenor, el resto de músicos se encamina hacia una explosión sonora en la que podemos intuir por momentos. Se roza tangencialmente la música clásica de vanguardia con un sonido de flauta inquietante y a la vez sugerente. El tema consta de un gran solo de flauta y un no menos gran solo de Marco Mezquida. Una composición sumamente brillante, original e innovadora.

En “Aurora”, el cuarteto guarda una intimidad casi de grupo de cámara con una preciosa balada entre la flauta y el piano. A continuación la sección rítmica va enriqueciendo el tema por un camino lírico muy bien desarrollado, con un resultado final que encandila.

En “Prelude to Eber” y “Eber”, se fusionan el free jazz y la libre improvisación con sonidos de compositores vanguardistas del siglo XX. El soprano avanza junto con el resto de instrumentos como si fueran pinceles que van creando un cuadro irreconocible, pero lleno de posibles interpretaciones. Con el saxo tenor, Juan Saiz se introduce por unos laberintos sonoros que por momentos recuerdan al mismo Peter Brötzman. El tema adquiere una fuerza contagiosa en todo momento.

“Bellaskos” se inicia con una larga improvisación de Marco Mezquida al piano con mucha carga de profundidad y diferentes enfoques sonoros. El desarrollo del tema pasa por distintos registros y la precisión y complementariedad entre los músicos se expresan muy creativamente. El brillante final de Juan Saiz con el saxo tenor puso final a un tema en el que la liturgia sonora del grupo se cumplió otra vez. “El grito” supuso un buen broche final con toda su fuerza de combinaciones entre el saxo tenor y el contrabajo, junto con los múltiples recursos de la batería y el virtuosismo indomable del piano. Una pieza en la que el saxofonista vuelca su expresividad sonora en un grito sugerente.

Escuchar la música del cuarteto de Juan Saiz plantea cuestiones, provoca debate y genera ideas. Todo ello no sería posible si no fuera un grupo tan sólido y contrastado que deja su sello de calidad en cada uno de los temas que interpreta.

Texto: © Carlos Lara, 2023

Fotografías: © Enrique Farelo, 2023

James Carter Organ Trio (10 Festival Internacional JazzMadrid 2023, Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, Madrid. 2023-11-16)

Fecha: jueves 16 de noviembre de 2023. Hora: 19:00

Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa (Madrid)

Componentes:

James Carter: saxos alto, soprano y tenor

Gerard Gibbs: órgano Hammond B-3

Alex White: batería

A modo de tributo a Django Reinhardt, James Carter, puso sobre el “tapete” las composiciones que iban a formar parte del concierto y que formaron parte de su directo Live From Newport Jazz del año 2019 y con idéntica formación.

De esta manera el multisaxofonista de Detroit presentó sus credenciales en Madrid con su fraseo enérgico, que desde los primeros compases le acompañó hasta el final de la actuación.

Cierto y verdad es que sonaron piezas del su último trabajo hasta la fecha, en ese nombrado homenaje a Django Reinhardt, como “Le Manoir De Mes Reves”, “Melodie Au Crepuscule” o “Pour Que Ma Vie Demeure”, pero no menos cierto es que si las composiciones hubieran sido propias, James Carter habría sonado exactamente igual, su discurso abrasivo, su torrente enérgico y su aglutinar todas las características propias del jazz americano son intrínsecamente inevitables como músico y como saxofonista.

El groove y el jazz-funk, el swing, el feeling y sus numerosos crescendos e in crescendos le transformaron en ocasiones en un furioso elefante, donde cualquier saxo se erigía en trompa o en una locomotora exprés, fábrica de mil notas, al compás de su contorneo incesante e incansable.

James Carter es un espectáculo, no duda y ofrece lo mejor de sí sin desmayo, ya sea a trío, cuando se enfrenta a dúo con Alex White o con Gerard Gibbs o monologando, pero en todas sale victorioso emergiendo como un tótem poderoso que deja espacio para el lucimiento en los solos de sus acólitos; solos muy aplaudidos y reconocidos en tiempo y forma, tanto para la modulación y el groove de Gerard Gibbs al órgano Hammond B-3, como al baquetear incesante, pero preciso del hard boper Alex White.

Un goce muy saludable para todos los amantes del buen y autentico jazz, al que solo habría que ponerle un pero a pesar de tanta generosidad, James Carter se despidió sin más y sin el al menos, “obligado” regalo de un tema extra.

Texto: / Fotografías: © Enrique Farelo, 2023