Un disco. Terje Rypdal: Odyssey (ECM, 1975)

 

Seleccionado por Enrique Farelo

Xan Campos Trío (Bogui Jazz, Madrid.2018-01-12) [Concierto]

Lugar: Bogui Jazz (Madrid)

Fecha: 12 de enero de 2018

Grupo:

Xan Campos Trío

Xan Campos, piano.

Horacio García, contrabajo.

Iago Fernández, batería.

  

Con un tema de su segundo disco Ectropía, donde se aprecian ciertos toques clásicos de Xan Campos a piano solo, hasta que poco a poco batería y contrabajo van incorporándose, y el trío entra en una dinámica de intensidad que marcará casi todo el concierto, se presentó el pianista gallego en el Bogui Jazz que, por cierto, ha ganado en calidad acústica con la última remodelación que se le ha realizado. Campos interpreta sus temas explorando vías sonoras que parecen no acabar, con frecuentes cambios de ritmo e intensidad, de forma que puede sentirse muy cómodo en terrenos melódicos y en otros menos rígidos y desatados.

 

En el concierto, Campos mostró ampliamente, en diez temas, su manera de entender la música avalada por cuatro discos como líder y diversas colaboraciones. Una trayectoria que se verá incrementada próximamente con un nuevo trabajo del que dio a conocer algunos de sus temas.

Los frecuentes impulsos y los cambios de intensidad son las principales características del trío. Campos tiene un fraseo tranquilo pero incisivo, donde se intercalan influencias inevitables de percibir que van desde el Esbjörn Svensson Trio hasta Brad Mehldau, acometiendo temas de índole rockero, pasando por Keith Jarrett. Las composiciones de Campos tampoco son ajenas a su formación de pianista clásico con desarrollos improvisados en muchos de los temas. La rítmica del grupo está muy conjuntada. Los fraseos eléctricos de Campos, alternando momentos lentos con otros llenos de mayor colorido, van aumentando en intensidad y se convierten en ritmos envolventes.

 

 

Partiendo de una melodía o de una sucesión de notas muy apoyadas por el contrabajo y la batería, el trío va subiendo el voltaje y la intensidad en sus interpretaciones, hasta entrar en una espiral de sonidos en los que el trío se mueve a las mil maravillas.

Por supuesto, como buen gallego en su música se aprecian baladas con influencias de danzas potenciadas muy bien por Horacio García e Iago Fernández, mientras el propio Campos va marcando la senda por la que el trío se va internando. En su música Campos crea diferentes ambientes sonoros en los que el jazz y la clásica se dan la mano, se interfieren e incluso se pelean, dando lugar a un crisol creativo interesante. Todo ello perfectamente trabajado en el apartado de los arreglos y las armonías e interpretado con gran calidad por parte de los tres músicos.

Texto: © Carlos Lara, 2018

Fotografías: © Enrique Farelo, 2018

Razones para el jazz: un concierto. Dexter Gordon (El “Johnny”, Madrid. 1982)

Un concierto. Dexter Gordon Quartet (CMU San Juan Evangelista, Madrid. 1982-04-23)

Seleccionado por Enrique Farelo

Dexter Gordon Quartet:

Dexter Gordon: saxo tenor

Kirk Lightsey: piano

David Eubanks: contrabajo

Eddie Gladden: batería

Dominique Vantomme con Tony Levin y Michel Delville: Vegir 2018 (Moonjune Records, 2018) [Grabación]

Dominique Vantomme es un teclista belga que presenta su primer trabajo en solitario y lo hace de la mano del bajista Tony Levin (Peter Gabriel, King Crimson y Stick Men), el guitarrista Michel Delville (The Wrong Object, Machine Mass y douBt) y el baterista belga Maxime Lessens.

El comienzo no puede ser más acertado no solo por la formación de la que se hace acompañar sino también por la elección del sello en el que grabar: Moonjune Records, el cual se ha convertido en uno de los referentes a nivel mundial de la música progresiva, ya sea en su vertiente jazz, rock, o en ambos.

Vegir supone un desafío y una búsqueda constante de nuevos sonidos por lo que podemos calificar a Dominique Vantomme como un explorador incansable que escudriña cualquier rincón de la música progresiva para avanzar y avanzar sin desmallo.

“Double Down” abre y marca el camino a seguir en Vegir con un Dominique Vantomme que se alinea con Mike Ratledge (Soft Machine) desde el Fender Rhodes con un sonido minimalista e interactuando con un Michel Delville atmosférico y ácido-disonante.

“Equal Minds”, en un primer momento cambia su punto de vista y vira hacia una balada de carácter pinkfloydiano con Dominique Vantomme recordando al teclista nipón Isao Tomita al Mini Moog para posteriormente caer en la disonancia y el ruidismo más progresivo y abrasivo que casi podríamos decir que desemboca en una macabra canción de cuna.

“Sizzurp” muestra dotes rock canterbury pero desde la dureza gruñona de Michel Delville frente al ponderado y fantasmal teclado de Dominique Vantomme donde Tony Levin y Maxime Lenssens parecen rebajar la tensión con un final ambient.

De ritmo funk-rock con Tony Levin y Maxime Lenssens se presenta “Playing Chess With Barney Rubble” para ir evolucionando con una instrumentación compleja de constantes cambios de ritmo y multitud de sonidos diferentes que la convierten en una pieza caleidoscópica donde Dominique Vantomme alterna Mini Moog, Fender Rhodes y el piano acústico frente a la acidez de la guitarra de Michel Delville que vuela alto desde la distorsión rockera y que termina con Tony Levin y Maxime Lenssens marcando el paso hasta la disolución.

“The Self Licking Ice-cream Cone” es otra composición de rock progresivo Canterbury fantásticamente estructurada donde brilla la experimentación, la psicodelia y los arreglos elegantes que recuerdan a Caravan, y más concretamente a su álbum Waterloo Lily de 1972 pero de mayor dureza e intensidad que aquel. Sin duda uno de los momentos álgidos de la obra.

“Plutocracy” es el corte de menor duración pero no por ello carece de importancia, muy al contrario, aporta experimentación vanguardista de primer nivel rica en textura y matices de principio a fin.

“Agent Orange” nos inunda de deliciosos ecos, atmósferas ambient y rock psicodélico. Tony Levin marca la pauta, Maxime Lessens nos conduce, Dominique Vantomme envía mensajes reverberantes desde la lejanía y Michel Delville se debate entre Terje Rypdal y Jimi Hendrix para alcanzar otro de los capítulos de mayor interés de Vegir.

En el excelente “Emmetropia” se mezclan un sinfín de posibilidades lisérgicas que abrazan por momentos al sonido King Crimson, la estructuración de Soft Machine o el rock cósmico de Terje Rypdal como colofón a una obra de debut de primera magnitud.

 © Enrique Farelo, 2018

Dominique Vantomme con Tony Levin y Michel Delville: Vegir

Dominique Vantomme (Piano Eléctrico Fender Rhodes, Piano, Mini Moog, Mellotron), Michel Delville (Guitarra Eléctrica), Tony Levin (Guitarra Bajo, Chapman Stick) y Maxime Lenssens (Batería)

“Double Down”, “Equal Minds”, “Sizzurp”, “Playing Chess With Barney Rubble”, “The Self Licking Ice-cream Cone”, “Plutocracy”, “Agent Orange” y “Emmetropia”.

Todas las composiciones de Dominique Vantomme.

Grabado en el estudio Jezuz de Pascal Deweze en Hoboken (Bélgica) el 29 de Octubre de 2016.

Publicado en 2018 por MoonJune Records.

Dusan Jevtovic: Live at Home (Moonjune Records, 2018) [CD – Grabación]

Dusan Jevtovic maneja su grupo como si de una montaña rusa se tratara, subiendo y bajando, se ralentiza y acelera hasta el vértigo, y modulando desde la reflexión intimista hasta la pasión desenfrenada y disonante desde su guitarra gruñona en contraposición al piano y Fender Rhodes de Vasil Hadzimanov que atempera con serenidad en todos y cada uno de los capítulos de Live at Home.

Con “No Answer” (No Answer 2017) comienza este viaje desde la tranquilidad sosegada, desde la originalidad de cambios constantes de ritmo y matices que le confieren un colorido impactante y sugerente. Brillan con luz propia Dusan Jevtovic en la guitarra eléctrica y sobre todo Vasil Hadzimanov con un solo de Fender Rhodes que parte el tema en dos para mayor riqueza del mismo. De parecidas características en cuanto a los matices, texturas y riqueza instrumental se muestra “Briga”, una pieza en la que acontece un sinfín de cosas, donde se superpone capa sobre capa que la convierte en un “caja de Pandora” de la que salen multitud de posibles sonidos. Reminiscencias al disco de 1977, Moroccan Roll del grupo inglés Brand X.

Voces femeninas fantasmales de misteriosos aires góticos y final explosivo que se diluye en el silencio.

“Angel-Al Aire – Soko Bira” (No Answer 2017) es una doble pieza divida entre la parte vocal (“Angel”) que sirve de introducción a una segunda (“Al Aire – Soko Bira”) donde se yuxtaponen líneas complejas de dualidad guitarrística y teclados que van desde lo reflexivo a lo intenso-disonante y que se estructura en el mejor jazz-rock de Return To Forever o en pasajes minimalistas de Soft Machine.

Algo muy similar acontece en “Ohrid”, pieza compleja y elegante, agresiva y serena a partes iguales que juega con paisajes de claro-oscuro y vuelve su mirada a Return To Forever, especialmente a Where Have I Loved You Before.

En “New Pop” (Xadu–Random Abstract 2015) el sonido se torna más contundente y constante acercándose al funk-rock. Dusan Jevtovic se debate entre los riff de rhythm and blues y las intervenciones de Vasil Hadzimanov en el Fender Rhodes muy hermanado con Chick Corea.

“Babe” es una pieza de metal pesado entre las voces étnicas sampleadas y las influencias crimsonianas personalizadas en el guitarreo a lo Robert Fripp por parte de Dusan Jevtovic.

“Gracias Y Perdon – Outro” (On The Edge 2009) no supone un final, sino más bien un hasta pronto y lo hace desde el prisma disonante pinkfloydiano y psicodélico que termina inconcluso.

© Enrique Farelo, 2018

Dusan Jevtovic: Live at Home (Moonjune Records, 2018)

Dusan Jevtovic (guitarra eléctrica), Vasil Hadzimanov (piano acústico, Fender Rhodes y Mini Moog) Pera Krstajic (bajo eléctrico) y Pedja Milutinovic (batería)

1 “No Answer”, 2 “Angel/Al Aire – Soko Bira”, 3 “Ohrid”, 4 “New Pop”, 5 “Babe”, 6 “Briga” y

7 “Gracias Y Perdon – Outro”.

Todas las composiciones de Dusan Jevtovic excepto “Ohrid” y “Briga” de Vasil Hadzimanov.

Grabado en directo en Decije Pozoriste, Kragujevac, Serbia el 23 de diciembre de 2016. Publicado en 2018 por MoonJune Records.

Wingfield – Reuter – Sirkis: Lighthouse (MoonJune Records, 2017) [Grabaciones]

Hablar de Wingfield, Reuter y Sirkis es hablar del devenir y del futuro fabricado en el presente en tiempo real. Es hablar de un triunvirato de poder que no se fija límites.

Siete piezas componen Lighthouse y lo hacen marcando pauta y estilo suponiendo un cambio de marcha que evoluciona y hace evolucionar el jazz-rock progresivo a cuotas de alto voltaje que se funden con desparpajo en pasajes sonoros lisérgicos de atmósferas fantasmales y delirantes.

“Zinc” es la puerta que se abre a un mundo de ensueño de tintes arábigos que cautivan por su fuerza y energía para dar paso a “Derecho” donde los guitarreos se hacen blandos y se deshacen flexibles retorciéndose en multitud de notas sostenidas sumergiéndose en aullidos devastadores y replique de tambores pavorosos y ecos del otro lado.

Resulta realmente difícil no relacionar a Terje Rypdal en los comienzos de “Ghost Light”, la composición de mayor desarrollo del álbum.

“Ghost Light” propone un viaje sonoro tanto por el espacio como por los inhóspitos fiordos noruegos cargado de ambientes oscuros y psicodélicos que nos envuelve el cerebro con un velo neblinoso y sutil. Música trascendental e introspectiva a la par que intelectual e intensa, música para dejarse ir y perderse en texturas imposibles de mundos adimensionales más allá de la razón.

Lighthouse continúa con parecidos parámetros en “Magnetic” con un Asaf Sirkis elegante y turbador en el empleo de los platos para ir echando fuego a medida que se va desarrollando este juego de sonidos endiablados con entradas y salidas de las guitarras en forma de cuñas sónicas que se retuercen en un sinfín de amalgamas y matices corrosivos.

En “A Hand In The Dark” es inevitable, yo diría necesario esta la extenuación volver al abrazo sempiterno del maestro noruego Terje Rypdal. No puedo dejar de nombrar y recordar su disco Blue de 1986 con The Chaser.

“A Hand In The Dark” es corto y denso. Es una catedral de sonido reverberante e infinito que se pierde en lontananza…

La poesía oscura y disonante aúna fuerzas en “Transverse Wave” una pieza de paisajes fluidos e hipnóticos y que busca y encuentra la alteración mental.

Es “Surge” una declaración de intenciones a la neurosis obsesiva, agresiva y Frippertronica de King Crimson. Rock progresivo sulfuroso que finaliza perdiéndose en el silencio.

Lighthouse es jazz-rock progresivo de presente-futuro que bebe de las fuentes del pasado escanciando la mejor de las esencias en la copa del devenir.

© Enrique Farelo, 2018

Wingfield – Reuter – Sirkis: Lighthouse (MoonJune Records, 2017)

Músicos: Mark Wingfield: guitarra eléctrica, Markus Reuter: touch guitarra eléctrica, au8 y Asaf Sirkis: batería.

Composiciones: “Zinc”, “Derecho”, “Ghost Light”, “Magnetic”, “A Hand In The Dark”, “Transverse Wave” y “Surge”.

Música compuesta por Wingfield, Reuter y Sirkis.

Moonjune records 2017 MJR 088.

Grabado por Jesús Rovira en La Casa Murada Estudios, Banyeres del Penedés, Catalunya, España, el 18 de febrero de 2016. Grabado en vivo en el estudio sin overdubs (técnica de sobreponer capas de audio) y sin ningún tipo de edición posterior. La música de este álbum se compuso en el momento de tocar, sin música escrita o ensayada.

Boreas: In my Life (tinymoon records -orig-, 2017 -reed.digital) [Grabaciones]

Boreas es el nuevo proyecto del guitarrista gallego Álvaro Vieito en el que revisa siete composiciones del grupo de Liverpool, The Beatles, y una última de Meredith Willson (“Till There Was You”) desde la perspectiva del jazz y la improvisación.

Por ser evidente no pierde ni un ápice de originalidad ni de calidad que un cuarteto de jazz le dedique su buen hacer a rememorar la música de un de los grupos de pop-rock más influyentes y afamados del siglo XX como son los Beatles.

Las piezas se ajustan al guion marcado originalmente por Lennon-McCartney y se hacen reconocibles a cualquiera que se acerque a este último proyecto liderado por guitarrista gallego Álvaro Vieito.

El gusto exquisito y el toque elegante de las ocho piezas seleccionadas es una característica intrínseca del cuarteto que se “apropia” de todas y cada una de ellas como si fueran composiciones propias. La obra sigue una línea continuista en la que no se aprecian altibajos artísticos y cuyos momentos más delicados se ofrecen en las baladas como “Michelle” y “Yesterday”.

El proyecto se dirige y digiere con soltura, sin esfuerzo y entrando fácil al oyente que a buen seguro disfrutará de este lenguaje distinto que traduce e interpreta al cuarteto de Liverpool y que convierte su música en standard del siglo XXI, y que disfrutaran a partes iguales amantes del jazz y seguidores de los Beatles.

© Enrique Farelo, 2018

Boreas: In my Life (tinymoon records -orig-, 2017 -reed.digital)

Álvaro Vieito, guitarra; Xan Campos, piano; Luis Salto, contrabajo; Jesús Pazos, batería

“Eleanor Rigby”, “In My Life”, “Can’t Buy Me Love”, “Michelle”, “And I Love Her”, “Come Together”, “Yesterday”, “Till There Was You” (Meredith Willson)

Todas las composiciones de Lennon-McCartney, salvo la indicada.