martes, 1 de mayo de 2018

Rudresh Mahanthappa´s Bird Calls (Festival Internacional de Jazz de Madrid, Auditorio Conde Duque, Madrid. 2016-11-17) [Concierto]


Festival Internacional de Jazz de Madrid

Fecha: Jueves, 17 de noviembre de 2016
Lugar: Auditorio del Centro Cultural Conde Duque (Madrid).
Formación:
Rudresh Mahanthappa´s Bird Calls
Rudresh Mahanthappa: saxo alto.
Adam O’Farrill: trompeta.
Joshua White: piano.
Francois Moutin: contrabajo.
Rudy Royston: batería.

 
                                    Rudresh Mahanthappa´s Bird Calls

El aclamado saxofonista Rudresh Mahanthappa pasó por el Festival de Jazz de Madrid y su actuación no fue de las que dejan indiferente al personal. Al mando de un quinteto formado por muy buenos y contrastados músicos, pese a su juventud, presentó los temas que componen su último disco –Bird Calls– , una colección de piezas inspiradas en composiciones del músico de Kansas City, que la revista Downbeat consideró como mejor disco del año 2015.

                                         Rudresh Mahanthappa

Que la sombra de Charlie Parker sigue siendo muy alargada se demuestra en conciertos como el protagonizado por este quinteto, en el que las enérgicas aportaciones del saxo y la trompeta se convierten en su seña de identidad, tal y como ya sucediera en las bandas de Parker y Gillespie.

                                                    Joshua-White

En su puesta al día del característico estilo parkeriano, el músico de origen hindú puso en marcha un bop avanzado, lleno de fraseos muy atinados, con una espléndido respaldo de la sección rítmica, en especial el contrabajista Francois Moutin, un todo terreno que es capaz de echar el resto en su empeño por elevar la intensidad del grupo.

                                                     Adam-Ofarrill

En línea con el repertorio que conforma el disco, se sucedieron las piezas “Bird Calls #1”, “Bird Calls #2”, “Bird Calls #3” y “Bird Calls #5”, que funcionan a modo de interludios que dan paso a los diferentes temas, con los que, en formación más reducida, saxo, trompeta y batería, el quinteto se mostró sumamente compacto y arrollador en la mayoría de los temas. Mahanthappa sigue el esquema de Charlie Parker en “On the DL” cogido de “Donna Lee,” piezas como “Dexterity” se convierten en “Both Hands” y las líneas melódicas de “Now’s the Time” se incorporan a “Maybe Later”.

                                       Francois-Moutin

                                                           Rudy-Royston

Rudresh Mahanthappa se mostró sobresaliente en cada uno de los registros que acometió y en los famosos riff de Parker aportó su punto de originalidad. En sus fraseos que emulan al maestro no pudo tampoco evitar remitirse a las esencias de su país de origen. Este gentleman del saxofón acompaña técnica y sensibilidad casi sin inmutarse. Por su parte, el trompetista de 20 años Adam O’Farrill, hijo de Arturo O’Farrill, domina la técnica del bop a las mil maravillas; el pianista Joshua White, aunque realizó un único solo, mostró su gran sabiduría en acompañamiento rítmico en todo el recital; y el veterano contrabajista francés François Moutin, fue arrollador en el solo que realizó para el tema “Talin is Thinking” y el baterista Rudy Royston, brillante en la pieza “Sure, Why Not?”, constituyeron un perfecto acompañamiento para este gran saxofonista a quien ya hemos tenido la ocasión de disfrutar con otros proyectos, especialmente con el pianista Vijay Iyer. Tal como un rey Midas, todo lo que toca Rudresh Mahanthappa lo convierte en oro y como muestra valga el botón de su brillante trayectoria y su impecable discografía.

Texto: © Carlos Lara, 2016
Fotografías: © Enrique Farelo, 2016

Giulia Valle Trío (Festival Internacional de Jazz de Madrid, Auditorio Conde Duque, Madrid. 2016-11-26) [Concierto]


Festival Internacional de Jazz de Madrid

Fecha: sábado, 26 de noviembre de 2016
Lugar: Auditorio del Centro Cultural Conde Duque (Madrid).
Formación:
Giulia Valle Trío
Marco Mezquida: piano
Giulia Valle: contrabajo
David Xirgu: batería.

                                                    Giulia Valle Trio

Giulia Valle es una contrabajista con un bagaje, tanto a nivel instrumental como compositivo, muy importante. Al frente de sus grupos -en quinteto u octeto-, sus actuaciones y sus discos nos muestran una persona con las ideas muy claras, con inquietudes, dispuesta a explorar y siempre con renovadas propuestas. Y siendo fiel a esta trayectoria, Giulia Valle ha formado un trío muy interesante y digno de tener en cuenta. De entrada, se ha rodeado de dos de los mejores rítmicos del país, Marco Mezquida y David Xirgu. Juntos se han estrenado con una grabación realizada en directo en San Francisco, después de haberse rodado nada menos que en el Blue Note de Nueva York y en importantes clubes canadienses. Casi nada para estos músicos que han visto así reconocida su calidad en dos países donde el jazz forma parte de sus señas de identidad.

                                          Giulia Valle

El trabajo que realiza esta “cataliana” (como ella misma se define, ya que nació en Italia y llegó con cinco años a Barcelona), es encomiable. Su modo de entender el jazz como catalizador para que fluyan los sentimientos y las emociones lo pudimos percibir de primera mano en el Auditorio del Centro Cultural Conde Duque. En contraste con los grupos más numerosos, el acústico del Giulia Valle Trío posibilita una mejor intercomunicación entre los músicos y los libera en cierta forma para gozar de una mayor libertad creativa, presente a lo largo del concierto.

                                               Marco-Mezquida

El recital pivotó en su totalidad sobre los ocho temas que componen Live in San Francisco. Abriendo con “Opening”, una pieza de corte melódico en la que el contrabajo marca mucho la ruta a seguir, mientras, por su lado, el piano y la batería también van intensificando sus sonidos. Marco Mezquida apuesta por esa rapidez en los fraseos que le caracteriza. El tema va adquiriendo cada vez más fuerza y se introduce por unos cauces sumamente modernos. David Xirgu, en la batería, sabe estar a la altura, no se muestra nada estridente y no abusa de la contundencia. En la siguiente, “Reguetown”, entramos en ritmos más emocionantes con el contrabajo marcando diversos riffs, que acompañan a la perfección los otros dos componentes. Se mezclan los sonidos de ciertos aires caribeños, para lo cual el pianista y el batería aguantan hasta el final el endiablado ritmo que les marca el contrabajo. “Llueve” se inicia muy suave, más lírica e introspectiva, y destaca por un solo improvisado de contrabajo brillante.

                                          David-Xirgu

En “Break a Loop 2.0” se produce un giro mucho más rítmico al concierto. Para “Capitan Courage” (dedicada al hijo de unos amigos de Giulia) el ritmo pausado del trío, enlaza de pronto con un marcado cambio de intensidad en un break del contrabajo hacia trayectos más asonantes y con improvisaciones más complejas. Marco Mezquida demuestra aquí que es un pianista que atesora mucha clase, con un estilo definido que, unido, a la experiencia de David Xirgu, configuran una rítmica muy potente.

Ya en la recta final del concierto, el trío acomete “Chacarera Búlgara”, que comienza con unos ritmos festivos y el trío sonando muy compacto. Hay como una decantación a sonidos muy mediterráneos, con cambios de registros originales. La aportación compositiva de Marco Mezquida se nota en “Joya”, una pieza baladística con una bonita melodía en honor de su hijo, donde muestra sus grandes dotes para el blues. La última pieza, “Lucy-Lú” desprende un cierto aroma groove y marchoso, abierto a unas mayores labores de improvisación.

                                           Giulia Valle

Intensa, impredecible y cautivadora, los calificativos son pocos para definir la música que ofrece este extraordinario trío, al frente del cual está una gran contrabajista.

Texto: © Carlos Lara, 2016
Fotografías: © Enrique Farelo, 2016

Dhafer Youssef 4Tet (Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez – Sala Guirau, Madrid.) [Concierto]


Fecha: 12 de noviembre de 2016
Lugar: Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa (Madrid)
Grupo:
Dhafer Youssef 4Tet
Dhafer Youssef (Laúd y voz)
Ben Williams (Contrabajo)
Justin Faulkner (Batería)
Aaron Parks (Piano)

                                          Dhafer Youssef 4Tet

Comentario: Dhafer Youssef se presentó en Madrid dentro del marco del festival de jazz 2016 con el firme propósito de agradar al numeroso público de llenaba la sala Guirau del Centro Cultural de la Villa, Fernán Gómez.

Dhafer Youssef es uno de los tres grandes intérpretes del laúd árabe (oud) junto al también tunecino Anouar Brahem y al libanés Rabih Abou-Khalil, y su presencia en Madrid se vio reforzada con la presentación de su último trabajo de estudio: Diwan of Beauty and Odd (Okeh Records, 2016). Con respecto al disco el trompetista Ambrose Akinmusire y el batería Mark Guiliana no se presentaron, uno por ausencia y el otro por sustitución por el también baterista Justin Faulkner.

                                            Justin Faulkner 

Desde el primer momento vimos un público entregado y entusiasmado con la música de Dhafer Youssef y éste ejerció de maestro sufí a través de su voz, rezumando un discurso recitativo y espiritual de gran fuerza y cuyos ecos dolientes convirtieron la sala en un lugar sagrado, cuya magia solo fue rota por la entrada en escena del resto de instrumentistas que componían el cuarteto.

Los delicados diálogos de Aaron Parks y el laúd de Dhafer Youssef insinuaban aires flamencos y brisas mediterráneas y en “17th Flyways” la combinación se acentúa en forma de afinación inteligente donde aparentemente piano y laúd suenan como un único instrumento solo detectado por una escucha atenta en su justa división.

                                           Aaron Parks 

 El cuarteto en ausencia de Dhafer Youssef adquiere características propias del hard bop, sonido swinguante que sirve de excusa para que Aaron Parks desarrolle su máxima fluidez acompañado por el golpeo seco y duro hasta la extenuación del batería Justin Faulkner y con el apoyo del bajista Ben Williams siempre presto a servir de nexo de unión entre ambos.

La verdad es que Justin Faulkner se significó como un espectáculo en sí mismo por su contundencia y precisión que le convierten en un batería de mucho fuste capaz de hacer saltar por los aires pequeños fragmentos de sus baquetas en el interminable golpeo de parches y platillos.

                                                Ben Williams 

Aaron Parks, por el contrario es la poesía, el lirismo, la calma y la reflexión, no en vano posee un registro a su nombre en el sello alemán ECM Records, Arborescence (2013) a piano solo. Ben Williams se mostró como un disciplinado y convincente bajista siempre atento a las necesidades del grupo.

De Dhafer Youssef podemos contar sus innumerables problemas de afinación de un difícil de afinar oud y de un sonido no del todo convincente con respecto al cuarteto: quizás no se escuchó con la claridad suficiente y no tuvo el protagonismo que debió tener.

                                             Dhafer Youssef 

Lo cierto es que el cómputo total del concierto me deja un poso un tanto contradictorio. Quizás esperaba más a tenor de lo visto y disfrutado en anteriores ocasiones. Si por un lado podemos señalar la espiritualidad en forma de cantos inspirados en la tradición sufí, la mezcla lírica y la intensidad, (casi de rock) con el jazz y la World Music de la música tradicional de Túnez y los sonidos mediterráneos, por otro pienso que sobró cierto protagonismo mediático y casi mesiánico por parte de Dhafer Youssef que en ocasiones, especialmente en los últimos compases del concierto y en los bis, invitó a todos los asistentes a participar de una fiesta más propia de una sala de fiestas que de un concierto serio. Todos en pie dispuestos a seguir el ritmo con las palmas y quién sabe si a danzar una música más bien afín al Son cubano, tan impropia de lo que en principio entendíamos que se iba a escuchar. Este es mi sentir, aunque soy consciente de lo impopular de esta opinión, pues a la vista estuvo lo gozoso y placentero que supuso todas estas manifestaciones entre el entregado aficionado.

En definitiva “demasiado ruido y pocas nueces”.

Texto: ©, Enrique Farelo 2016
Fotografías: © Sergio Cabanillas, 2016

Michal Wróblewski Trio (Festival Internacional de Jazz de Madrid, Auditorio Conde Duque, Madrid. 2016-11-18) [Concierto]


Festival Internacional de Jazz de Madrid

Fecha: viernes, 18 de noviembre de 2016
Lugar: Auditorio del Centro Cultural Conde Duque (Madrid).
Formación:
Michal Wróblewski Trio
Michał Wróblewski: piano
Michał Kapczuk: Contrabajo
Sebastian Kuchczyoski: Batería.

                                      Michal-Wroblewski

Su último trabajo data del año 2014 y lleva por título City Album; igualmente ha grabado con su cuarteto con una orquesta sinfónica en un disco cuyo título es Jazz y Orquesta, además de formar parte del grupo del trompetista americano Terence Blanchard y de ser uno de los pianistas emergentes y de mayor futuro en Polonia.

                                        Michal-Wroblewski-trío

El poder de juzgar lo que no se conoce de antemano es prejuzgar y es en el error que no quisiera incurrir: el hablar de un pianista emergente (pero desconocido para mí) como es el caso que nos ocupa, no es la mejor medicina para abordar lo que pude presenciar en vivo. Es posible que Michal Wróblewski Trio suene en disco distinto a como lo hizo en Madrid, pero lo cierto es que a mí me sonó muy americano y muy swingueante y menos delicado según referencias cogidas de aquí y allá. Piezas como “Chopin Street” (Frédéric Chopin) perteneciente a su álbum City Album sí que conservan y ofrecen esa parte pianística fina y “femenina”, al estilo del maestro Bill Evans. Por contra composiciones como “Joyride” ha sonado a una forma de ver el jazz más bien virado hacia su cuna, al blues y al hard bop de los años 60 y 70 y lo han hecho con un frenesí muy notable, algo que volvió a suceder en “Warsaw Blues” donde la melodía y la armonía se fundieron en una pasión sin freno y donde Michał Wróblewski casi hizo saltar las teclas por los aires. No menos energética y swingueante fue “Subway” que poseída por un ritmo frenético y una velocidad superlativa encandiló al numeroso público que aplaudió y vitoreó sin desmayo.

                                             Michal-Wroblewski

Sinceramente pienso que esta manera de tocar se debió fundamentalmente a la presencia, y muy acusada, del brillante batería Sebastian Kuchczyoski, el cual tuvo por norma recorrer con inusitada velocidad todos los parches y platillos golpeándolos sin piedad con soltura y maestría con el firme propósito de mantener acaloradas conversaciones con el piano de Michał Wróblewski ante la mirada atenta y ensambladora de un imprescindible Michał Kapczuk al contrabajo.

                                          Michal-Kapczuk

Michal Wróblewski y su trío se entregaron sin reservas haciendo de su música un arte reconocible y sincero donde tienen cabida el swing y el feeling por encima de la reflexión y el intelecto pero sin carecer de la masa gris necesaria ni olvidar el componente poético.

                                  Sebastian-Kuchczyoski

Ah por cierto, no quisiera dejarme en el tintero una curiosa coincidencia que la vida nos regala. Michal Wróblewski, el pianista que nos ocupa, tiene su homónimo en la República Checa y es saxofonista y clarinetista. Dos Michal Wróblewski que se dedican al jazz y de diferente nacionalidad pero igual nombre. ¿Quién da más?

Texto y Fotografías: © Enrique Farelo, 2016

lunes, 30 de abril de 2018

Nani García Trío: Cinematojazzía (Xingra, 2016) [CD]



Cinematojazzía se basa en la exploración de bandas sonoras para series de televisión, películas de animación o teatro. Compuesto por nueve temas interpretados fundamentalmente en clave de jazz y cuya autoría corresponde en su totalidad a Nani García.

Abre el disco “De profundis” una pieza para trío y cuarteto de cuerda y perteneciente a la película española de animación del año 2007 (Miguelanxo Prado) y que desde aquí recomiendo vivamente. Dicha pieza resume el sentir de la obra con un sonido delicado y bello donde el cuarteto de cuerdas tiene un rol preponderante, a excepción hecha de “Pratos combinados para trio”, que recuerda a Keith Jarrett Trío, y “Quen me dera na casiña”, pieza dinámica y eléctrica con la que cierra el disco.

Cinematojazzía posee una línea argumental coherente basada en la sensibilidad intimista que nos acerca a paisajes visuales e imaginativos que producen estados emocionales de paz y tranquilidad y que invitan a la reflexión serena. Casi podríamos hablar de un acercamiento al jazz naif de cámara o al jazz de la Third Stream (“Vals de Celavella” y “Preludio nº1 para cuarteto de cuerda e percusión”) e incluso al minimalismo y el tango en “Bosquexos sobre el niño de barro”.

© Enrique Farelo, 2017

Nani García Trío: Cinematojazzía


Músicos: Nani García (piano y samplers), Miguel Cabana (batería) y Simón García (contrabajo) más Eduardo Coma (violín), Lázaro Wilmam González (violín), Raymond Arteaga (viola) y Luis Enrique Caballero (cello).

Composiciones: “De profundis”, “Grande sole”, “Limpeza de sangue”, “Agoiro do mar ferido”, “Vals de Celavella”, “Pratos combinados para trio”, “Preludio nº1 para cuarteto de cuerda e percusión”, “Bosquexos sobre el niño de barro” y “Quen me dera na casiña”
Todas las composiciones de Nani García.

Grabado el 9 y 10 de mayo de 2015, el 27 y 28 de diciembre 2015 y el 2 y 3 de abril 2016 en estudios Bruar (A Coruña)

Publicado en 2016 por Xingra

Pete Oxley Y Nicolas Meier: The Colours Of Time (MGP Records 2016) [CD]


Diez piezas componen el primero de los CD de The Colours Of Time, dos guitarristas y multitud de guitarras acústicas, eléctricas, sintetizadas o con cuerdas de nailon que sirven de pretexto para alcanzar un fin bello en sí mismo a través de un recorrido colorista y ameno como pocos, no exento de virtuosismo y dominio total de multitud de estilos.

Composiciones cuidadas y elaboradas, juego de estados anímicos y texturas ricas en matices que hacen que te sientas bien y en paz contigo. Frescura e imaginación a partes iguales que busca lo novedoso y la sorpresa expresionista en un viaje por diversos lugares y paisajes vistos desde el vehículo del que sirven estos dos destacados músicos.

Pete Oxley y Nicolas Meier algo tienen que ver con Larry Coryell y Philip Catherine y su magnífico trabajo del año 1977, Twin House.

The colours of Time es más sereno y comedido y Twin House es más rápido y las escalas son vertiginosas, más en la línea del jazz manouche. Algo tienen que ver sí, pero para complementarse en una misma moneda en el cada dúo encuentra su cara y su cruz ambas de capital importancia.

Son elegantes “The Key of Klimt” y “Meeting Dewa”.

¡Qué bella serenidad en “A Piece of Peace”!

¡Cómo me recuerda a Django Reinhardt “Waltz for Dilek”!  En “In Restless Respose”  Pete Oxley se viste de Pat Metheny con su guitarra sintetizada para hacernos gozar, algo que vuelve a acontecer en “First Day of Spring” pero esta vez a la guitarra eléctrica y con Nicolas Meier interactuando con la guitarra acústica de 12 cuerdas que nos lleva a pensar en el New Chautauqua del guitarrista americano. “Song for Z.T.” me lleva a pensar  en el guitarrista británico Stephen Caudel por su sonido New Age y su música de paisajes pastoriles y campestres. Un placer sin duda.

El segundo de los discos cuenta con el concurso de Raph Mizraki al bajo eléctrico y el contrabajo y Paul Cavaciuti en la batería y la percusión.

Se abre con “The Followers” una pieza muy en la línea de Pat Metheny, continúa con una preciosa balada, “Looking West”, en la que se van alternando en los solos Pete Oxley y Nicolas Meier. “Chasing Kites” se desenvuelve entre la bossa nova y el jazz, destacando Paul Cavaciuti a la batería y los diálogos entre Pete Oxley y Nicolas Meier una vez más. “Riversides” es un guiño a la música turca con un solo de Nicolas Meier a la guitarra glissentar (guitarra de 11 cuerdas sin trastes y de cuerdas de nailon); “Tales” bordea la influencia mediterránea; en “The Purple Panther” nuevamente la alternancia de los dos guitarristas alcanza cuotas brillantes en una pieza de jazz swingueante, algo que volvemos a encontrar en “Fethiye Crossroads” si bien la influencia étnica está aquí más presente; en “Breeze” brilla con luz propia el bajo eléctrico de Raph Mizraki, la guitarra glissentar de Nicolas Meier en otro acercamiento a la música turca.

The colours of Time va más allá del jazz, es simplemente música.

¡Disfrútala!

© Enrique Farelo, 2017

Pete Oxley y Nicolas Meier: The colours of Time

Músicos: Pete Oxley y Nicolas Meier (Guitarras) en CD1 y CD2. Con Raph Mizraki (Bajo eléctrico y Contrabajo) y Paul Cavaciuti Batería y Percusión) en CD2

Composiciones:

CD1/Duo. “The Key of Klimt”(Pete Oxley), “Meeting Dewa”( Nicolas Meier) , “A Piece of Peace”( Pete Oxley), “Waltz for Dilek”(Nicolas Meier), “Princes’ Island”(Nicolas Meier), “In Restless Respose”( Pete Oxley), “Song for Z.T.”(Pete Oxley), “Sahara” (Nicolas Meier), “Bosphorus” (Nicolas Meier) y “First Day of Spring” (Pete Oxley).

CD2/Cuarteto. “The Followers” (Nicolas Meier), “Looking West”( Pete Oxley), “Chasing Kites”( Pete Oxley), “Riversides”( Nicolas Meier), “Tales”(Nicolas Meier), “The Purple Panther”(Pete Oxley), “Breeze”(Nicolas Meier) y “Fethiye Crossroads”(Nicolas Meier).

Grabado en mayo de 2016 en MGP estudios de Nicolas Meier el CD1.Cd 2 en julio de 2016 Blue Moon estudio (Oxforshire) de Mark Lee. Publicado en MGP Records 2016.

sábado, 28 de abril de 2018

Tándem: V Festival Complutense de Jazz "Complujazz" 2008


Fecha: 07 de julio de 2008.
Lugar: Jardín Botánico de la UCM (Madrid).
Componentes:
 Lorenzo Solano: saxo tenor, soprano y flauta.
Cheryl Walters: trombón
Andrés Olaegui: guitarra.
Jesús Pardo: teclados.
Isabela de Aranzadi: piano.
Luis Abela: batería.
Jorge Lafuente: contrabajo.
Carlos Mankuzo: percusión.
Artista invitado:
Grupo de baile Mamadou

 
                             Grupo de baile: Mamadou.

Comentario:
La clausura del V Complujazz vino de la mano del grupo madrileño de fusión étnica Tándem, cuya puesta en escena giró en torno al mundo africano, la tribu guineano-ecuatorial Esatop con su lengua fang y la inclusión del grupo de danza Mamadou.

                                                     Tándem. 

Su música es descriptiva, colorista e imaginativa, contando con buenos arreglos tratados con gusto y sencillez que llegan al oyente (avezado o no) con suavidad, facilidad y elegancia, obteniendo un sonido atractivo y sereno. La claridad de ideas les viene, sin duda, por su amor a la música, por tirar en la misma dirección y por la buena amistad y cariño que se profesan entre todos, prueba de ello son los muchos años que llevan tocando juntos y ocupando un lugar en la escena madrileña que sin ellos estaría vacante.

                                              Isabela de Aranzadi 

Con un único trabajo grabado, Ongoro (lagartija en lengua fang), se pusieron en marcha, si bien no fue precisamente con un tema de dicho álbum, sino más bien con una composición de otro que se encuentra en plena gestación, “Estela Funk”, pieza que describe y sugiere cadencias del lento caminar de las caravanas en el desierto encontrando su oasis en los solos de Lorenzo Solano, Cheryl Walters e Isabela de Aranzadi.

                                                 Jesús Pardo 

“Lila”,”De mimbre” y una renovada y africanizada “Ongoro” provenían de su primer disco. El resto fueron temas nuevos, “De Lejos”, “Etugu” (tortuga en lengua fang), “Mokuru Mandyim” (batiendo el agua, de nuevo en lengua fang) y la ya comentada “Estela Funk”, además de “Bolowe”, un tema compuesto por Andrés Olaegui especialmente diseñado para completar los directos y que posiblemente no sea incluido en disco alguno.

                                                          Jorge Lafuente

                        Luis Abela 

Precisamente “Mokuru Mandyim” y “Bolowe” destacaron por la colorista participación del grupo de danza Mamadou que amenizó y animó con sus movimientos ágiles, acrobáticos y tribales a todo el público, que terminó bailando al ritmo por ellos marcado en un final de fiesta africana espectacular.

                                             Carlos Mankuzo

 El reconocimiento de Tándem viene dado por su honestidad, por su sinceridad, por su labor de superación, por sonar más compactos y maduros, por intentar ser como Santana, Weather Report u Osibisa. Por la belleza de la flauta, el contrabajo y el piano en “Lila”, por las voces y la frescura selvática de“Ongoro”, por el contrabajo con arco de Jorge Lafuente, las atmósferas del sintetizador del Jesús Pardo y la guitarra gruñona y rockera de Andrés Olaegui en “Etugu”, por las composiciones de Isabela de Aranzadi y por la fusión de culturas y nacionalidades de sus miembros.

Texto © 2008  Enrique Farelo
  Fotos © 2008 Sergio Cabanillas