viernes, 3 de abril de 2020

Talinka: Rainbow Over Kolonaki (Fanfare Records, 2020)



Talinka aglutina una paleta de estilos multicolor desde la sencillez, la calidez y la sensibilidad que produce una agradable experiencia sonora. Desde el vals, el tango, el folk y por supuesto el jazz como base de partida, convierte Rainbow Over Kolonaki en un paseo por un museo donde cada pieza es una obra maestra donde recrearse, admirar y disfrutar serenamente.

Diez cuadros completan una pinacoteca de imágenes sonoras para viajar a cada una ellas y para perderse en su interior tan lejos como la imaginación te lleve.

Entre los “cuadros” de la exposición encontramos un viaje a la época de Rey Enrique VIII de Inglaterra con “Greensleeves” cuya pieza es atribuida al monarca que transitó entre los siglos XV y XVI, y que dedicó a su amante y futura reina consorte Ana Bolena.

Tal es la belleza turbadora de esta canción que incluso Loreena McKennitt también se fijó en ella.

No menos impactante es “She Moved Through the Fair”, otra perla de marcado carácter folclórico que rememora a Pentangle o al John Renbourn Group.

Completan la terna de episodios folclóricos “Scarborough Fair” para regocijo de Simon And Garfunkel que popularizaron el tema en su álbum Parsley, Sage, Rosemary And Thyme. La descriptiva versión se refugia en el “silencio vocal medieval” de Tali Atzmon y Jenny Bliss aderezada por el acordeón de Gilad Atzmon, el contrabajo de Yaron Stavi y el violín barroco de la nombrada Jenny Bliss.

Una cuarta pieza nos acerca al mundo del feeling  jazz a través de Frank Sinatra en “I’m a Fool to Want You” donde el piano de Ross Stanley acompaña la voz nocturna e intimista de  Tali Atzmon con el condimento del clarinete bajo de Gilad Atzmon en un oscuro segundo plano.

De Ralph Rainger y Leo Robin es “If I Should Lose You” una ventana abierta al saxo tenor de Gilad Atzmon y la voz de Tali Atzmon al que se le suma el violín barroco de Jenny Bliss.

El broche lo pone otra composición externa al grupo, la autoría corre a cargo de Sammy Fain y Irving Kahal y lleva por título “I’ll Be Seeing You”, en otro ejercicio de jazz intimista y melódico con la voz de Tali Atzmon implementado por el acordeón de Gilad Atzmon y el piano de Ross Stanley.

Las composiciones propias comienzan con la homónima y soñadora “Rainbow Over Kolonaki”, un vals disfrazado de “naif circense” cuyas voces se las reparten entre Gilad Atzmon y Tali Atzmon para girar y girar hasta un crescendo y abrupto final.

En “Perdita” se vuelven a encontrar Gilad Atzmon y la voz de Tali Atzmon. Multiplicándose el primero en un sinfín de posibilidades instrumentales a la que la primera responde con estribillo recurrente.

El lirismo sedoso viene de la mano “Time Runs Out” otra pieza folclórica donde las armonías vocales a dúo entre Tali Atzmon y Jenny Bliss (que también destaca a la viola de gamba), me lleva a pensar en la progresiva y sinfónica banda inglesa Renaissance.

Con “When Apollo Smiles” el goce se ciñe al folk del grupo Magna Carta, valiéndose de tiernas armonías vocales tan hermosas como el resultado de la final de la canción.

© Enrique Farelo, 2020

Talinka: Rainbow Over Kolonaki

Músicos: Tali Atzmon (Vocales, Ukulele), Gilad Atzmon (Acordeón, Bajo Clarinete, Saxo Soprano y tenor), Yaron Stavi (Contrabajo) y Jenny Bliss (Violín  Barroco, Flauta, Viola de Gamba y Vocales) con la colaboración de Ross Stanley (Piano) y Billy Pod (Batería y Percusión)

Composiciones: “Rainbow Over Kolonaki” (Iris Gordijn y Gilad Atzmon), “If I Should Lose You” (Ralph Rainger y Leo Robin), “She Moved Through the Fair” (Tradicional inglesa) , “I’m a Fool to Want You” (Frank Sinatra), “Greensleeves” (Tradicional inglesa), “Perdita” (Tali Atzmon), “Time Runs Out” (Tali Atzmon), “Scarborough Fair” Tradicional inglesa), “When Apollo Smiles” (Tali Atzmon)  y “I’ll Be Seeing You” (Sammy Fain y Irving Kahal)

Grabado el 6 y 7 de septiembre de 2019 en The Fish Factory y en Jazzet estudio de Atenas el 19 de septiembre de 2019. Publicado en 2020 por Fanfare Records.



viernes, 13 de marzo de 2020

Alfonso Calvo Septet: Monday Mood (TinyMoon Records 2019-reed.digital)



El septeto cuenta con Pablo Castaño a los saxofón alto y soprano, Diego Alonso al saxo tenor, Xabier Pereiro GdJazz, trompeta y fiscorno, Luis Miranda, trombón, Iago Mourinho, piano, Miguel Cabana, percusión y Alfonso Calvo, contrabajo, composición y arreglos; además  de contar con la colaboración de Ton Risco, Pablo Pascual, Paola Kianda, Moisés Fernández e Isaías Salazar.

Monday Mood es el segundo disco como líder de Alfonso Calvo (el primero fue Sea Ahead Free Code, 2016), conformado por seis temas obra del bajista gallego a excepción de “Infant Eyes” de Wayne Shorter.

En cuanto a los instrumentistas repiten Pablo Castaño, Iago Mouriño y Ton Risco (como invitado) con respecto a Sea Ahead.

Las seis piezas de Monday Mood son abrigadas por la tradición y abrazadas con naturalidad por la modernidad.

Un álbum caracterizado por un sonido cool, apacible y aterciopelado y unos arreglos acertados de hardbop a modo de pequeña orquesta que enganchan con facilidad con el oyente.

Desde el inicio canciones como “Again Never” pueden presumir de elegancia y buen hacer con intervenciones democráticas de los diferentes instrumentistas.

No se pierde la perspectiva swinguante en ningún momento mostrándose con rotundidad en “Dilemma’s walk” o en la colorista “Mary-go-round”, sobre todo por la intervención del vibráfono de Ton Risco y el saxo alto de Pablo Castaño que suenan de maravilla.

“Monday mood” es la pieza que da título al disco y la más larga en duración, rememora a artistas de la talla del Freddie Hubbard de la década de los sesenta del pasado siglo. Algo parecido acontece en la brillante “Bird crossing”.

“Infant Eyes” es de Wayne Shorter y Pablo Castaño le emula con soltura y eficiencia al saxo soprano, además Ton Risco destila esencias del mejor perfume.

© Enrique Farelo, 2020

Alfonso Calvo Septet: Monday Mood (TinyMoon Records 2019-reed.digital)

jueves, 12 de marzo de 2020

A Incerteza do Trio Certo: A Incerteza do Trio Certo (Carimbo Porta Jazz 2019)



A Incerteza do Trio Certo es el proyecto del guitarrista y compositor portugués AP (siglas de las que detrás está António Pedro Neves).

Ocho composiciones albergan este primer trabajo del trío, ocho composiciones que no se alejan de la ortodoxia clásica del trío de jazz para guitarra.

Diogo Dinis y Miguel Sampaio completan el triángulo de instrumentos e instrumentistas.

El CD se presenta en un formato de 19×19 centímetros aproximadamente como si de un vinilo single se tratara y en una edición limitada a 300 copias.

En cuanto a la música contenida en este disco podemos señalar sin lugar a dudas que se trata de una propuesta de sonido diáfano y elegante que no pierde perspectiva y la mantiene de principio a fin. Obras como Momentum de Jimmy Raney es lo primero que se me viene a la cabeza.

Las ocho piezas que lo componen no bajan el nivel en ningún momento manteniendo la atención de quien lo escucha, swing y feeling lo elevan al más alto nivel.

El trabajo de AP marca el paso desde la atalaya más alta a la que Diogo Dinis y Miguel Sampaio aportan un juego rítmico armónico tan discreto como necesario de perfecto empaste.

Cada pieza es un goce y una perla que conforma un hermoso collar sonoro.

Tanto “Série” como “Ideia 2” resultan más “progresivas” de sonido más duro y corrosivo alejándose del bebop de las tres piezas iniciales.

“Leve” es bello, aterciopelado y suave, “Pó” relajante de ecos profundos y “Canção épica” compila tradición y vanguardia a modo de resumen de todo lo anteriormente escuchado.

Juego de notas minimalistas desde la guitarra colorista de António Pedro Neves bien temperado por Diogo Dinis y Miguel Sampaio.

© Enrique Farelo, 2020

A Incerteza do Trio Certo: A Incerteza do Trio Certo (Carimbo Porta Jazz 2019)

Músicos: AP (António Pedro Neves) (guitarra eléctrica), Diogo Dinis (contrabajo) y Miguel Sampaio (batería).

Composiciones: “Como te chamas”, “Caminhar”, “Tríades”, “Série”, “Leve”,  “Ideia 2”, “Pó” y “Canção épica”.
Todas las temas compuestos por AP (António Pedro Neves)

Grabado y mezclado en Largo Recording Studio el 9 y 10 de abril de 2019.

Publicado por Carimbo Porta Jazz, 2019.

jueves, 9 de enero de 2020

Javier López Jaso & Marcelo Escrich Quartet: Aporía (Errabal Jazz Records 2018)


Por Enrique Farelo.

La inclusión de un instrumento como el acordeón viene a insinuar los derroteros por los cuales se va a inclinar este Aporía. Y así es, no hay lugar para no pensarlo.

En Aporía se aglutinan el tango, no en vano Marcelo Escrich es argentino, y la música folclórica de Navarra y el País Vasco de donde es originario el acordeonista Javier López Jaso.

Por supuesto todo bien aderezado por un jazz moderno y convincente.

Javier López Jaso y Marcelo Escrich se reparten la totalidad de las composiciones casi en la misma proporción, cuatro para el primero y cinco para el segundo.

Se abre la puerta con “Contrahuellas” una composición donde destaca la guitarra de Luis Giménez complementandose de forma precisa con el acordeón de Javier López Jaso que pone el toque tanguero.

“Aporía”, de nostalgia y diálogos entre Javier López Jaso y Luis Giménez.

En “La banda y el Conjuro” es Alberto Arteta quien enriquece el tema con su saxo tenor en una pieza de música popular argentina y jazz bop en el que el contrabajo de Marcelo Escrich conversa con Javier López Jaso, Luis Giménez y el nombrado Alberto Arteta.

“Cantus”, corte que fusiona el folclore vasco-navarro y que danza a ritmo francés.

“Hugo Vuelve a Casa” plantea un “homenaje” a la poesía de Hugo Tabachnik con “Carta” y “Epitafio” contando con Gerardo Fitanovich como recitador o lector de dichos poemas.

Musicalmente entre el tango nostálgico y el jazz con un muy destacado Luis Giménez a la guitarra y el bajo de Marcelo Escrich y el acordeón de Javier López Jaso.

“Nene” es un homenaje al hijo de Javier López Jaso (como el mismo comenta) y cuyo sonido es amable y articulado. Tres voces confluyen en armonía: Javier López Jaso, Marcelo Escrich y Luis Giménez.

En “Aldrán” aires tango al inicio y danzas navarras para continuar, y un hermoso solo de Luis Giménez que se implementan con el bajo de Marcelo Escrich y dialogo sincopado entre el acordeón de Javier López Jaso y la batería de Daniel Lizarraga.

Entre las idas y venidas un tema dinámico donde brillan Marcelo Escrich y Javier López Jaso con un Luis Giménez en segundo plano aportando precisión y elegancia en “Donostia – Pamplona, Iruñea- San Sebastián”.

Con “Diálogos y Secuelas” se pone el punto final. En el inicio del corte dialogan Javier López Jaso y Daniel Lizarraga y dejan rienda suelta a Luis Giménez y Alberto Arteta.

© Enrique Farelo, 2020

Javier López Jaso & Marcelo Escrich Quartet: Aporía

Músicos: Javier López Jaso (acordeón), Marcelo Escrich (contrabajo), Luis Giménez (guitarra), Daniel Lizarraga (batería). Músicos invitados: Alberto Arteta (saxo tenor en “La banda y el Conjuro” y en “Diálogos y Secuelas”), Gerardo Fitanovich (Recitador)

Composiciones: “Contrahuellas”, “Aporía”, “La banda y el Conjuro”, “Cantus”, “Hugo Vuelve a Casa”,  “Nene”, “Aldrán”, “Donostia – Pamplona, Iruñea-San Sebastián” y “Diálogos y Secuelas”.
Todas las temas compuestos por Marcelo Escrich (1, 3, 5, 7 y 9) y Javier López Jaso (2, 4, 6 y 8)

Grabado el 26 y 27 enero 2018, mezclado y masterizado por Mikel Eceiza en Meca Recording Studio, Oiarzun. Publicado por Errabal Jazz Records (2018)

The Sirkis/Bialas IQ (International Quartet): Our New Earth (MoonJune Records 2019)


Por Enrique Farelo.
                              
The Sirkis / Bialas International Quartet publicó su primer trabajo en el año 2015 llevando por título Come To Me (Stonebird Productions, 2015) y distribuido en edición limitada por MoonJune Records). En 2019 el cuarteto regresa con Our New Earth con la misma formación a excepción de Kevin Glasgow (bajo eléctrico de seis cuerdas), que reemplaza al estadounidense Patrick Bettison (bajo eléctrico / armónica cromática).

El israelí Asaf Sirkis y la polaca Sylwia Bialas colideran el grupo repartiéndose la práctica totalidad de las composiciones, quedando las letras para ésta última.

Our New Earth pone sobre el tapete una obra conceptual de sentimientos y espiritualidad profunda creando un crisol de mil colores y formas musicales que explora rincones ocultos y paisajes inexplorados, que imagina mundos no creados, y que observa los existentes con una mirada diferente.

La luz primera del día muestra su color y su calidez y Sylvia Bialas y Frank Harrison rememoran a Renaissance en la voz de Annie Haslam y el piano de John Tout en “If Pegasus Had One Wing (He Would Fly In Spirals); “Land Of Oblivion” es una preciosa balada donde destacan Kevin Glasgow y la tierna, intimista y cálida voz de Sylvia Bialas creadora de profundas atmósferas etéreas; la tenue luz filtrada impacta sobre los crótalos para dar paso a las armonías vocales, una vez más, de Sylvia Bialas que portando alas vuela sobre la bóveda celestial para reposar sobre la tierra a lomos del piano eléctrico de Frank Harrison y finalizar en brazos de Morfeo en “Letter To A”.

“Reminiscence” es una pieza de aires flamencos que conjugan a la perfección la vaporosa voz de Sylvia Bialas y el piano de Frank Harrison acercándose al disco de Chick Corea, My Spanish Heart.

El primero de los discos finaliza con “Chiaroscuro”, una canción de tintes líricos, sutiles y serena belleza y letras en polaco. Una balada de sensibilidad jazzy para goce y disfrute del piano de Frank Harrison y las escobillas de Asaf Sirkis, además de la vocalización estimulante de Sylvia Bialas.

“New Earth Suite” abre el segundo de los discos a modo de suite que integra dos piezas “Rooting” y “Our New Earth” suponiendo uno de los momentos de mayor calado y elevación artística de la obra y una composición paradigmática que incluye una riqueza de matices difíciles de encontrar donde se aglutinan un sinfín de estilos y formas musicales que van desde el minimalismo, la música de la India, la música clásica contemporánea, la libre improvisación, el rock progresivo Canterbury o el jazz.

La espiritualidad de la voz etérea de Sylwia Bialas contrasta con el minimalismo del piano de Frank Harrison en “Rooting” fundiéndose con “Our New Earth” ofreciendo un bosque sonoro donde se mezclan la música de la India, a través del konnakol de Asaf Sirkis, la voz de Sylvia Bialas o los teclados de Frank Harrison con la improvisación libre y lisérgica o la música clásica contemporánea.

Es en “Message From The Blue Bird” donde vuelven a destacar Sylvia Bialas y Frank Harrison sobre todo por su equilibrio sereno y su belleza; bien distinto es lo propuesto en “Spooky Action At The Distance” donde las disonancias oscuras y misteriosas lo inundan todo de creatividad en otra composición de altos vuelos y sonido Canterbury.

Con “Nocturnity” y “Picture From A Polish Wood” se cierra una obra que brilla con luz propia. En la primera de las composiciones destacan la ingrávida voz de Sylvia Bialas, el bajo de Kevin Glasgow y el intenso piano de Frank Harrison con el complemento Asaf Sirkis para redondear y concluir. En la segunda, se debate entre el rock Canterbury y la música de Chick Corea o el grupo Shakti, con un brillante solo de piano eléctrico a cargo de Frank Harrison y los redobles de los tambores y el konnakol de Asaf Sirkis y la omnipresente voz de Sylvia Bialas.

 © Enrique Farelo, 2019

The Sirkis/Bialas IQ (International Quartet): Our New Earth (MoonJune Records 2019)

Músicos: Asaf Sirkis (batería y crótalos en 3, 6, 7, 10), konnakol (7, 11), manjira en 7, frame drums (7); Sylvia Bialas (vocales, waterphone en 7, 9, overtone singing en 6, letras en 1, 2, 5, 10 y konnakol  en 7); Frank Harrison (piano en 1, 2, 4 y 6, 8, 10, teclados en 1, 2, 3, 7, 9, 11); Kevin Glasgow (eléctrico bajo de seis cuerdas).

Composiciones:

CD 1:  1/“If Pegasus Had One Wing (He Would Fly In Spirals)”, 2/“Land Of Oblivion”, 3/“Letter To A”, 4/“Reminiscence”, 5/“Chiaroscuro”.
CD 2: “New Earth Suite”: 6/ “Rooting”, 7/“Our New Earth”, 8/“Message From The Blue Bird”, 9/“Spooky Action At The Distance”, 10/“Nocturnity”, 11/“Picture From A Polish Wood”.
Todas las temas compuestos por Asaf Sirkis y Sylvia Bialas.

Grabado en Masterchord Studio (Londres) en agosto 2017.

martes, 24 de diciembre de 2019

Peter Brötzmann – Heather Leigh (JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid) [Galería fotográfica]


Por Enrique Farelo.

JazzMadrid19 – Festival Internacional de Jazz de Madrid.

Fecha: 29 de noviembre de 2019.
Lugar: Centro Cultural Conde Duque (Madrid)
Grupo:
Peter Brötzmann – Heather Leigh
Peter Brötzmann (saxos, clarinete)
Heather Leigh (lap steel)



















Fotografías © Enrique Farelo, 2019

Moisés P. Sánchez Project – There´s Always Madness (JazzMadrid’19) [Concierto]


Por Enrique Farelo.

JazzMadrid’19

Fecha: 30 de noviembre de 2019
Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa (Madrid)
Grupo:
Moisés P. Sánchez Project
Moisés P. Sánchez: piano
Toño Miguel: contrabajo
Borja Barrueta: batería y lap-steel
Cristina Mora: voz y teclado
Miron Rafajlovic: trompeta, fiscorno, guitarra y percusión
Cuando te enfrentas a un pianista, más que eso, a un músico de la talla Moisés P. Sánchez se aglutinan las preguntas en el cerebro que apuntan a si será un artista camaleónico y caleidoscópico que transmuta más allá del jazz.


Y es que su música está cargada de múltiples influencias, tan extensas que resulta difícil de asimilar que ensamblen con tanta naturalidad y fluyan con tan aparente facilidad.


Moisés P. Sánchez Project abarca una paleta multicolor que va desde la obra de Chick Corea, Return to Forever (ECM Records 1972), pasando por grupos Canterbury como National Health (Amanda Parsons) o la orquestaciones de Renaissance. No queda ahí la riqueza que el quinteto aglutina; Azimuth con Norma Winstone, Flora Purim o Julie Driscoll son influencias de Cristina Mora. Una vocalista de excelente nivel y voz cálida e intimista que se suma al grupo como un instrumento más, no dudando en utilizar técnicas vocales como el vocalise o el scat (en menor medida) así como el canto como tal, al menos en una de las piezas.




Como pianista, Moisés P. Sánchez, alcanza la excelencia camaleónica vistiendo el piano de arpa y otras en instrumento de percusión, apoyándose en grandes del teclado como Chick Corea, Keith Jarrett o Bill Evans. Sus composiciones son precisas y coloristas con arreglos propios de una orquesta sinfónica que se transforman en pequeños himnos a la que contribuyen Cristina Mora y sobre todo la trompeta de Miron Rafajlovic.
El quinteto funcionó como lo haría una montaña rusa con subidas y bajadas, con intimismo y  ardiente pasión que te mantienen en alerta sin caer ni en la repetición ni en el hastío a todo aquel que acerca su música al oído. Imaginación y arreglos sinfónicos para el quinteto y jazz swing para un trío de vanguardia sin perder un ápice de tradición ni virtuosismo con Moisés P. Sánchez, Toño Miguel y Borja Barrueta funcionando como una máquina que empasta y ensambla con  perfección y solidez a velocidad sideral.


“El romanticismo lírico en un rincón de tu corazón”, bien podría ser la frase que defina la sensibilidad que exhibe el proyecto de Moisés P. Sánchez. Música emotiva, poética y lírica de sentimiento profundo y profuso que cala hondo hasta la extenuación y que llega al corazón tanto como al cerebro haciendo las delicias de todos los que se acercaron a degustar su música.



There’s always madness es su último álbum y es el que presentó en sociedad en estreno absoluto. Un disco que nadie había escuchado previamente pero que si se parece en algo a lo mostrado en el concierto podemos afirmar sin error a equivocarnos que estamos ante uno de los discos más destacados del año en España y me atrevería a decir a nivel internacional.


Un una pieza a piano solo de Moisés P. Sánchez (a modo de concertista clásico) como extra del concierto sirvió de broche final a una velada inolvidable y uno de los mejores conciertos del JazzMadrid19.


Bendita locura la tuya Moisés P. Sánchez.

Texto y fotografías: © Enrique Farelo, 2019