Seaorm: Atlan (octoberXart Records, 2025)

 Seaorm-Atlan (octoberXart Records, 2025)

Composiciones:

1- “Atlan”, 2- “Orlok”.

“The Dream Of Allan Gray”:

      3-“Courtempierre”, 4-“Peg Leg”, 5-“Léone”, 6-“The Old Mill” y  7-“Stalker”.

Todos los temas compuestos por Ángel Ontalva.

Artwork realizado por el propio Ángel Ontalva.

Músicos: Ark Fedotov (bajo, sintetizadores), Ivan Fedotov (batería) y Ángel Ontalva (guitarra, teclados, loops, bajo en “Stalker”).

Comentario: Atlan supone el cuarto álbum de Seaorm.; atrás quedaron Olkhon (OctoberXart Records 2020); Forgotten Shrines (OctoberXart Records 2021) y Nekyla (OctoberXart Records 2024).

Seaorm, trío que gobierna Ángel Ontalva y que cuenta con una formación estable formada por  Arkady e Ivan Fedotov, integrantes de Vespero, y donde únicamente falta el teclista de October Equus, Víctor Rodriguez, presente en Forgotten Shrines y Nekyla.

Siete piezas inspiradas en el horror expresionista de algunas obras maestras del cine mudo de vanguardia. Atlan incluye “Atlan”,  suite de algo menos de 24 minutos.

Si hay algo que caracteriza a Ángel Ontalva es su facultad para el trabajo y la composición, siempre pródigo en numerosos proyectos de enorme creatividad.

Atlan es otro capítulo del libro de su vida como músico, donde se fusionan diversos estilos partiendo del rock progresivo, tales como R.I.O., zeulth, ambient, krautrock, jazz-rock o la electrónica experimental.

Álbum de difícil catalogación atesora una calidad creativa e imaginativa notable donde los instrumentistas están a la altura de la partitura.

Música dramática, oscura y misteriosa de este visionario de la innovadora transmutación sonora sincrética.   

Atlan parece dividirse en dos escenarios sonoros; el primero de ellos comprende “Atlan” y “Orlok” y el segundo “The Dream Of Allan Gray” donde se incluyen “Courtempierre”, “Peg Leg”, “Léone”, “The Old Mill” y “Stalker”.

La extensa suite que abre el disco, “Atlan”, amalgama numerosos cambios de ritmos y texturas que se hace breve a la escucha. Tensa, obsesiva, enigmática e inquietante, imbuida en pasajes oscuros y lisérgicos nos atrapa hasta la adicción.  

“Orlok” nos invade con su funesta atmósfera transportándonos a dimensiones de terror.

 “Courtempierre” se corta con un cuchillo por su angustiosa densidad y oscura materia navegando por el vacío; “Peg Leg”, viaja por el frío y negro espacio ignoto.

De gótico rock Canterbury “Léone” y “The Old Mill”. Termina perdiéndose en el espacio la concluyente y enérgica “Stalker”, a veces como Mark Wingfield, otras como Tim Blake, klaus Schulze o Robert Fripp.

© Enrique Farelo, 2025

Markus Reuter – Stefano Castagna: Sky on The Ground (Iapetus records 2025)

 

Markus Reuter y Stefano Castagna-Sky on The Ground  (Iapetus records 2025)

Composiciones:

“Heartless Heart”, “A Shadow Between Us”, “Failing through Silence”, “Sky on The Ground”, “Overlove”, “The Shape of Tomorrow”, “Rise with Them”, “What Will I be”

“The Unseen Rift”, “Pulse of Life” y “The Hollow Buzz”.

 Todas las temas compuestos por Markus Reuter y Stefano Castagna.

Grabado y mezclado por Markus Reuter y Stefano Castagna en el estudio Ritmo&Blu (Brescia, Italia), diciembre de 2024 y marzo de 2025.

Músicos: Markus Reuter (Guitarra táctil, Guitarra sintetizador, paisajes sonoros, guitarra acústica, vocoder, harmonía), Stefano Castagna (Bajo acústico, sintetizador, programación, samples) y (Batería y percusión)

Colaboran: Mimmo Impiombato (Batería), Luca Calabrese (Trompeta) y Alessandro Castagna (Sintetizador)

Comentario: Sea of Hopeless Angels (Unsung Records 2023) fue el primer trabajo del dúo, ahora vuelven con Sky on The Ground. Once composiciones breves que se debaten entre el Ambient, ArtPop, synth pop, la música electrónica, el rock progresivo y la psicodelia.

Markus Reuter y Stefano Castagna trabaron amistad durante la mezcla de Truce 2,  donde Fabio Trentini  y Asaf Sirkis acompañaron a Reuter,  y el propio Castagna ejerció de maestro de ceremonias como ingeniero de sonido y productor.

Sky on The Ground  transita lugares inhóspitos, pasajes vacíos y paradojas de colorido amable y lisérgico.

Anuda sonidos texturizados y profundos anclados en el futuro y nacidos en el pasado, rememorando a Fripp & Eno, Krautwerk o Alan Parsons Project.

Electrónica sinfónica de ensueños vívidos, “melodías artificiales”, ecos profundos y etéreos que te llevan en volandas por atmósferas de seda.

Con “Heartless Heart” comienza el mágico viaje iniciático de brisas suaves.

“A Shadow Between Us”, terrenal, sólida y contundente como una roca.

“Failing through Silence”, nadando sumergido bajo aguas verde esmeralda, Isao Tomita es su mentor.

“Sky on The Ground” de dulce melodía pegadiza y repetitiva.

Cruce de caminos divergentes que recorren paisajes subterráneos salen a la superficie para alcanzar el cielo azul y limpio que nos ofrece un sonido generoso y acogedor en “The Unseen Rift”.

“Overlove” reverbera melódicas voces sobre un campo de nubes algodonosas, Luca Calabrese hace alquimia con su trompeta ingrávida, Markus Reuter danza con “Soon” de “The Gates of Delirium”.

“The Shape of Tomorrow” se ciñe a Pat Metheny, las manos de Markus Reuter recorren el mástil de su guitarra sintetizador.

 “Rise with Them”, marca la diferencia con Markus Reuter en la guitarra acústica, buscando la belleza serena, encontrando la voz, la melodía.

“What Will I be”, voces de otro mundo, tensión tribal acelerada y encarnada en las obsesivas percusiones que en la conclusión liberan energía.

“Pulse of Life” y “The Hollow Buzz”, asequibles y bailables, casi ochenteras.

© Enrique Farelo, 2025

Entrevista con el guitarrista Rubén Reinaldo a propósito de Fusión Olívica.

 

 
Entrevista con el guitarrista Rubén Reinaldo a propósito de Fusión Olívica. Por Carlos Lara, Enrique Farelo y Pachi Tapiz [Entrevista de jazz] - Tomajazz

Stick Men: Swimming in Tea (Iapetus Records, 2024)

 

Músicos: Markus Reuter (Touch Guitars® U8 Custom y soundscapes), Tony Levin (Stick) y Pat Mastelotto (Batería, Percusión acústica y eléctrica)

Composiciones:

“Swimming in Tea”, “Level 5”, “Cusp”, “Tentacles” y “Mantra”

 Temas compuestos por Levin/Mastelotto/Reuter, excepto “Level 5” (King Crimson).

 Grabado en directo el 10 de noviembre de 2023 en el Teatro Caio Melisso, Spoleto (Italia)

 EP en directo con 5 canciones, grabado durante la gira europea de 2024.

Un surrealista título y una carátula igualmente surrealista, cinco capítulos para un mini-libro sonoro de edición limitada que rinde pleitesía y reconocimiento a quien le dio vida, King Crimson.

Una obra cohesionada y enérgica que emana lava sin cesar a lo largo de los más de 30 minutos y que tiene en la inicial “Swimming in Tea” y en la concluyente “Mantra”, la excepción a la regla.

La primera transita lisérgica y atmosférica creando paisajes sonoros enigmáticos con voces que surgen desde interior del cerebro para quedarse en él; la segunda es una balada de carácter amable, pero resuelto y vigoroso.

Obviamente, “Level 5” es paradigma del originario álbum The Power to Believe; la abrasiva y metal progresiva, la contundente y obsesiva es “Cusp”; “Tentacles” es crimsoniana en esta puro, esquizofrénica y delirante.

© Enrique Farelo, 2024

Rubén Reinaldo: Fusión Olívica (Free Code Jazz Records, 2025)

 

Composiciones:

1- “Escuchas, Teis Blues”, 2- “A Vigo, con mis cinco”, 3-“Vida en Padrenda”, 4-“Tres Islas Cíes”, 5-“Latino Ribas de Sil”, 6-“Nubossa Bahía”, 7-“Café y Cristina” y 8-“Ritmo sobre Victoria”

Todos los temas compuestos por Rubén Reinaldo.

Grabado el 26 de Abril, 24 de Mayo, 21 de Junio y 2 de Octubre de 2024 en  BeaBesada Estudios (Peitieiros-Gondomar-Pontevedra-Galicia).

Músicos: Rubén Reinaldo (guitarra eléctrica), Antonio López «Montano» (órgano); Gustavo Hernán (contrabajo) y David Fraile (batería).

Comentario: Segundo capítulo en la trayectoria del guitarrista gallego Rubén Reinaldo, dos fueron los integrantes del primero, nacido en el año 2020 llevó por  título Acuarel y cuya autoría se repartieron en solido maridaje Rubén y Kely García.

Ahora forma un cuarteto de firme liderazgo que lleva por nombre Fusión Olívica, obra conceptual cuyo hilo conductor es el olivo y donde se aúnan diferentes formas de jazz tamizadas de swing, bossa, funk o bep bop.

Su música abraza con sentimiento profundo sus vivencias a lo largo de su vida y de quienes le rodean, ya sean amigos, familiares o parientes dentro del entorno de su Vigo natal, de sus paisajes y lugares nostálgicos y bucólicos.

Fusión Olívica se fragmenta en 8 episodios breves de cálido e intimista sonido, que van desde la inicial, “Escuchas, Teis Blues” hasta el broche final “Ritmo sobre Victoria”.

“Escuchas, Teis Blues” marca el camino y define el sonido de los restantes títulos con pasajes de swing y de alguna manera se hermana con “Ritmo sobre Victoria”.

“A Vigo, con mis cinco”, tan cohesionada como optimista; “Vida en Padrenda” es la vida y la esencia de la alegría. Sin duda esa guitarra me recuerda a George Benson.

“Latino Ribas de Sil” se desarrolla entre el swing y el groove mas expansivo es un ejercicio de satisfacción plena.

En “Tres Islas Cíes” no está exento de swing ni de amabilidad; “Nubossa Bahía”, una bossa a medio tempo donde las interactuaciones de Rubén Reinaldo y Antonio López «Montano» fluyen ligeras y claras como el cristal; “Café y Cristina” es una miniatura dinámica, optimista y happy.   

“Ritmo sobre Victoria” es la pieza más “extensa” y la que abrocha Fusión Olívica. De sonido sincopado y comienzo sereno va corriendo saltarín hasta que Gustavo Hernán rompe y sigue hasta la finalización.

 © Enrique Farelo, 2025

Markus Reuter con Fabio Trentini y Asaf Sirkis/Truce 3 (Usung Records/MoonJune Records 2025)

 

Composiciones:

“Not Alone”, “We Have Your Back”, “It's Not In The Cards”, “Never Apart”, “Crooked”, “Bond”, “Love Theme”, “Guardian Shadow”,  “Echo of Affection” y “Shuffled Fate”.

Todas las temas compuestos por Asaf Sirkis, Markus Reuter y Fabio Trentini.

Grabado en directo en Art Music Studio, Bassano Del Grappa, Veneto, Italia,
el 11 y 12 de Diciembre de 2024.

Músicos: Markus Reuter (Touch Guitars® AU8, electrónica), Fabio Trentini (Guitarra Bajo sin trastes, Bajo sintetizado) y Asaf Sirkis (Batería y percusión)

Comentario: ¿Tercer trabajo de Truce o de Markus Reuter, Fabio Trentini y Asaf Sirkis?

Juego de ambigüedades en cuanto a la denominación. ¿O hablamos del grupo o del álbum? Truce es el trío o es el nombre de la obra, de eso no cabe duda; sea como fuere el trío es estable y éste es su tercer trabajo.

Y me pregunto: ¿Markus Reuter es un músico científico o bien utiliza la ciencia para producir sonidos? ¿Es más importante la composición o la composición en tiempo real?

Lo que si queda claro es que la intromisión de la tecnología es un aporte vital para el desarrollo de sus intensos y espontáneos sonidos y paradójicamente cohesionados y estructurados.

La complejidad de Truce 3 ya fue una característica intrínseca de los dos anteriores trabajos y aquí no iba a ser una excepción.

Asaf Sirkis, Markus Reuter y Fabio Trentini son cohesión, hipnosis, intensidad, trance vanguardista y exploración sin tregua.

La sonoridad profunda de Truce 3 necesita de la participación y complicidad de un oyente avezado y empático dispuesto a adentrarse en mundos poco explorados y con la necesidad de poseer tres oídos para poder captar e interiorizar las desarrollos de los tres músicos y sus diferentes instrumentos y sus texturas sonoras.

Un trabajo laborioso y brillante sin pausas para el desfallecimiento. Sin desperdicio.

Solo si tuviera que elegir, me adentraría en la inmersiva y lisérgica “Echo of Affection”.

 Solo para elegidos y visionarios del nuevo rock progresivo.      

© Enrique Farelo, 2025

Aurora Clara/Monete club

Aurora Clara

Fecha: sábado, 29 de marzo de 2025

Lugar: Monete club (Alberto Alcocer 32, Madrid)

Grupo:

Raúl Mannola: guitarra eléctrica de doble mástil.

Juan Carlos Aracil: flauta travesera y flauta travesera tenor.

Nill Olivera: bajo eléctrico.

Denis Bilanin: teclados.

Miguel Díaz: batería.

Comentario: La denominación de Aurora Clara fuera del contexto de banda de jazz-rock puede llevar a la confusión y a desviar la atención de quienes no saben de la existencia del grupo llevándoles equivocadamente a pensar en cantantes de éxito efímero nacidas al abrigo de ciertos concursos televisivos.

Aurora Clara propone un rock progresivo ecléctico donde tiene cabida un sinfín de propuestas artísticas y estéticas que mucho tienen que ver con los gloriosos años 70 del pasado siglo XX.

Su manera de encarar el jazz-rock tiene personalidad propia y un sonido definido, coherente y contundente donde se aúnan influencias que van desde la Mahavishnu orchestra, Shakti o Camel hasta la música laietana con grupos como Iceberg o Gotic, o el rock progresivo andaluz con Imán, Cai o  Guadalquivir.

Residentes en Madrid y liderados por el finlandés Raúl Mannola, Aurora Clara lleva publicados cuatro trabajos desde el año 2019 hasta el año 2024; desde el inicial Transformation, (Youkali Music 2019) pasando por Clear Dawn (Youkali Music 2022), Dreams (Youkali Music 2023) o su último disco IV (Youkali Music 2024).

Ha contado con valiosas y significativas colaboraciones como la del violinista Jerry Goodman (Mahavishnu orchestra) en sus dos primeros discos.

Esta formación multinacional, cuanta con un rumano, Denis Bilanin, un brasileño, Nill Olivera y dos españoles, Juan Carlos Aracil y Miguel Díaz, además del ya mencionado, Raúl Mannola.

Con respecto al concierto, mencionar que el hecho de haberse celebrado en Monete, un club de reducidas dimensiones en cuanto a escenario y local, influyó directamente en el sonido de la banda, ocasionando que la batería de Miguel Díaz solapara el teclado de Denis Bilanin, oscureciendo sus intervenciones en segundo plano y en menor medida cuando se erigía como protagonista de algún solo; no quiero con esto minusvalorar la labor de Miguel Díaz en los platos (sus posibilidades cromáticas son imaginativas siendo su mayor debe, la excesiva contundencia, que quizás debió atemperar en momentos puntuales), más bien lo que quiero enfatizar es el problema de la acústica del local.  

Las señaladas reducidas dimensiones del local limitaron las posibilidades de desarrollo de la banda, que a buen seguro podrán demostrar con mayor soltura en salas más acordes a su música.

    
Los solos como las interactuaciones y diálogos, fundamentalmente corrieron a cargo tanto de Juan Carlos Aracil y Raúl Mannola, que se convirtieron en protagonistas de mayor importancia a lo largo de los 75 minutos de concierto. Nill Olivera validó su condición de bajista de forma contundente, precisa y con un funk fluido que empastó exigente con el quinteto.

El programa del concierto estuvo integrado, entre otras piezas por “Five Sisters” (IV), la trilogía “Clear Dawn”, “The Race Has Begun” y “Bicycling To Funkistan” (Clear Dawn) o por “I Remember Shakti”, en clara alusión al grupo de indo jazz, Shakti, liderado por John McLaughlin.

Aurora Clara es la viva encarnación del espíritu de los años 70 y su filosofía y del sonido de aquella década prodigiosa, un pedazo de historia viva del siglo XX en el siglo XXI.

Un concierto que nos dejó con hambre y que esperamos saciar en otro momento y lugar.

¡Qué sea pronto!

                                                                                                © Enrique Farelo, 2025

Fotografías: © Sami Auvinen/Fotonordica (https://www.instagram.com/fotonordica/) 2025 

Mikel Azpiroz trío

21 DISTRITOS: Concierto de Mikel Azpiroz trío

Fecha: Viernes 28 febrero de 2025

Lugar: C.C. VALDEBERNARDO Bulevar Indalecio Prieto, 21 Madrid.

Grupo: Mikel Azpiroz: piano

Fernando Neira: contrabajo

Karlos Arancegui: batería

Se presenta y presenta su discografía a modo de biografía artística; Gaua 2013 (Noche), Zuri 2016 (A ti), Islak (Isla) 2020 y su último trabajo del año 2023, Pake Pieza.

Y todo sin parar desde el inicio hasta el final. Sin espacios ni pausas pero jugando con el silencio.

El pianista apacible, elegante, poético y preciso, además de reflexivo, intimista y meditativo, ese es, Mikel Azpiroz, al igual que sus compañeros de viaje.

El pianista, el compositor del bop y del cool como la brisa que acaricia los oídos y alegra, por igual, el corazón y el cerebro.

Vino sutil, se marchó aclamado desde lo sereno y lo sencillo, embelesando y convenciendo seres y entes.

Su ensueño “calmario” de poética introspección, amansando a las fieras si las hubiere, alimenta los espíritus sensibles; alcanza a los profanos y deleita a los melómanos.

Deja aroma de buen poso y mejor regusto, aplausos y algarabías, vítores al abandonar las tablas y deja ganas de más.

Dos bises para coronar el menú, uno a piano solo (“Zuri”) y otro a trío (“Chisa”) como homenaje a Dollar Brand, posteriormente Abdullah Ibrahim, y siempre entre Bill Evans y Tord Gustavsen, ambos separados por el tiempo y la latitud geográfica, pero unidos por su femenina y sensible manera de tocar.

Tranquilos y ordenados abandonamos la sala del concierto con una ración de paz para cada cual.

Un adiós que no será un para siempre, sino un hasta pronto.

© Enrique Farelo, 2025

Tony Levin/Bringing It Down to the Bass (Flatiron Recordings 2024)

 

Composiciones: 1/ “Bringing It Down to the Bass”, 2/ “Me and My Axe”, 3/ “Road Dogs”, 4/ “Uncle Funkster”, 5/ “Boston Rocks”, 6/ “Espressoville”, 7/ “Give the Cello Some”, 8/ “Side B/Turn It Over”, 9/ “Beyond the Bass Clef”, 9/ “Bungie Bass”, 10/ “Fire Cross the Sky”, 11/ “Floating in Dark Waters”, 12/ “On the Drums”, 13/ “Coda”.

Composiciones de Tony Levin excepto “Uncle Funkster” de Vinnie Colaiuta.

 Músicos: Tony Levin (bajo, violonchelo en 3, 7, 9, 10, Stick en 3, 4, 5, 9, 11, Voz en 3, 5, 7, 8, 11, 13 y piano en 14; Manu Katche (batería en 1); Jeremy Stacy (batería en 3); Vinnie Colaiuta (batería 4); Mike Portnoy (batería en 5); Steve Gadd (batería en 6); Pat Mastelotto (batería en 10); Jerry Marotta (batería en 2,7, percusión en 12); Dominic Miller (guitarra solo en 1); Steve Hunter (guitarra solo en 2); Earl Slick (guitarra solo en 5); Joe Caro (guitarra solo en 6); David Torn (guitarra solo en 10); Markus Reuter (Bridge rhythm touch guitar en 3); Robert Fripp (soundscape en 12); Pete Levin (teclados en 1, 3 y 6, órgano en 7); Larry Fast (teclados en 2); Gary Husband (teclados en 5, 9); Chris Pasin (trompeta en 1, 6); Josh Shpak (trompeta en 6); Alex Foster (saxo alto en 1); Jay Collins (saxo barítono en 1); Don Mikkelsen (trombón en 6); L.Shankar (violín en 9); Colin Gatwood (oboe, english horn en 9), Linnea Olsson y Bess Brydolf (violonchelo en 14).

Comentario: Tony Levin, el bajista, el Stick Man, el miembro de King Crimson, Peter Gabriel o Stick Men entre otros, publica Bringing It Down to the Bass, un álbum de 14 piezas cortas y un ingente número de músicos destacados. Séptimo trabajo bajo su nombre desde el lejano Stick Man del año 2007 o mejor el firmado al alimón por Levin, Torn, White en el año 2011.

Bringing It Down to the Bass, es ecléctico, ameno y variado a lo largo de todo el álbum y en cada uno de los cortes que lo componen; desde la inicial y homónima “Bringing It Down to the Bass” nos topamos con un enérgico jazz-rock arropado por los metales y los solos de Dominic Miller y Alex Foster, algo que vuelve a encontrar cobijo en la luminosa “Espressoville” o en el relajante y bailable rhythm &blues de “Me and My Axe”.

Rock progresivo tan obsesivo como melódico que recuerda a la banda UK y que se aleja de ella con un estribillo gutural en “Road Dogs”. 

En “Uncle Funkster” es la hora de mostrar un dialogo entre Tony Levin y Vinnie Colaiuta en clave funk.

Riff de Tony Levin al bajo stick y contundencia de Vinnie Colaiuta en los tambores.

De vuelta al rock progresivo de la mano de “Boston Rocks”. Carácter crimsoniano que se mezcla con el metal y el brillo de la guitarra de Earl Slick.

“Give the Cello Some” es una composición para la expresión lujuriosa del groove y el órgano de Pete Levin, además de un giño a la música de concierto con el violonchelo de Tony Levin.

Rompiendo el molde y practicando el humor irónico vocal a capela en “Side B/Turn It Over”. Una composición en exclusiva donde Tony Levin toca el bajo y canta como lo harían los The Mothers of Invention de Frank Zappa.

“Beyond the Bass Clef” es turbadora, envolvente y bella. Rock progresivo lirico y delicado como el terciopelo, enriquecido por el violín de L. Shankar y el oboe y el english horn de Colin Gatwood.

“Bungie Bass”, otra vuelta de tuerca para regresar a King Crimson. Ambientes electrizantes, casi delirantes en clave sosegada de la mano de David Torn, Tony Levin pulsa fuerte y Pat Mastelotto crea tensas atmósferas.

“Fire Cross the Sky”, el stick y la voz, todo es para Tony Levin. Una pieza sensible poético-recitativa, oscura, dramática y minimalista.

En “Floating in Dark Waters” brilla un oscuro contrabajo, (Tony Levin) cual paradoja sonora, que combina con ambientes frippertronicos  (Robert Fripp) y reverberante percusión. (Jerry Marotta)

“On the Drums”, un título evidente para honra y homenaje de un montón de baterías emblemáticos desde la perspectiva vocal de Frank Zappa&The Mothers of Invention y Gentle Giant.

 “Coda”, bello y romántico final, una coda a modo de música orquestal culta, una bucólica delicatesen.

  © Enrique Farelo, 2025 

Luca Calabrese-I Shin Den Shin (MoonJune Records 2024)

 

Composiciones: 1/ “Dissolution”, 2/ “Appointment with the Truth”, 3/ “A New Reality”, 4/ “Pure Mind (without a body)”, 5/ “Heart to Heart” y 6/ “Magnetic Soul”.

Composiciones de Calabrese/Reuter/Lê/Wingfield/Dowerk, excepto “Magnetic Soul” de Reuter/Calabrese.

Grabado en La Casa Murada, estudios de Jesús Rovira, Banyeres del Penedés, Catalunya, España, el 5 de septiembre de 2022.

Músicos: Luca Calabrese (trompeta de bolsillo), Nguyên Lê y Mark Wingfield (guitarra eléctrica), Markus Reuter y Alexander Dowerk (Touch Guitar AU8, Soundscapes).

Comentario: I-shin-den-shin es un concepto japonés que se suele traducir como: “Lo que la mente piensa, el corazón lo transmite”, lo que supone la transmisión de emociones y pensamientos sin necesidad de una comunicación verbal. Aclarado el concepto, parece que el trompetista Luca Calabrese quisiera llevarnos por ese camino de espiritualidad budista o el confucianismo “telepático”.

Y desde la inicial “Dissolution”, ya apunta hacia esa espiritualidad ingrávida e intimista de atmósferas densas y oscuras como ofrenda hacia un viaje al interior del ser.

La propuesta zen continúa alimentada en la segunda de las estaciones poético-sonoras, (“Appointment with the Truth”) confluyendo la electroacústica multisensorial de la trompeta de bolsillo de Luca Calabrese y la diversidad guitarrística.

“A New Reality” aporta texturas dark ambient, cruce de instrumentos dispuestos en capas sonoras que apuntan en diversas direcciones, desde Jon Hassell a David Sylvian o al propio Richard Barbieri, con el que trabajó en el proyecto Planets + Personaen en el año 2017.

“Pure Mind (without a body)” vuelve o, mejor, no abandona la quietud ni la calma, más bien profundiza en ella desde una visión experimental y contemporánea tan indolente como misteriosa, espectral y en ocasiones delirante.

“Heart to Heart”, paisajes desolados e inhóspitos y bucles de nu-jazz o dark jazz con Arve Henriksen o Bohren & der Club of Gore.

“Magnetic Soul”, define tonalidades etéreas y frías cercanas al ártico. Trance, meditación y psicología transpersonal.

 © Enrique Farelo, 2024

Beledo-Flotando en el vacío (moonjune records 2024)

 

Composiciones:

1/ “Djelem Djelem”, 2/ “Rauleando”, 3/ “De tardecita”, 4/ “Flotando en el vacio”, 5/ “Es prohibeix blasfemar”, 6/ “Candombesque”, 7/ “From Within” y 8/ “Rodeados”.

 Composiciones de Beledo, Pardo, Benevaet, Sirkis y Husband en 3,5,8; Beledo en 2,4,6,7

Grabado en La Casa Murada estudios de Jesús Rovira, Banyeres del Penedés, Catalunya, España, el 6 y 7 de septiembre de 2021.

Músicos: Beledo (Guitarra eléctrica, guitarra española, piano acústico, violín), Asaf Sirkis (Batería), Jorge Pardo (flauta y saxo tenor) y Carles Benavent (bajo eléctrico).

Colaboran: Gary Husband (Fender Rhodes piano, Mimi Moog en 3.5.8) y Ramón Echegaray (percusión candombe en 6)

Comentario: Todo el embrujo, el zapateo y el espíritu andalusí en “Djelem Djelem”, himno de los gitanos rumanos, con la turbadora flauta travesera de Jorge Pardo al inicio sin acompañamiento, y a través de toda la pieza con el resto. Beledo se debate entre la guitarra flamenca y el violín místico. Mi composición favorita del álbum.

“Rauleando”, compuesta por Beledo para Raúl Jaurena (maestro del tango uruguayo) e influenciada por el sonido del Chick Corea más hispanizado.

La belleza mediterránea y el jazz-rock perfilado en el Fender Rhodes piano y Mimi Moog del maestro Gary Husband y la guitarra omnipresente de Beledo, la contundencia del bajo de Carles Benavent, la batería revoltosa de Asaf Sirkis y el colorido de Jorge Pardo en la pasional flauta travesera caracterizan la improvisada “De tardecita”.

“Flotando en el vacío”, es una composición de Beledo para Siddhartha, banda que lideró desde 1977 a 1982.

En este corte podemos apreciar una rica variedad instrumental donde Beledo destaca al piano acústico , la guitarra eléctrica a lo Allan Holdsworth, Jorge Pardo a la flauta y el saxo tenor con Asaf Sirkis y Carles Benavent marcando la pauta de los numerosos relevos instrumentales.

“Es prohibeix blasfemar” es una sólida improvisación donde fluye el jazz-rock de aires flamencos que salen de la embocadura de la flauta de Jorge Pardo. El resto son diálogos entre Gary Husband al Fender Rhodes y la guitarra eléctrica de Beledo con un final que abrocha perfecto.

En “Candombesque” “monologo” entre el piano y la guitarra eléctrica de Beledo que implementa el saxo tenor de Jorge Pardo y pone el candado la percusión candombe de Ramón Echegaray.

“From Within”, si señor, jazz-rock para una intensa y fluida conversación entre la guitarra eléctrica de Beledo y una vez más la flauta de Jorge Pardo.

La guinda del pastel la pone “Rodeados”. Una multiplicidad de instrumentos debate y dialogan ofreciendo mil caras sonoras, apareciendo y sumergiéndose; ahora el saxo tenor, el Fender Rhodes, el piano acústico y la guitarra. El bajo eléctrico y siempre la batería son el metrónomo. Un toque de distinción delirante para un final improvisado, tan intenso como bien acabado.

 © Enrique Farelo, 2024