Aurora Clara/Monete club

Aurora Clara

Fecha: sábado, 29 de marzo de 2025

Lugar: Monete club (Alberto Alcocer 32, Madrid)

Grupo:

Raúl Mannola: guitarra eléctrica de doble mástil.

Juan Carlos Aracil: flauta travesera y flauta travesera tenor.

Nill Olivera: bajo eléctrico.

Denis Bilanin: teclados.

Miguel Díaz: batería.

Comentario: La denominación de Aurora Clara fuera del contexto de banda de jazz-rock puede llevar a la confusión y a desviar la atención de quienes no saben de la existencia del grupo llevándoles equivocadamente a pensar en cantantes de éxito efímero nacidas al abrigo de ciertos concursos televisivos.

Aurora Clara propone un rock progresivo ecléctico donde tiene cabida un sinfín de propuestas artísticas y estéticas que mucho tienen que ver con los gloriosos años 70 del pasado siglo XX.

Su manera de encarar el jazz-rock tiene personalidad propia y un sonido definido, coherente y contundente donde se aúnan influencias que van desde la Mahavishnu orchestra, Shakti o Camel hasta la música laietana con grupos como Iceberg o Gotic, o el rock progresivo andaluz con Imán, Cai o  Guadalquivir.

Residentes en Madrid y liderados por el finlandés Raúl Mannola, Aurora Clara lleva publicados cuatro trabajos desde el año 2019 hasta el año 2024; desde el inicial Transformation, (Youkali Music 2019) pasando por Clear Dawn (Youkali Music 2022), Dreams (Youkali Music 2023) o su último disco IV (Youkali Music 2024).

Ha contado con valiosas y significativas colaboraciones como la del violinista Jerry Goodman (Mahavishnu orchestra) en sus dos primeros discos.

Esta formación multinacional, cuanta con un rumano, Denis Bilanin, un brasileño, Nill Olivera y dos españoles, Juan Carlos Aracil y Miguel Díaz, además del ya mencionado, Raúl Mannola.

Con respecto al concierto, mencionar que el hecho de haberse celebrado en Monete, un club de reducidas dimensiones en cuanto a escenario y local, influyó directamente en el sonido de la banda, ocasionando que la batería de Miguel Díaz solapara el teclado de Denis Bilanin, oscureciendo sus intervenciones en segundo plano y en menor medida cuando se erigía como protagonista de algún solo; no quiero con esto minusvalorar la labor de Miguel Díaz en los platos (sus posibilidades cromáticas son imaginativas siendo su mayor debe, la excesiva contundencia, que quizás debió atemperar en momentos puntuales), más bien lo que quiero enfatizar es el problema de la acústica del local.  

Las señaladas reducidas dimensiones del local limitaron las posibilidades de desarrollo de la banda, que a buen seguro podrán demostrar con mayor soltura en salas más acordes a su música.

    
Los solos como las interactuaciones y diálogos, fundamentalmente corrieron a cargo tanto de Juan Carlos Aracil y Raúl Mannola, que se convirtieron en protagonistas de mayor importancia a lo largo de los 75 minutos de concierto. Nill Olivera validó su condición de bajista de forma contundente, precisa y con un funk fluido que empastó exigente con el quinteto.

El programa del concierto estuvo integrado, entre otras piezas por “Five Sisters” (IV), la trilogía “Clear Dawn”, “The Race Has Begun” y “Bicycling To Funkistan” (Clear Dawn) o por “I Remember Shakti”, en clara alusión al grupo de indo jazz, Shakti, liderado por John McLaughlin.

Aurora Clara es la viva encarnación del espíritu de los años 70 y su filosofía y del sonido de aquella década prodigiosa, un pedazo de historia viva del siglo XX en el siglo XXI.

Un concierto que nos dejó con hambre y que esperamos saciar en otro momento y lugar.

¡Qué sea pronto!

                                                                                                © Enrique Farelo, 2025

Fotografías: © Sami Auvinen/Fotonordica (https://www.instagram.com/fotonordica/) 2025 

Mikel Azpiroz trío

21 DISTRITOS: Concierto de Mikel Azpiroz trío

Fecha: Viernes 28 febrero de 2025

Lugar: C.C. VALDEBERNARDO Bulevar Indalecio Prieto, 21 Madrid.

Grupo: Mikel Azpiroz: piano

Fernando Neira: contrabajo

Karlos Arancegui: batería

Se presenta y presenta su discografía a modo de biografía artística; Gaua 2013 (Noche), Zuri 2016 (A ti), Islak (Isla) 2020 y su último trabajo del año 2023, Pake Pieza.

Y todo sin parar desde el inicio hasta el final. Sin espacios ni pausas pero jugando con el silencio.

El pianista apacible, elegante, poético y preciso, además de reflexivo, intimista y meditativo, ese es, Mikel Azpiroz, al igual que sus compañeros de viaje.

El pianista, el compositor del bop y del cool como la brisa que acaricia los oídos y alegra, por igual, el corazón y el cerebro.

Vino sutil, se marchó aclamado desde lo sereno y lo sencillo, embelesando y convenciendo seres y entes.

Su ensueño “calmario” de poética introspección, amansando a las fieras si las hubiere, alimenta los espíritus sensibles; alcanza a los profanos y deleita a los melómanos.

Deja aroma de buen poso y mejor regusto, aplausos y algarabías, vítores al abandonar las tablas y deja ganas de más.

Dos bises para coronar el menú, uno a piano solo (“Zuri”) y otro a trío (“Chisa”) como homenaje a Dollar Brand, posteriormente Abdullah Ibrahim, y siempre entre Bill Evans y Tord Gustavsen, ambos separados por el tiempo y la latitud geográfica, pero unidos por su femenina y sensible manera de tocar.

Tranquilos y ordenados abandonamos la sala del concierto con una ración de paz para cada cual.

Un adiós que no será un para siempre, sino un hasta pronto.

© Enrique Farelo, 2025

Tony Levin/Bringing It Down to the Bass (Flatiron Recordings 2024)

 

Composiciones: 1/ “Bringing It Down to the Bass”, 2/ “Me and My Axe”, 3/ “Road Dogs”, 4/ “Uncle Funkster”, 5/ “Boston Rocks”, 6/ “Espressoville”, 7/ “Give the Cello Some”, 8/ “Side B/Turn It Over”, 9/ “Beyond the Bass Clef”, 9/ “Bungie Bass”, 10/ “Fire Cross the Sky”, 11/ “Floating in Dark Waters”, 12/ “On the Drums”, 13/ “Coda”.

Composiciones de Tony Levin excepto “Uncle Funkster” de Vinnie Colaiuta.

 Músicos: Tony Levin (bajo, violonchelo en 3, 7, 9, 10, Stick en 3, 4, 5, 9, 11, Voz en 3, 5, 7, 8, 11, 13 y piano en 14; Manu Katche (batería en 1); Jeremy Stacy (batería en 3); Vinnie Colaiuta (batería 4); Mike Portnoy (batería en 5); Steve Gadd (batería en 6); Pat Mastelotto (batería en 10); Jerry Marotta (batería en 2,7, percusión en 12); Dominic Miller (guitarra solo en 1); Steve Hunter (guitarra solo en 2); Earl Slick (guitarra solo en 5); Joe Caro (guitarra solo en 6); David Torn (guitarra solo en 10); Markus Reuter (Bridge rhythm touch guitar en 3); Robert Fripp (soundscape en 12); Pete Levin (teclados en 1, 3 y 6, órgano en 7); Larry Fast (teclados en 2); Gary Husband (teclados en 5, 9); Chris Pasin (trompeta en 1, 6); Josh Shpak (trompeta en 6); Alex Foster (saxo alto en 1); Jay Collins (saxo barítono en 1); Don Mikkelsen (trombón en 6); L.Shankar (violín en 9); Colin Gatwood (oboe, english horn en 9), Linnea Olsson y Bess Brydolf (violonchelo en 14).

Comentario: Tony Levin, el bajista, el Stick Man, el miembro de King Crimson, Peter Gabriel o Stick Men entre otros, publica Bringing It Down to the Bass, un álbum de 14 piezas cortas y un ingente número de músicos destacados. Séptimo trabajo bajo su nombre desde el lejano Stick Man del año 2007 o mejor el firmado al alimón por Levin, Torn, White en el año 2011.

Bringing It Down to the Bass, es ecléctico, ameno y variado a lo largo de todo el álbum y en cada uno de los cortes que lo componen; desde la inicial y homónima “Bringing It Down to the Bass” nos topamos con un enérgico jazz-rock arropado por los metales y los solos de Dominic Miller y Alex Foster, algo que vuelve a encontrar cobijo en la luminosa “Espressoville” o en el relajante y bailable rhythm &blues de “Me and My Axe”.

Rock progresivo tan obsesivo como melódico que recuerda a la banda UK y que se aleja de ella con un estribillo gutural en “Road Dogs”. 

En “Uncle Funkster” es la hora de mostrar un dialogo entre Tony Levin y Vinnie Colaiuta en clave funk.

Riff de Tony Levin al bajo stick y contundencia de Vinnie Colaiuta en los tambores.

De vuelta al rock progresivo de la mano de “Boston Rocks”. Carácter crimsoniano que se mezcla con el metal y el brillo de la guitarra de Earl Slick.

“Give the Cello Some” es una composición para la expresión lujuriosa del groove y el órgano de Pete Levin, además de un giño a la música de concierto con el violonchelo de Tony Levin.

Rompiendo el molde y practicando el humor irónico vocal a capela en “Side B/Turn It Over”. Una composición en exclusiva donde Tony Levin toca el bajo y canta como lo harían los The Mothers of Invention de Frank Zappa.

“Beyond the Bass Clef” es turbadora, envolvente y bella. Rock progresivo lirico y delicado como el terciopelo, enriquecido por el violín de L. Shankar y el oboe y el english horn de Colin Gatwood.

“Bungie Bass”, otra vuelta de tuerca para regresar a King Crimson. Ambientes electrizantes, casi delirantes en clave sosegada de la mano de David Torn, Tony Levin pulsa fuerte y Pat Mastelotto crea tensas atmósferas.

“Fire Cross the Sky”, el stick y la voz, todo es para Tony Levin. Una pieza sensible poético-recitativa, oscura, dramática y minimalista.

En “Floating in Dark Waters” brilla un oscuro contrabajo, (Tony Levin) cual paradoja sonora, que combina con ambientes frippertronicos  (Robert Fripp) y reverberante percusión. (Jerry Marotta)

“On the Drums”, un título evidente para honra y homenaje de un montón de baterías emblemáticos desde la perspectiva vocal de Frank Zappa&The Mothers of Invention y Gentle Giant.

 “Coda”, bello y romántico final, una coda a modo de música orquestal culta, una bucólica delicatesen.

  © Enrique Farelo, 2025 

Luca Calabrese-I Shin Den Shin (MoonJune Records 2024)

 

Composiciones: 1/ “Dissolution”, 2/ “Appointment with the Truth”, 3/ “A New Reality”, 4/ “Pure Mind (without a body)”, 5/ “Heart to Heart” y 6/ “Magnetic Soul”.

Composiciones de Calabrese/Reuter/Lê/Wingfield/Dowerk, excepto “Magnetic Soul” de Reuter/Calabrese.

Grabado en La Casa Murada, estudios de Jesús Rovira, Banyeres del Penedés, Catalunya, España, el 5 de septiembre de 2022.

Músicos: Luca Calabrese (trompeta de bolsillo), Nguyên Lê y Mark Wingfield (guitarra eléctrica), Markus Reuter y Alexander Dowerk (Touch Guitar AU8, Soundscapes).

Comentario: I-shin-den-shin es un concepto japonés que se suele traducir como: “Lo que la mente piensa, el corazón lo transmite”, lo que supone la transmisión de emociones y pensamientos sin necesidad de una comunicación verbal. Aclarado el concepto, parece que el trompetista Luca Calabrese quisiera llevarnos por ese camino de espiritualidad budista o el confucianismo “telepático”.

Y desde la inicial “Dissolution”, ya apunta hacia esa espiritualidad ingrávida e intimista de atmósferas densas y oscuras como ofrenda hacia un viaje al interior del ser.

La propuesta zen continúa alimentada en la segunda de las estaciones poético-sonoras, (“Appointment with the Truth”) confluyendo la electroacústica multisensorial de la trompeta de bolsillo de Luca Calabrese y la diversidad guitarrística.

“A New Reality” aporta texturas dark ambient, cruce de instrumentos dispuestos en capas sonoras que apuntan en diversas direcciones, desde Jon Hassell a David Sylvian o al propio Richard Barbieri, con el que trabajó en el proyecto Planets + Personaen en el año 2017.

“Pure Mind (without a body)” vuelve o, mejor, no abandona la quietud ni la calma, más bien profundiza en ella desde una visión experimental y contemporánea tan indolente como misteriosa, espectral y en ocasiones delirante.

“Heart to Heart”, paisajes desolados e inhóspitos y bucles de nu-jazz o dark jazz con Arve Henriksen o Bohren & der Club of Gore.

“Magnetic Soul”, define tonalidades etéreas y frías cercanas al ártico. Trance, meditación y psicología transpersonal.

 © Enrique Farelo, 2024

Beledo-Flotando en el vacío (moonjune records 2024)

 

Composiciones:

1/ “Djelem Djelem”, 2/ “Rauleando”, 3/ “De tardecita”, 4/ “Flotando en el vacio”, 5/ “Es prohibeix blasfemar”, 6/ “Candombesque”, 7/ “From Within” y 8/ “Rodeados”.

 Composiciones de Beledo, Pardo, Benevaet, Sirkis y Husband en 3,5,8; Beledo en 2,4,6,7

Grabado en La Casa Murada estudios de Jesús Rovira, Banyeres del Penedés, Catalunya, España, el 6 y 7 de septiembre de 2021.

Músicos: Beledo (Guitarra eléctrica, guitarra española, piano acústico, violín), Asaf Sirkis (Batería), Jorge Pardo (flauta y saxo tenor) y Carles Benavent (bajo eléctrico).

Colaboran: Gary Husband (Fender Rhodes piano, Mimi Moog en 3.5.8) y Ramón Echegaray (percusión candombe en 6)

Comentario: Todo el embrujo, el zapateo y el espíritu andalusí en “Djelem Djelem”, himno de los gitanos rumanos, con la turbadora flauta travesera de Jorge Pardo al inicio sin acompañamiento, y a través de toda la pieza con el resto. Beledo se debate entre la guitarra flamenca y el violín místico. Mi composición favorita del álbum.

“Rauleando”, compuesta por Beledo para Raúl Jaurena (maestro del tango uruguayo) e influenciada por el sonido del Chick Corea más hispanizado.

La belleza mediterránea y el jazz-rock perfilado en el Fender Rhodes piano y Mimi Moog del maestro Gary Husband y la guitarra omnipresente de Beledo, la contundencia del bajo de Carles Benavent, la batería revoltosa de Asaf Sirkis y el colorido de Jorge Pardo en la pasional flauta travesera caracterizan la improvisada “De tardecita”.

“Flotando en el vacío”, es una composición de Beledo para Siddhartha, banda que lideró desde 1977 a 1982.

En este corte podemos apreciar una rica variedad instrumental donde Beledo destaca al piano acústico , la guitarra eléctrica a lo Allan Holdsworth, Jorge Pardo a la flauta y el saxo tenor con Asaf Sirkis y Carles Benavent marcando la pauta de los numerosos relevos instrumentales.

“Es prohibeix blasfemar” es una sólida improvisación donde fluye el jazz-rock de aires flamencos que salen de la embocadura de la flauta de Jorge Pardo. El resto son diálogos entre Gary Husband al Fender Rhodes y la guitarra eléctrica de Beledo con un final que abrocha perfecto.

En “Candombesque” “monologo” entre el piano y la guitarra eléctrica de Beledo que implementa el saxo tenor de Jorge Pardo y pone el candado la percusión candombe de Ramón Echegaray.

“From Within”, si señor, jazz-rock para una intensa y fluida conversación entre la guitarra eléctrica de Beledo y una vez más la flauta de Jorge Pardo.

La guinda del pastel la pone “Rodeados”. Una multiplicidad de instrumentos debate y dialogan ofreciendo mil caras sonoras, apareciendo y sumergiéndose; ahora el saxo tenor, el Fender Rhodes, el piano acústico y la guitarra. El bajo eléctrico y siempre la batería son el metrónomo. Un toque de distinción delirante para un final improvisado, tan intenso como bien acabado.

 © Enrique Farelo, 2024

Ángel Ontalva-Persian Courtyard (octoberXart Records, 2024)

Desde la inicial “The dragon is asleep” hasta “That bloody house”, ambas incluidas, formaron parte de Twelve days of Winter, (octoberXart Records, 8 de enero de 2024) un mini álbum en el que Ángel Ontalva tocaba todos los instrumentos (desde las guitarras, bajo y teclados hasta las composiciones), y que sirvió de embrión para éste Persian Courtyard.

Podemos afirmar que estamos ante la mismas partituras, más 4 composiciones extras, arreglos diferentes e instrumentalmente implementados por una viola, un bajo y una batería.

La inclusión del Mellotrón sampleado (que rememora a Robert Wyatt o Hatfield and the North e incluso yendo más allá al Tony Banks de Genesis) es una de las características más acusadas del disco por encima de la guitarra.

El origen de la música que se incluye en este álbum parte del tiempo en que Ángel Ontalva estuvo hospedado en la ciudad rusa de Astracán, en el denominado edificio Patio Persa, durante los meses de Noviembre y Diciembre de 2023.

En cuanto a Persian Courtyard, sus formas intrincadas, sus matices y sus colores sonoros suponen una propuesta artística que eleva el nivel de compromiso a lo más alto y sin reservas, donde se dan cita, además de cierto aroma étnico, el rock de cámara, el jazz, el rock progresivo Canterbury (“The dragon is asleep”, “Fable of the fox and the sheep”, “Looking back” o “Satellites”) e incluso la música contemporánea.

Compuesto por once piezas cortas de poética belleza (“A door is closed, a window is open”), de pasajes misteriosos y fantasmales (“That bloody house”, “Beyond the fiery river”) y por momentos surrealista.

Jazzística e igualmente fantasmal se muestra “Between two worlds”; “A decadent ballroom (echoes of a faun)”, es un ensueño que mezcla el rock Canterbury y el bolero;

“Una para El Camino”, extrañamente abraza el spaghetti western e “In my dreams, dreams”, es un collage sonoro entre la música de cámara y fragmentos de películas vintage.

A modo de reflexión concluiré, que ciertas expresiones musicales conllevan una técnica y una complejidad que exige del escuchante un esfuerzo y un conocimiento acorde a dicha música, y este es el caso de Ángel Ontalva, ya sea en solitario o con su grupo October Equus; estar en posesión de ese esfuerzo y ese conocimiento te hará adentrarte en el complejo y enriquecedor mundo de Persian Courtyard.

Texto: © Enrique Farelo, 2025

Ángel Ontalva: Persian Courtyard

Anna Anshakova (viola), Víctor Rodríguez (cello virtual en “The dragon is asleep”); Avelino Saavedra (batería y percusión) y Ángel Ontalva (guitarra, bajo, M-Tron Pro keyboards).

1- “The dragon is asleep”, 2- “A door is closed, a window is open”, 3-“Fable of the fox and the sheep”, 4-“Between two worlds”, 5-“A decadent ballroom (echoes of a faun)”, 6-“Looking back”, 7-“That bloody house”, 8-“Beyond the fiery river”, 9- “Satellites”, 10- “Una para El Camino” y 11-“In my dreams, dreams.”
Todos los temas compuestos por Ángel Ontalva.

 Artwork formado por un collage de fotografías del Patio Persa y fotogramas de viejas películas mudas realizado por el propio Ángel Ontalva.

Publicado por OctobertXart Records en 2024

Loreena McKennitt/Treinta aniversario de The Mask and The Mirror (Noches del Botánico, Madrid. 2024-07-8)

 

Fecha: lunes, 8 de julio de 2024

Lugar: Real Jardín Botánico Alfonso XIII. Universidad Complutense de Madrid

Dudley Phillips: bajo eléctrico y contrabajo.

Robert Brian: batería y percusión.

Brian Hughes: guitarras y bouzouki.

Caroline Lavelle: violonchelo.

Loreena McKennitt: vocales, piano, teclados, arpa y acordeón.

Hugh Marsh: violín.

Colaboran:

Daniel Casares: guitarra flamenca

Ana Alcaide: nyckelharpa

Con 11 trabajos de estudio, desde el ya lejano Elemental del año 1985 hasta su recientemente publicado The Road Back Home de este mismo año, se presenta en las Noches del Botánico la muy laureada y mediática Loreena McKennitt, la gran dama de word music, la música celta y la new age.

Treinta años desde la aparición de su emblemático The Mask And Mirror, un disco que hablaba de España y de Marruecos, son motivo suficiente para la celebración de este concierto en Madrid.

Dos jornadas con aforo completo y, al menos en la correspondiente a la del día 8 dividida en 2 set con una duración de 1 hora con breve descanso por medio.

Y si, es cierto que The Mask And Mirror, es una de sus obras más importantes, pero siempre con el permiso de To Drive The Cold Winter Away de 1987, que es probamente su obra maestra por creatividad y turbadora sensibilidad y paradójicamente también la más desapercibida y “desconocida”.

En cuanto al concierto comenzó con puntualidad matemática haciendo ver que la precisión y la perfección sería el claro camino a recorrer, todo detalle es importante y todo se cuida con esmero desde la mesa de sonido como desde la de luminotecnia. Luces y sonido fueron de la mano y el resultado fue excelente.

La luz focal sobre la bella y rubia cabellera de Loreena McKennitt no fua casual, si no premeditada, haciéndola brillar como una estrella en la oscuridad.

En cuando a las dotes instrumentales y vocales de Loreena McKennitt podemos afirmar que sigue manteniendo ese glamur y esa sensibilidad tan característica desde los inicios de su carrera y que dieron como resultado pasajes de belleza hipnótica que la transformaron en la sirena que hoy sería capaz de embrujar al Ulises de la Odisea de Homero.

Su música se dirige tanto al corazón como a la mente, pero si tuviera que decantarme lo haría por el primero y, eso es algo que la emparenta con artistas de distinto pelaje artístico por lirismo poético, como la vocalista Annie Haslam del grupo de rock sinfónico progresivo Renaissance.

También podríamos hablar de su conexión étnica y globalista con el multinstrumentista alemán Stephan Micus por su afinidad musical planetaria, ambos no dudan en recoger tradiciones de cualquier parte del globo terráqueo y hacerlas suyas con naturalidad.

En cuanto a los músicos de la banda son elementos que se complementan encajando a la perfección en la filosofía de su lideresa, el violinista Hugh Marsh es elegante y posee una técnica afín y precisa, algo parecido podemos señalar de la aclamada por el numeroso público de la chelista Caroline Lavelle; Brian Hughes se manejó al detalle con soltura tanto al bouzouki como con las guitarras, Dudley Phillips y Robert Brian son el encaje y el empaste que cierra el grupo.

En cuanto a las colaboraciones, Ana Alcaide participó en tres piezas, en el primer set, en las composiciones “Penelope's Song” y “Ages Past, Ages Hence” y en el bis final “Tango To Evora” junto al guitarrista flamenco Daniel Casares; el cual participó en “Spanish Guitars And Night Plazas” y en “Santiago” demostrando su virtuosismo e influencias de Paco de Lucía.

“The Two Trees”, “Prospero’s Speech”, “The Mystic's Dream” y “The Bonny Swans” fuero momentos especialmente tiernos y delicados que dejaron un regusto exquisito para disfrute y recuerdo de nuestra memoria.

                                                                             Texto y Fotografías: © Enrique Farelo, 2024